MATINE: LINTERNA VERDE

TÍTULO ORIGINAL: The Green Lantern
AÑO: 2011
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Martin Campbell
GUIÓN; Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim, Michael Goldenberg
MÚSICA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Dion Beebe
REPARTO: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Tim Robbins, Angela Bassett, Temuera Morrison, Jay O. Sanders
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Austrlia; DC Comics / Warner Bros. Pictures
WEB OFICIAL: http://www.greenlantern.com
GÉNERO: Ciencia ficción.

“En el día más brillante, en la noche más oscura,  el mal no escapará de mi guardia.Que aquellos que adoran al mal teman mi poder: ¡la luz de Linterna Verde!”

-Hal Jordan (Ryan Reynolds).

Linterna Verde es quizá el tercer superhéroe más poderoso e importante de la DC Comics  después de Superman (creo que esta a la misma altura de la Mujer Maravilla), del cual gran sector del público solo recuerda a un tipo con un anillo creando gigantescos puños o demás invenciones mentales como locomotoras y un sin fin de etc. para golpear a sus adversarios, por lo que obviamente aquel público que no esta familiarizado con la mitología de las aventuras del mítico Hal Jordan (el más importante de los Green Lartern Cops), solo  representará  un héroe secundario sin importancia. Pero para los fans o geeks del héroe esmeralda (como su servidor), es uno de los personajes más ricos e interesantes a nivel narrativo en el universo DC, sobre todo si han leído la miniserie Rebirth (2004-2005) escrita por Geoff Johns quien sienta las nuevas bases de los orígenes del superhéroe centrándose básicamente en los conflictos internos de Jordan y su correlación con la corporación de Los Linternas Verdes.

Hay que señalar que tanto este Rebirth como Siniestro Corps (2007)  y La Noche Más Oscura (2009) son bastante maduras y lúgubres a nivel narrativo y discursivo, motivo por el cual se han convertido en referentes culturales del personaje. Por tal motivo y habiendo leído estos, mis expectativas sobre la cinta de Martin Campbell eran bastante altas incluso aunque se por experiencia que tanto el medio narrativo natural de los comics como el cinematográfico son muy distintos, empero se también que se pueden hacer buenas adaptaciones como el Superman de Richard Donner (1979) o los Batman de Christopher Nolan (2005,2008) si se respetan aspectos tan básicos como son la propia naturaleza de estos personajes.

Sin embargo siento decir que el debut cinematográfico de Hal Jordan en la pantalla plateada ha quedado a deber y mucho diría yo, gracias a la ineficacia de un guión bastante estéril  y por momentos infantil (aun cuando lo firman ¡cuatro sujetos!) plagado de situaciones comunes y por supuesto a la incapacidad de un director al cual parece no atraerle el material con el que contaba, pues uno nota la desgana con la que filma todo el metraje, sin explorar en las motivaciones de los protagónicos, e incluso en las secuencias de acción estas se perciben pueriles y bastante cortas. 

Para los que no conozcan el origen de Linterna Verde la historia que nos cuenta Campbell es la siguiente, Hal Jordan (Reynolds) es uno de los mejores pilotos de la fuerza aérea norteamericana, su personalidad es la de un tipo rudo, mamón e irresponsable, motivo por el cual parece que siempre vive al límite sin importar las consecuencias de sus actos,  como nos muestra la primera secuencia donde se nos presenta a un Hal saliendo velozmente de su casa, casi en ropa interior, manejando como loco su auto por la ciudad para tratar de no llegar tarde a la base, ya que este tiene una prueba en la cual va volar su F16 en combate con unos aviones que gozan de inteligencia artificial, los cuales representan el futuro de la fuerza aérea ya que pretenden sustituir a los pilotos humanos en un futuro con la finalidad de minimizar errores.

Total que Jordan vuela junto a Carol Ferris (la bella Blake Lively) su amor eterno e hija del armamentista Carl Ferris (Jay Sanders), el cual por cierto busca vender los mentados aviones al senador Hammond (Tim Robbins bastante desperdiciado). Pero volviendo a la trama, resulta que Hal Jordan durante el vuelo de prueba demuestra que es un cabrón con dos cojones bien puestos y hace que los lujosos aviones fallen en la prueba provocando que el contrato de Carl Ferris peligre por que estas naves no demostraron ser mejores que un simple piloto humano, sin embargo esto no es lo que hace enojar a su superiores, lo que de verdad los hace encabronar es que Hal destruye accidentalmente su F16 cuando se ve incapacitado para retomar el vuelo en el momento que reaparecen ante el los recuerdos de la fatal muerte de su padre en un accidente de aviación (pues este era el mejor piloto de su epoca en las fuerza aérea) por lo que no puede reaccionar provocando la perdida total de la aeronave.

Obviamente Hal es reprendido por sus superiores y es suspendido, al tiempo que Carol esta a punto de mandarlo al carajo por su actitud, lo que hace que su vida sea un completo desastre, empero esta dará un vuelco cuando un alienígena llamado Abin Sur (Temuera Morrison) uno de los mejores linternas verdes, caiga herido y moribundo en la tierra otorgándole su anillo a Hal para que este lo remplace (bueno en si el anillo escoge a su huésped por sus aptitudes), ya que este agoniza gracias a que fue atacado por una entidad maligna llamada Parallax (voz de Clancie Brown) la cual tiene como único objetivo destruir a los green Lantern cops y a los guardianes del universo. 

Lo que sigue después es presenciar como Hal Jordan trata de adaptarse a sus nuevos poderes, los cuales le conllevan grandes responsabilidades, y básicamente esta sería la desabrida premisa que nos entrega Martin Campbell y su gran equipo de guionistas, la cual hubiera resultado atractiva si por lo menos los responsables del proyecto tuvieran la inteligencia de invertir por lo menos unas dos horas y media de metraje, con el objeto de  desarrollar y explorar las motivaciones del protagonista. Desgraciadamente para el respetable todo se cuenta demasiado rápido, sin la intención dramática que se necesitaba para ciertos pasajes de la historia, por lo que solo vemos como Hal Jordan acepta su destino en cinco minutos (no es broma) cuando este viaja al planeta OA para ser entrenado por  Kilowog (voz de Michael Clarke Duncan) y Sinestro (un genial Mark Strong) dicho adiestramiento dura eso, cinco minutos, eso si con un despliegue visual bastante cumplidor  el cual se diluye ante la desgana con la cual esta filmada por Campbell.

Asi mismo varios de los arcos argumentales que se exponen son desaprovechados en aras del espectáculo visual, por lo que personajes como Siniestro (Strong) quien es esbozado levemente como el gran villano que pudo haber sido queda relegado a un segundo plano (como si se lo estuvieran reservando para una secuela), al igual que el de  Héctor Hammond  (Peter Sarsgaard pasándosela pipa con su personaje) el cual es planteado como un geek malogrado del cual nunca creemos sus motivaciones. Incluso el personaje del propio Hal Jordan se percibe bastante indefinido, con todo y que se nota el esfuerzo de Ryan Reynolds por dotarlo de tridimensionalidad, y el personaje de Carol Ferris que interpreta la hermosa Blake Lively se siente de relleno como interes amoroso. Pero esto no es lo peor, pues el ente de Parallax queda relegado a un simple villano sin exaltaciones, inclusive este nunca llega a causar verdadero temor como en los comics (recordemos que Parallax es la materialización del miedo que existe en todos los seres humanos) y lo más infame es que Hal Jordan se lo despacha en un dos por tres en un anticlimático tercer acto.

Es por tal motivo que como la historia esta mal trazada ni los fastuosos efectos especiales que retratan a la perfección (eso si) el diseño visual de personajes (sobre todo Kilowog y los propios Guardianes, asi como los trajes de los Linternas) y demás entornos como el planeta OA logran emocionar al respetable, al tiempo  que se emplea una banda sonora que recuerda en demasía a la de Superman Regresa (Singer, 2006) con todo y que esta la compone James Newton Howard.

Lo que si se es que Linterna Verde me ha dejado frío y bastante decepcionado (algo que intuía hace tiempo cuando supe quien la dirigiría) ya que no se le hizo justicia al personaje y mucho menos a la mitología del mismo, razón por lo que el que vea este film y no sea un seguidor del personaje apenas encontrara una cinta de ciencia ficción medianamente entretenida,  pero para los conocedores del superhéroe lamento decirle que descubrirán un Linterna serie B con presupuesto de blockbuster. Asi que para terminar solo puedo decir que no recomendaría ver Linterna Verde ya que es una cinta prescindible, mal dirigida y sin personalidad, solo espero que para la siguiente (por que hay una secuela programada) el anillo escoja al director y los guionistas por su aptitudes.

publicado por: Jorge Jiménez de http://www.elrincondeharrison.blogspot.com/

Alfred Hitchcock´s PSICOSIS

TÍTULO ORIGINAL: Psycho
AÑO: 1960
DURACIÓN:109 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Alfred Hitchcock
GUIÓN: Joseph Stefano (Novela: Robert Bloch)
MÚSICA: Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA: John L. Russell (B&W)
REPARTO: Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John McIntire, Martin Balsam, Simon Oakland, Patricia Hitchcock
PRODUCTORA Paramount Pictures
GÉNERO: Terror.

Siguiendo un poco con la temática de los filmes slashers que mejor que visionar un film de revisión obligada para todo aquel que se guste llamar cinéfilo, el titulo en cuestión es la exquisita y monumental (tanto narrativa como visualmente) Psicosis del maestro Alfred Hitchcock, cinta de culto que tal vez sin la conciencia de su autor vino a inaugurar el llamado cine de asesinos seriales, ya que nos vino a presentar a uno de los más mortíferos pero a su vez carismáticos villanos del séptimo arte, el trastornado Norman Bates.

La cinta de Hitchcock comienza con una pareja de amantes que se encuentran dentro de un cuarto de un hotel (cabe hacer mención que en esta primera toma, el director utiliza una gran panorámica que muestra la ciudad de Phoenix para girar hacia el mencionado edificio y finalmente entrar por la ventana del cuarto donde se nos presenta a los protagonistas, genial de verdad), ahí la rubia y hermosa mujer llamada Marion (Janeth Liegh) le reprocha a Sam Loomis (John Gavin) que ya no se siente a gusto en la forma en que se encuentran, por lo que el hombre le promete que ahora si va a dejar a su mujer para que su relación por fin sea libre.

Acto seguido, Marion comienza a vestirse y se alista para regresar a su trabajo mientras Sam regresa a la ciudad donde tiene su vida hecha. Instantes después la mujer ingresa al lugar donde labora y se topa con su jefe en compañía de un importante cliente que piensa comprar una propiedad y lleva consigo la cantidad de 30 000 dólares, los cuales piensa dejar en propiedad del dueño del lugar, empero este como ve que es mucho el efectivo le encomienda a Marion los deposite de inmediato en el banco.

Y en este punto argumental comienza a desarrollarse una interesante exploración psicológica del personaje femenino, ya que como presenciábamos en un inicio la dama se nos presenta con cierta frustración a nivel personal ya que lleva años trabajando en el mismo lugar y no ha podido realizarse a nivel emocional con una pareja, motivo por el cual al tener semejante cantidad de dinero en sus manos no lo duda dos veces y escapa con este para ir en busca de su amado.

Por tal motivo Marion va a su casa y sale con tan solo una maleta llena de ropa para huir de la ciudad que la ha aprisionado durante años y solo le ha proveído de frustraciones. Es importante señalar que este tramo del film es una muestra de ejercicio a nivel narrativo, puesto que Hitchcock dota de suspenso y tensión al film logrando que el presente se sumerja en la excitante huida de la protagonista, la cual durante todo el viaje que hace en automóvil por las autopistas del país comienza a cuestionar sus acciones por lo que el remordimiento y el temor de ser aprendida comienzan a desquebrajar la cordura de la mujer durante todo el éxodo.

Además si a esto le aunamos que la aparición de un misterioso y ominoso policia que comienza a sospechar que algo no anda muy bien con la chica, el relato se vuelve una verdadera pesadilla para la protagonista, quien en una muestra de desesperación ante el acoso del “guardián de la ley” logra cambiar de auto (en uno de los momentos cumbres de la historia) para huir lejos de este, hasta que una constante lluvia y la llegada de la noche, obligan a Marion a detener su traslado en un viejo y abandonado motel al lado de la carretera.

En ese lugar conoce a un taciturno hombre llamado Norman Bates (Anthony Perkins) quien es el encargado del motel, el cual de manera muy amable le ofrece hospedaje y comida por lo que Marion acepta e incluso mantiene una charla con el hombre quien le comparte que vive solo con su madre enferma, la cual vive en la casa a espaldas del motel. Cabe hacer mención que la plática que sostienen estos es parte neurálgica en el relato, ya que con esta se nos adentra en la psicología de Norman Bates, hombre amante de la necrofilia (el cual encuentra en la taxidermia una especie de placer).

Sin embargo Marion como se encuentra muy cansada decide irse a descansar y el hombre se retira, lo que sigue después es presenciar una de las escenas más famosas en la historia del cine, la horrible muerte de la mujer en la bañera a manos del misterioso asesino, todo al compás de los pavorosos acordes de violín compuestos por Bernard Herrmann lo que hace que esta escena sea icónica, puesto que los encuadres, las tomas en picado que se hacen desde la regadera e incluso la planificación del apuñalamiento que sufre la protagonista componen una verdadera proeza en la planificación de medios para narrar este acontecimiento, y el cierre es magistral al punto que la última toma que nos muestra como la sangre se escapa por el conducto del desagüe, para después fundirse en la mirada perdida de la mujer se vuelve hasta idílico.

Imaginen lo que sintieron los espectadores de aquella epoca cuando se dieron cuenta que transcurridos cincuenta minutos de metraje la protagonista es eliminada del film, es totalmente inverosímil, pero tratándose de Hitchcock es solo una manera de torcer la trama de manera bastante inteligente puesto que este segundo acto depara lo mejor del film, y esto significa la revelación del verdadero protagónico del mismo, Norman Bates, personaje bastante rico en lecturas psicológicas, el cual vive bajo el yugo de una madre controladora y abusiva, mujer que no permitirá que ninguna mujer trate de robarle el amor de su vástago.

Es por esto que Norman cuado descubra el atroz crimen cometido por su madre se dará a la tarea de ocultar el cuerpo de la mujer, motivo por el cual este decide desaparecer el auto con el cuerpo de Marion en el lago que se encuentra detrás del motel. Sin embargo con lo que no cuenta Bates (como sabrá el respetable no hay crimen perfecto) es que la desaparición de la chica provocará que la hermana de esta, Lila (Vera Miles) y el novio de la difunta, Sam Loomis (interesante referencia que usaría el propio Carpenter en Halloween para darle nombre al personaje que interpretara Donald Pleasence como eterna Némesis de Myers) buscarán a la desaparecida joven, motivo por el cual contratan a un detective privado Arbogast  (Martin Balsam) que logra descubrir el aterrador secreto que guarda Norman Bates.

Como puede leer el respetable Psicosis es una verdadera obra de arte a nivel visual, narrativo y plástico, en pocas palabras es la muestra palpable de lo que se debe hacer al realizar cualquier ejercicio cinematográfico, ya que pone de manifiesto que no es necesario contar con millones de dólares para gestar proyectos solventes (esta obra de Hitchcock costo solo un millón de dólares).

Asi mismo es de vital importancia resaltar que el film del director ingles se percibe como una obra honesta despojada de maniqueísmos baratos, no es casualidad que este optara por filmar la cinta en blanco y negro, decisión bastante acertada puesto que aunque lo que se ve frente a pantalla es horrible, la hermosa y orgánica fotografía de John L. Russell dota de elegancia y sobriedad a la cinta.

Además de que se nota la gran técnica de Hitchcock para poner la cámara en los lugares indicados, basta con recordar aquella magistral secuencia que se desarrolla en las escaleras del interior de la casa de Norman Bates, donde el detective Arbogast (Balsam) es ultimado a manos del asesino, en esta se puede notar el ingenio del realizador al aplicar una toma en cenital que nos pone en un lugar inmejorable como espectadores para dejarnos ver los fatídicos resultados de tan atroz acción.

Pero sin lugar a dudas el parte aguas de esta cinta es el tratamiento de personajes, sobre todo el de Norman Bates pues es indudable que es sobre este último de quien verdaderamente trata la historia, sobre el perturbado hombre con la infancia rota al cual su madre aun le sigue jodiendo la existencia, sin embargo lo que lleva a límites de verdadero horror es el buen quehacer de Anthony Perkins, pues el actor logra mimetizarse con su personaje, haciendo incluso que la sombra de Norman Bates jamás lo dejara interpretar otro personaje con el mismo éxito

Finalmente solo me queda decir que Psicosis es de mis cintas favoritas de todos los tiempos, pues esta contiene las dosis justas de suspenso, terror y angustia, además de que cuenta con las dos vueltas de turca más efectivas que se hayan visto en el cine, ¡olvídense del final de El Sexto Sentido (M. Night Shyamalan, 1999)! aquí el cierre es descojonante. Asi que no duden en volver a revisar Psicosis pues podrían llevarse una gran sorpresa como le ocurrió a un servidor, pues cada vez que visiona esta obra del maestro Hitchcock descubre nuevas lecturas en ella.

publicado por: Jorge Jiménez (http://www.elrincondeharrison.blogspot.com/)

CINE DE CULTO: UNA PELICULA SERBIA

TÍTULO ORIGINAL: Srpski film
AÑO: 2010
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: SERBIA Y MONTENEGRO
DIRECTOR: Srdjan Spasojevic
GUIÓN: Srdjan Spasojevic, Aleksandar Radivojevic
MÚSICA: Sky Wikluh
FOTOGRAFÍA: Nemanja Jovanov
REPARTO: Srdjan Todorovic, Sergej Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Katarina Zutic, Slobodan Bestic, Ana Sakic, Lena Bogdanovic, Luka Mijatovic, Andjela Nenadovic
PRODUCTORA: Contra Film / Jinga Films
GÉNERO: Terror.


Antes de comenzar la reseña de esta cinta, debo confesar que el filme de Srdjan Spasojevic realmente me partió la madre anímicamente con todo y que he visto títulos tan duros como Mártires, Calvario, Aftermath, Holocausto Caníbal o Al Interior por mencionar algunos, razón por la que después de visionar Una Película Serbia debía concentrarme en los aspectos semióticos de la misma para que mi análisis no se vieran tan nublados por mis emociones, y asi poder discernir los aspectos formales de la misma.

En un inicio la cinta arranca como cualquier thriller normalito, esta nos comienza a contar la vida de Milos (Srdjan Todorovic) un hombre que durante varios años fue el actor porno más cotizado del medio, el hombre tenía (además de un gran miembro viril, jajaja) una especie de habilidad, ya que cuando follaba a sus co protagonistas las llevaba al éxtasis motivo por el cual Milos se volvió una leyenda del porno. Sin embargo como todo en la vida se acaba y Milos ha tenido que retirarse por un tiempo, ahora vive tranquilamente con su esposa Marija (Jelena Gavrilovic) y su pequeño hijo, sin embargo el dinero que ganó trabajando cada día se va acabando ya que las cuentas no esperan.

Es por este motivo que Milos (Todorovic) pasa por un momento anímico un tanto oscuro y siente que desperdicia su vida. Empero cierto día una vieja compañera de trabajo llamada Jeca (Andjela Nenadovic) se contacta con nuestro protagonista, para comunicarle que le tiene un nuevo trabajo, y que este no es típico trabajo donde harán una porno, que incluso la gente que esta detrás de este proyecto son artistas los cuales buscan hacer arte atrvés de este proyecto y por si fuera poco si Milos acepta sera remunerado bastante bien económicamente.

En un principio Milos duda, pero acepta entrevistarse con el hombre que organiza el asunto, su nombre es Vukmir (Sergej Trifunovic) un psicólogo con doctorado (después descubriremos esto) el cual le explica al hombre que este proyecto es importante a nivel filosófico y plástico, que lo que van a grabar jamás se ha hecho, que la pornografía común y corriente es solo una ilusión. Por tal motivo la cinta a la que lo invitan a participar va a ser un parte aguas a nivel sensorial, puesto que las aspiraciones de este filme son artísticos y por eso lo han invitado, ya que para Vukmir, Milos es un artista en lo que sabe hacer, follar.

Es por eso que nuestro hombre después de discutir con su hermosa esposa sobre el trabajo, al final decide aceptarlo sin saber que este solo significará su perdición y la de sus seres queridos, ya que conforme Milos se adentra más y más en este proyecto, irá descendiendo en un infierno existencial donde el fin justifica los medios, al menos para su creador (Vukmir) ya que este a través del sufrimiento, las vejaciones y la aplicación de casi todas las filias conocidas (necrofilia, neonatofilia, humillación, violaciones, etc) hacia sus víctimas, creara una especie de nuevo arte, el cual incluso rebasa el aspecto meramente cinematográfico, motivo por el cual la cámara sirve solo como una herramienta para documentar y dejar constancia de que este existe.

Como pueden leer el argumento podría parecerse a filmes como Hostal o algunas cintas Snuff, sin embargo lo que hace diferente y realmente aterradora a la cinta de Spasojevic, es que el autor no pretende shockear al presente de manera gratuita con sus desagradables e incluso ofensivas escenas (la secuencia donde interviene un recién nacido es perturbadora y realmente te chinga emocionalmente), incluso el climax final es aterrador (este incluye la violacion de dos personas a manos de Milos sin saber que estos son...) y cuando el presente esta noqueado por lo que acaba de ver, pensando que ya no puede haber más, el final te remata de forma abrumadora para que no se olvide lo que acabas de presenciar.

Por tal motivo considero que la cinta contiene un discurso entre líneas bastante duro hacia la propia nación Serbia, despojado de maniqueísmos baratos. Es por eso que los personajes que aparecen torturados, violados, asesinados, etc. son símbolos que son usados por el autor para transmitir dicho mensaje, incluso el gran pene de Milos (de algun modo eje central de la cinta) es ese emblema que da placer, de fuerza, el que da vida y al final también es el detonante de tanta muerte.

Y es que si repasamos un poco la historia de Yugoslavia (ahora Serbia y Montenegro) por lo menos de de veinte años para acá, nos daremos cuenta esta nación a sufrido bastante, comenzando por el genocidio y la limpieza étnica que se dio en los 90´s, hasta los bloqueos comerciales por parte de la OTAN para detener la guerra en Kosovo y que a final de cuentas no sirvió de nada (solo hundieron al país en la bancarrota), por lo que se optó por bombardear dicha ciudad dejando como resultado miles de muertos y lo peor es que estos problemas en mayor o menor medida siguen vigentes en esa nación.

Por tal motivo, percibo que La Película Serbia es más que un film de terror o torturporn (de hecho cumple con creces ese apartado) pero también creo que sus aspiraciones son mayores a la mera exposición del gore y violencia gráfica, ya que aspectos técnicos como la fotografía, la puesta en escena o el montaje se alejan de los productos de serie b que buscan el mero sencionalismo, es por eso que en este titulo encontraremos una belleza plástica aunque en ocasiones los fotogramas nos muestren horror puro. Asi mismo los personajes tienen un desarrollo tridimensional donde se pueden percibir sus motivaciones, aunque sean arquetípos (con la diferencia que aqui no hay buenos, ni malos solo víctimas) y la interpretación de los actores cumple con creces para que nos creamos lo que estamos viendo.

Para finalizar debo decir que esta cinta es una muestra clara que en las artes, cualquiera que sea la rama (pintura, escultura o el propio cine) si la obra no esta bien fundamentada se cae a pedazos como un castillo de naipes, es por eso que cuando visionamos cualquier cinta podemos sentirnos estafados o en su defecto percibimos que hay algo más de trasfondo en las imágenes mostradas. Al menos a si me sucedió con este titulo, que con todo y lo repugnante, doloroso, aterrador e incluso ofensivo de sus imágenes, encontré en esta una obra transgresora y propositiva.

Asi mismo se que algunos estas ultimas líneas les parecerán una locura (si ya vieron el film), y podrían techarme de loco y un largo etc, pero nunca mencione que la cinta me gustara, solo que como obra cinematográfica la percibí honesta y eso ya es suficiente para mi, pues no he sentido que me hayan tomado el pelo.

publicado por: Jorge Jiménez

BOOGIE NIGHTS o lo divertido que puede resultar el porno.

TÍTULO ORIGINAL: Boogie Nights
AÑO: 1997
DURACIÓN: 156 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Paul Thomas Anderson
GUIÓN: Paul Thomas Anderson
MÚSICA: Michael Penn
FOTOGRAFÍA: Lloyd Levin
REPARTO : Mark Wahlberg, Julianne Moore, Burt Reynolds, Don Cheadle, John C. Reilly, William H. Macy, Heather Graham, Luis Guzmán, Nicole Ari Parker, Thomas Jane, Samson Barkhordarian, Nina Hartley, Robert Ridgely, Greg Lauren, Philip Seymour Hoffman, Melora Walters, Philip Baker Hall, Alfred Molina
PRODUCTORA: New Line Cinema
GÉNERO: Drama. Comedia.

Otro de los realizadores que siempre han  deleitado a un servidor por su exquisita visión del séptimo arte es el señor Paul Thomas Anderson, que como Scorsese o Eastwood es quiza de los pocos directores en activo más interesantes en la actualidad. Por tal motivo el que esto escribe puede considerar a Thomas Anderson como un verdadero autor, no por nada su filmografía por muy corta que sea nos refleja las inquietudes intimistas del realizador para exponer de manera magistral la naturaleza del ser humano.

Es por eso que dichas inquietudes quedan reflejadas en el trabajo que para su servilleta es tal vez el mejor en su filmografía, puesto que aunque Boogie Nights (que significaría algo como noches de baile) nos cuenta sobre uno de los temas más satanizados por la sociedad y la misma industria hollywoodense, “el porno” a final de cuentas el director norteamericano no se queda en la mera exposición visual del mismo si no que este explora, escudriña en los aspectos sociales, culturales y plásticos que hicieron de la industria del porno en los años setentas toda una revolución a nivel social y por que  no también económica, claro con la llegada de nuevas tecnologías como el video.

La cinta abre con una soberbia toma en donde Thomas Anderson utiliza un paneo con pedestal solo para mostrarnos de forma magistral un enorme anuncio en luces neón que nos indica el nombre de un club de baile y a su vez revelarnos el titulo del film, para después llevar de la mano al presente y sumergirlo en la alocada vida nocturna del sur de California.

En uno de los tantos clubes de baile conocemos a Jack Horner (Burt Reynolds) quien se encuentra sentado en una mesa del lugar, este hombre habla con una mujer llamada Amber (Julian Moore), en determinado momento el hombre vislumbra a un joven a los lejos y le parece atractivo por lo que decide buscarlo hasta el área de cocinas.

En ese sitio Jack le pregunta al joven cual es su nombre y éste contesta: Eddie (Mark Wahlberg) el cual antes de cualquier otro asunto le pregunta a Jack que si quiere ver su pene o quiere que se masturbe, que cobra diez dólares solo por permitir ver y quince por lo “otro”. El hombre le dice a Eddie que le muestre su paquete y cuando el joven lo hace, Jack (Reynolds) queda sorprendido (pues aunque no se nos muestra el miembro viril del hombre se infiere que es de gran tamaño), acto seguido Jack le comenta a Eddie que es director de películas porno, por lo que le propone trabaje con el pues ha visto en el grandes aptitudes (30 centímetros de carne, jajajaja).

El jovenzuelo le comenta a Jack (Reynolds) que lo va a pensar, horas después Eddie llega a su casa sin embargo vuelve a tener un altercado con su madre, la cual siempre le dice que es un inútil, un bueno para nada, por lo que descubrimos después que el muchacho nunca se ha sentido querido en su hogar ya que cuenta con una madre castrante y un padre sumiso el cual nunca lo apoya cuando la mujer lo reprende, por tal motivo el joven decide escapar de su casa para siempre e ir junto a Jack para emprender su nueva vida como actor porno.

Es asi como Eddie (Wahlberg) comienza su vertiginosa carrera como action man del mete saca (jajaja), por lo que decide cambiar su nombre a Dirk Diggler algo más apropiado para este tipo de producciones (jajaja) para a su vez dejar para siempre al tímido e inseguro Eddie, asi mismo se estrenara con la guapa y madura actriz porno Amber Waves (Julian Moore) quien es una diva en la industria y es la consentida de Jack (Reynolds).

Contar más sobre la trama sería echar a perder la sorpresa, solo puedo acotar que Dirk Diggler se convertirá en un icono de la industria, por lo que el tándem Horner-Diggler  será el mayor artífice de la industria, sin embargo cabe hacer mención que esto también significará el ascenso y descenso a los infiernos existenciales de una estrella, ya que las envidias, las drogas, el amor, el sexo, los cambios sociales y tecnológicos, harán que el hombre que forjara su futuro a través de su enorme miembro viril se de cuenta que follar y ganar millones de dólares no lo es todo en la vida.

Es con esta premisa que el mismo Thomas Anderson escribe y dirige uno de los trabajos más emotivos, sinceros y mordaces que su servidor haya visto sobre la exploración de la farándula Hollywoodense y como esta afecta a los individuos que en ella se alojan,  incluso se podrían encontrar paralelismos con el Toro Salvaje (1980) de Scorsese, claro sin ser tan sórdido y pesimista como la obra del director de descendencia italiana, ya que de alguna forma el Dirk Diggler que interpreta de manera eficaz Mark Wahlberg contiene las carencias afectivas y la busqueda de reconocimiento que también anhelaba el Jake la Motta del portentoso Robert De Niro.

Por lo que podemos descubrir como el individuo (Dick Diggler) va perdiendo su identidad para convertirse solo en un trozo de carne manejable al antojo de las grandes masas de consumidores que piden más y más de este para saciar también sus carencias, por lo que se podría considerar la relación que existe de estrella-fan como una total codependencia.

Por otra parte la galería de exóticos personajes que nos presenta el film es de suma importancia para sostener esta inteligente historia, la cual también usa el humor más negro para pitorrearse y a su vez hacer reflexionar al respetable sobre lo que nos estan contando. No es casualidad que los personajes (todos ellos disfuncionales y marginados por cierto) ejerzan el rol de la familia que Dirk (Wahlberg) nunca tuvo, desde el paternal Jack (Reynols), pasando por la madre amorosa que representa  Amber (una sensacional Julian Moore) a la cual folla y ama a su vez, por lo que la relación es muy Freudiana.

Y es que la cinta de Thomas Anderson es también una especie de homenaje al cine en general, pasando por el explotation más cutre, basta con recordar las jocosas escenas donde Diggler (Wahlberg) y su compinche de aventuras, Reed Rotchchild (un genial John C. Reilly) tienen la magnifica idea de grabar una porno con un argumento que emula a las cintas de Bond, por lo que las intrigas y las escenas de acción ostentarán ser parte neurálgico de dichos titulos, pero obviamente la manufactura de estas solo hará que el presente se cague de risa por su mala ejecución, jajaja.

Incluso el que esto escribe pudo encontrar un guiño a otro gran incomprendido del cine, Ed Wood, pues el trabajo que realiza Jack Horner (Burt Reynols) es muy similar al que hacia el mencionado con anterioridad, ya que se nos muestra a un director comprometido con su trabajo, el cual cree que esta haciendo un cine propositivo (aunque de porno se trate) pues aunque usted no lo crea el personaje que interpreta Reynolds tiene aspiraciones artísticas (jajaja) solo que los medios con los que cuenta o simplemente por  incapacidad o inocencia, llámenlo como quieran, Horner no logra plasmar sus exaltaciones de la forma más adecuada.

Por tal motivo se puede considerar a Boogie Nights como una franca historia de compañerismo y de redención, pero sobre todo es una carta de amor a la cinematografía por parte de su realizador, aunque curiosamente este encuentre en el porno la vía para hacerlo y es que aunque la industria del famoso "mete saca" nunca llegue a considerarse como un arte, la cinta si nos muestra toda la planificación y trabajo que había detrás de cada nuevo título del aclamado director Jack Horner, el cual es igual al que se hace para realizar filmes comunes y corrientes, sin embargo con la llegada de los años ochentas y la entrada del video todo cambio.

Y aquí es donde encontramos otro gran acierto en la obra del director norteamericano, ya que la cinematografía empleada en el film es soberbia, pues Thomas Anderson nos sumerge en el mundo del cine gracias a sus encuadres, la fotografía, la composición, el ritmo, las atmósferas, la musica, la dirección de actores, todos los elementos que utiliza el realizador logran llevarnos a la maravillosa epoca de los años setentas y principios de los ochentas.

Asi que no se pierdan Boogie Nights pues es un film que emociona, que divierte, que te llega a lo más profundo del ser y por si fuera poco cuenta con un reparto multiestelar que además de los protagónicos incluye a gente como Don Cheadle, William H. Macy, Tomas Jane, Heather Graham, Phillip Seymor Hoffman y Alfred Molina, personajes que engrandan la obra de un verdadero cineasta, el señor Paul Thomas Anderson.

publicado por: Jorge Jiménez

El gran Clint Eastwood es HARRY EL SUCIO.

TÍTULO ORIGINAL: Dirty Harry

AÑO: 1971
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Don Siegel
GUIÓN: Harry Julian Fink, R.M. Fink, Dean Reisner (Historia: Harry Julian Fink & R.M. Fink)
MÚSICA: Lalo Schifrin
FOTOGRAFÍA:  Bruce Surtees
REPARTO: Clint Eastwood, Harry Guardino, Reni Santoni, John Vernon, Andy Robinson, John Larch
PRODUCTORA: Warner Bros presenta una producción Malpaso Company
GÉNERO: Thriller. Acción.

“Se lo que estas pensando, tal vez hizo cinco o seis tiros. Pero te pregunto ¿te sientes con suerte?, tengo una mágnum .44 el arma más potente que existe y podría volarte los sesos con ella”

“Ahora vuelvo a preguntarte ¿te sientes con suerte maldito?”  ¡pum!

-Harry Callahan (Eastwood)

Para cerrar este primer ciclo de verdaderos héroes de acción, qué mejor recordar un verdadero clásico del género, el cual por cierto es un punto de inflexión para el cine pues sin el Harry Callahan de Eastwood, jamás hubieran existido los Norris, los Bronson, los John McClane y  mucho menos el Marion Cobretti  de Stallone, personajes arquetípicos que intentaron copiar hasta la saciedad las motivaciones del inspector más chingón de la ciudad de San Francisco, pero que quedaron lejos de igualar los resultados ideológicos y plásticos de la genial dupla conformada por Eastwood y Siegel. Por cierto el último gran héroe de acción desde mi humilde punto de vista sería Jack Bauer, habiendo dicho esto, comenzamos.

La historia comienza mostrándonos como un tipo que se encuentra en una azotea de un edificio dispara y asesina a una mujer que se hallaba nadando en el penthouse de su  inmueble, horas después el inspector Callahan (Eastwood) junto con el departamento de policía investigan la escena del crimen descubriendo una nota que dejó el asesino, el cual firma como el Escorpión (Andrew Robinson).

El hecho es que Harry descubre que el móvil del crimen consiste en extorsionar a las autoridades de la ciudad de San Francisco por parte del delincuente, puesto que en la nota el asesino  menciona que si no le depositan cien mil dólares en el transcurso de las siguientes veinticuatro horas seguirá matando gente al azar.

Más tarde Harry es citado por el Alcalde (John Vernon) para que le explique los avances de la investigación, empero como Callahan tiene un historial no muy bueno por ser bastante rudo con los malhechores, el funcionario público le cuestiona al detective en forma de reproche que ha estado haciendo, para que instantes después descubramos como nuestro protagonista, en un acto de socarronería le contesta al Alcalde que ha estado sentado las últimas tres horas esperando que lo reciba (jajaja, Callahan eres un cabrón).

Motivo por el cual el jefe de Callahan (John Larch)trata de reprenderlo recordándole que esta hablando con el Alcalde, sin embargo a Harry  le importa un cojón y muestra una sonrisa burlona (de esas que solo el grandioso Clint sabe hacer, genial). El hecho es que Harry es encomendado para encontrar al desquiciado sujeto que amenaza con matar a su siguiente víctima si no se cumplen sus exigencias, por lo que le asignan un compañero a nuestro héroe (el ultimo que tuvo murió, por eso nadie quiere trabajar con Harry el Sucio pues sus compañeros siempre mueren, jajajaja) esto con el fin de que la investigación sea más solvente.

Es por este motivo que Harry y Chico González (Reni Santoni) emprenden la búsqueda del asesino recorriendo los barrios más peligrosos de San Francisco, como burdeles de quinta, tiendas de sexo y bares donde el alcohol y la droga circulan cual dulces en navidad. Asi mismo el departamento de policía también pone en marcha un operativo que consiste en vigilar azoteas para atrapar al Escorpión.

En determinado momento de la trama los inspectores logran dar con Escorpión (Robinson) sin embargo y aunque frustran el siguiente atentado, Callahan no puede evitar que el malhechor escape, por lo que este ahora más encabronado que nunca, hace llegar al día siguiente otra carta al departamento de policia para avisarles que ha secuestrado a una chica y que ahora deben pagarle doscientos mil dólares si no jamás les dirá el paradero de la mujer, la cual por cierto esta cautiva y con poco oxigeno.

Por tal motivo Callahan (Eastwood) emprende una carrera contra el tiempo para dar con el Escorpión, en dicha búsqueda logra dar con el asesino, más sin embargo este último cuando es abatido por nuestro héroe no suelta ni una sola palabra con todo y que Harry usa sus técnicas más salvajes para hacerlo hablar.

Cabe hacer mención que esta escena fue un punto fundamental  para que la cinta de Siegel fuera criticada ferozmente por diversas asociaciones de censores, pues se puede ver como el personaje encarnado por Eastwood cuando le ha disparado en la pierna al maleante (el cual corría para escapar)  después lo tortura  pisandole la herida para hacerlo confesar, mientras el villano pide clemencia gritando que lo arreste, que quiere un abogado. De verdad la escena esta tan bien hecha por la intención y la técnica con que se grabo (con esa gran panorámica y ese soberbio dolly out que enmarca a los protagonistas)  que aun ahora se percibe brutal.

Desgraciadamente el arresto del inspector Callahan no surte el efecto deseado, ya que cuando logran dar con la mujer ésta se encuentra muerta, además de que en el operativo Chico (Santoni) el compañero de Harry ha salido mal herido, por lo que decide retirarse de la fuerza policiaca.

Por si fuera poco el fiscal de distrito le manda hablar a nuestro protagonista para reprenderlo, esto por los métodos que uso para cometer el arresto, pero lo más risible del asunto es que el fiscal también  le comunica a Callahan que el Escorpión saldrá libre pues no hay ninguna prueba contundente que lo incrimine, con todo y que se encontró el arma homicida y rasgos de que la victima fue violada, por tal motivo Harry se encabrona ante tanta impunidad y manda a la mierda a sus superiores, no sin antes decirle que la ley esta mal. Tal parece que las autoridades de San Francisco trabajan y razonan con el culo, como pasa aqui en  México (jajaja).

Después de estos acontecimientos Harry se tomará las cosas personales y perseguirá al delincuente por su cuenta para finalmente aplicar la única ley que solo el detective Callahan sabe aplicar, la suya. Con este argumento el tándem Eastwood-Siegel logran entregar una excelente, única y brutal cinta policíaca, la cual como comentaba fue fuertemente criticada por su discurso ideológico, pues se consideraba que los métodos que utilizaba el héroe eran hasta cierto punto anárquicos e impositivos.

Por otra parte la comunidad afro americana también se sintió aludida, pues aquí los negros son retratados como delincuentes (por ejemplo la estupenda secuencia del banco en donde Clint se despacha a un grupo de ladrones es prueba fehaciente de esto), sin embargo es comprensible si tomamos en cuenta el momento histórico por el que pasaba el país, pues la guerra de Vietnam estaba por terminar y el sentimiento de derrota e inseguridad invadía a la comunidad norteamericana, motivo para que los héroes de cine se convirtieran en ese soporte emocional que tanto necesitaba la sociedad, como es el caso de Harry el Sucio.

Asi mismo es de verdadera importancia descubrir que nuestro héroe cuenta con matices que lo llenan de humanidad, siendo el más evidente la ambigüedad de su moral, pues aunque Harry Callahan lucha por conservar el bien común no dudará en aplicar métodos nada ortodoxos para mantener la ley, dicho de otra forma el personaje que interpreta Eastwood o lo odias o lo amas, no hay puntos medios.

Evidentemente la antitesis de Callahan es de suma importancia, ya que asi como el detective representa la ley, el Escorpión (interpretado de manera soberbia por Andrew Robinson, quien por cierto me recordó un poco al Alex de Malcom McDowell) simboliza la pudedumbre de la descomposición social, pues son evidentes que las motivaciones de este son meramente económicas, más sin embargo detrás de este se esconden aspectos más lúgubres y más perversos, por ende cien por ciento humanos como es el placer de provocar  dolor, ya sea aplicándolo a terceros o asi mismo como queda constatado en otra genial escena de brutalidad visual, en donde el personaje de Andrew Robinson le paga a otro hombre para que lo golpee hasta más no poder y asi poder echarle la culpa a Callahan por hostigamiento. Motivo también para que el Escorpión componga uno de los villanos más grotescos y perversos de la cine.

Por otra parte puedo acotar que Siegel vuelve a realizar un gran trabajo detrás de cámaras (no por nada fue un gran maestro para Eastwood) ya que el realizador sabe como mantener la atención del espectador, pues balancea su cinta con la justa dosis de suspense, acción y pequeñas cantidades de humor negro, las cuales son entregadas por el buenazo de Clint, si no basta con recordar la escena donde el protagonista tiene que rescatar a un suicida que esta apunto de arrojarse de un edificio, ésta hace que el respetable se parta de la risa por los diálogos tan ácidos e ingeniosos que escupe el detective Callahan.

Asi mismo Siegel conoce su oficio y sabe dotar de ritmo el film, gracias también a un estupendo manejo de la cámara, una interesante fotografía y una puesta en escena solvente. Y como no, la aplicación de la violencia como recurso narrativo e ideológico, pues al menos en Harry el Sucio se puede palpar que el discurso moral es muy parecido a lo que Sam Peckinpah quería decir en la mayoría de sus trabajos, la violencia es a final de cuentas el último recurso que tiene el hombre para encontrar el orden en una sociedad civilizada (¡esta carbón! ¿no?).

Como podrá inferir el respetable la actuación de Eastwood fue parte fundamental para que la cinta tuviera gran éxito comercial, pues aunque el público ya identificaba al buenazo de Clint por los Westerns que había hecho con Sergio Leone y el propio Don Siegel, no sería hasta Harry el Sucio que el actor norteamericano se volvería una superestrella, lo que provocaría más adelante que el propio actor incursionará también en la dirección, como sucedió con su excelente opera prima Obsesión Mortal (1971), además de que Eastwood se volvería el modelo a seguir dentro del género de acción.

Para finalizar no me queda más que recomendar el visionado de Harry el Sucio (por cierto asi le llaman a Callahan por que es el único que se encarga de los trabajos más sucios que otros detectives no quieren hacer) pues resulta estimulante aun en nuestros tiempos, poder ver una cinta que no pierde su frescura tanto visual como intelectiva ya que la cinta de Siegel no trata de tomarle el pelo al espectador y nos presentó a un verdadero pateador de culos encarnado de manera magistral por Clint Eastwood, jajaja.

Solo me queda esperar  una nueva edición de lujo ahora que la cinta esta apunto de cumplir cuarenta años desde su gestión (ojala la Warner se ponga chula.)

publicado por: Jorge Jiménez
p.d. si quieres saber más sobre el ciclo de cine de acción no olvides visitar http://www.elrincondeharrison.blogspot.com/

CINE DE CULTO: VAMPYR

TÍTULO ORIGINAL: Vampyr - Der Traum des Allan Grey
AÑO: 1932
DURACIÓN: 68 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: Carl Theodor Dreyer
GUIÓN: Carl Theodor Dreyer & Christen Jul (Novela: Sheridan Le Fanu)
MÚSICA: Wolfgang Zeller
FOTOGRAFÍA: Rudolph Maté (B&W)
REPARTO : Julian West, Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hieronimko, Maurice Schutz, Rena Mandel
PRODUCTORA Coproducción Alemania-Francia
GÉNERO: Terror. Sobrenatural. Vampiros

Sin lugar a dudas la figura del vampiro es una de las más atractivas en la cultura popular, sobre todo si tomamos en cuenta que esta tomo mayor fuerza en Europa allá por el siglo XVII (etapa del Renacimiento) donde aspectos como la peste negra (epidemia viral) azotaba a la sociedad acabando con casi 300 mil personas, motivo por el cual y en desesperación por encontrar una explicación racional, la superstición tomo un papel relevante.

Por tal motivo y como no había más fosas para enterrar los cuerpos de los que morían diariamente, los encargados de esta labor tenían que abrir las que estaban ocupadas para enterrar ahí mismo a los nuevos huéspedes. Esto significaba que los muertos y los vivos se verían por primera vez cara a cara (en esa epoca profanar las tumbas era un pecado por lo que el hombre no conocía el proceso de descomposición de los cuerpos, ni las autopsias) lo que provocaba gran terror, pues los cuerpos que veían los hombres  mostraban crecimiento de uñas y pelo, asi como sangre en la boca.

Por este motivo se tomo como explicación  que todos los males eran obra del Demonio, representados a través de los muertos vivientes, los Vampiros. Con el pasar de los siglos la figura del Vampiro se transformo y sirvió de inspiración para crear obras literarias como Drácula del ya mítico Bram Stoker, asi como infinidad de cintas que cuentan como protagonista a la figura del vampiro.

Ahora bien y como en esta fecha no pueden faltar cintas de vampiros para degustar, que mejor que revisar un título no muy conocido pero no por eso menos interesante, la cinta en cuestion es Vampyr, film que rosa corrientes como el expresionismo alemán y el surrealismo en su apartado visual, motivo por el cual se vuelve toda una propuesta plástica en toda la extensión de la palabra.

Un joven, Allan Grey (Julian West) llega de paso a un desolado poblado, en ese lugar  ubica una casona donde renta un cuarto para descansar, sin embargo extrañas sombras y terribles ruidos acechan su descanso, por lo que decide investigar estos espantosos acontecimientos solo para descubrir que en ese lugar existe un monstruo, una anciana que ronda por las noches convirtiéndose en vampiro.

Básicamente esta es la sencilla historia de Vampyr, sin embargo su visionado no es nada sencillo ni mucho menos, ya que la cinta cuenta un guión el cual esta estructurado de tal manera que en ocasiones da la impresión que le faltan cosas que decir, por lo que percibiremos en ocasiones trompicones en el ritmo de la misma. Sin embargo considero que este aspecto más que una carencia narrativa, significa una verdadera propuesta plástica para hacer del film una obra diferente, ya que incluso el director deja que las inquietantes imágenes hablen más que los escasos diálogos que son presentados.

Por tal motivo la narración nos remite directamente al plano onírico, donde las imágenes pueden no tener sentido alguno si queremos examinarlas en un plano terrenal, pero dicen más cuando estas se conectan directamente a nuestro inconsciente, donde nuestras carencias, temores o incluso añoranzas se nos presentan sin concesiones, para recordarnos que el ser humano es más que un simple saco de carne y huesos, como sucediera también en aquella obra maestra del surrealismo llamada Un Perro Andaluz (Luis Buñuel, Salvador Dalí, 1929).

Es por eso que el  film de Dreyer se despoja de recursos pueriles para ensalzar un relato  que no lo necesita, como podría ser la utilización de música estridente en ciertos pasajes de la historia, imágenes grotescas y un sin fin de etc. para causar terror en el presente, por lo que opta por que el propio espectador interprete de acuerdo a su experiencia personal cada una de las perturbadoras y enigmáticas imágenes que rondan durante toda la historia, como son sombras que caminan por los recovecos de los cuartos para encontrarse después con su dueño, un extraño hombre en una balsa que asemeja más a la figura de la huesuda o el impactante desprendimiento de alma de nuestro protagonista, el cual se da cuenta que ha muerto al observar su cuerpo dentro de un ataúd.

Asi mismo, el guión nos guía un poco con la inserción de algunos textos como si de una película muda se tratara (en algunos fragmentos del film hay ausencia de sonido) para explicarnos también el origen y las desgracias que causa la Bruja Vampiro (Henriette Gérard), definiciones que se tornan muy científicas, como las que explico casi al principio.

Incluso el que esto escribe considera que un punto neurálgico en el film es el de representar a la amenaza en el sexo femenino, ya que esto de muchas formas rompe varios paradigmas en lo que se refiere a cintas de vampiros, pues la figura de este recaía siempre en la figura masculina y lo que esto representaba.

Pero sin lugar a dudas lo más exquisito del film es su apartado visual, el cual esta cargado de inquietantes atmósferas y unas tomas y encuadres adelantados a su época, los cuales incluso se perciben bastante efectivos aun en la actualidad.

 Por tal motivo recomiendo de sobremanera revisar Vampyr de Carl Theodor Dreyer, pues esta se aleja de los cánones narrativos y visuales del vampiro con pelo engomado, capa y sombrero que nos regalo por primera vez Tod Browning con su Drácula (1931) el cual tenía como motivación saciar su apetito sexual y alimenticio seduciendo a hermosas jóvenes vírgenes, asi como una constante en los aspectos estilísticos y narrativos que llegaría a su fin hasta finales de los años ochentas, y en donde infinidad de actores le darían vida a este inquietante ser como Bela Lugosi, Christopher Lee, Frank Langella o Aldo Monti, por nombrar algunos.

publicado por: Jorge Jiménez

MILLENIUM EN CAFE CATRINA

HOY MARTES, MIERCOLES Y JUEVES DISFRUTA DE LA TRILOGIA MILLENNIUM EN CAFE CATRINA. 9PM, ENTRADA LIBRE.

Lo mejor del cine mundial en la 52 Muestra Internacional de Cine

52 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE, UAA

MACHETE y el regreso del cine Grindhouse

TÍTULO ORIGINAL: Machete

AÑO: 2010

DURACIÓN: 105 min.

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Robert Rodríguez, Ethan Maniquis

GUIÓN: Robert Rodríguez

MÚSICA: John Debney, Carl Thiel

FOTOGRAFÍA: Jimmy Lindsey

REPARTO : Danny Trejo, Robert De Niro, Jessica Alba, Steven Seagal, Michelle Rodríguez, Jeff Fahey, Cheech Marin, Don Johnson, Shea Whigham, Lindsay Lohan, Cheryl Chin, Daryl Sabara, Electra Avellan, Elise Avellan, Gilbert Trejo, Tom Savini, Alicia Rachel Marek, Mayra Leal

PRODUCTORA: 20th Century Fox / Overnight Productions / TroubleMaker Studios

GÉNERO: Explotation. Gore.

La verdad es que el cine de Robert Rodríguez siempre me ha parecido divertido, en ocasiones absurdo y muchas más gratuito, pero siempre atractivo a nivel visual. Sin lugar a dudas el director texano demuestra en la mayoria de sus trabajos un amor por el viejo cine grindhouse y la explotation (como sucede con su amigo Quentin Tarantino), subgéneros que no tenían la mayor pretensión que hacer pasar un buen rato al respetable, pero que sus propias características y limitaciones se volvieron objetos de culto para un gran sector de cinéfilos.

Por tal motivo cintas como Del Crepúsculo al Amanecer (1995), Pistolero (1995), Érase una Vez en México (2003) o Planeta Terror (2007) representan de algún modo el gusto y el apego revisionista que tiene Rodríguez por el subgénero mencionado con anterioridad.

Es por eso también, que muchos espectadores (la mayoría adeptos al cine comercial) desconocen la basa en la que se sustenta el trabajo del realizador norteamericano y muchas de las veces consideran el cine de Rodríguez como basura, con todo y que este tiene su propia propuesta y no solo busca homenajear sus fuentes de inspiración.

Ahora bien y para que el presente no me mal interprete debo decir que no todos los trabajos de Rodríguez estan completamente logrados (si hasta de mi héroe John Carpenter puedo reconocer cuando algún proyecto no le sale avante) y este es el caso, pues con todo y que Machete comienza de una manera descojonante conforme avanza el film, este va perdiendo fuerza hasta concluir en un cierre más normal de lo que su servidor esperaba.

Machete (Danny Trejo) y su compañero (bastante genérico por cierto, jajaja) son policías fronterizos de México que se encuentran en una misión de rescate, pues el malvado narcotraficante Torrez (Steven Seagal en el mejor papel que ha interpretado en años, no es broma) tiene secuestrada a una mujer a la que esta a punto de matar.

Por tal motivo nuestro malcarado héroe se dirige a toda velocidad a bordo de su patrulla ingresando a un pueblo olvidado por Dios y es recibido con ráfagas de pistola, instantes después su compañero perece cuando varios impactos de bala hacen blanco en su humanidad (les dije que era bastante genérico, jajaja).

Empero esto no detiene a Machete (Trejo) quien como es todo un cabrón se despacha a varios malazos echándoles encima su auto, motivo por el cual comienzan las amputaciones corporales y el desparramamiento de hemoglobina (genial). Acto seguido Machete ingresa a una casa donde es atacado por más malandrines que corren la misma suerte que los otros (solo que en esta escena el héroe decapita a uno con su enorme machete) para después encontrar a la mujer en peligro, solo para darse cuenta demasiado tarde que todo ha sido una trampa que le tendió Torrez (Seagal), el cual mata a la mujer frente a el.

Pero la cosa no acaba ahí pues Torrez le tiene otra sorpresa al policía, el narcotraficante ha llevado a la esposa del incorruptible héroe para matarla frente a el, y asi sucede, Torrez saca su catana y decapita a la mujer, mientras Machete mal herido solo puede presenciar el horrible espectáculo, acto seguido el capo saca un arma y le dispara en la cabeza. Dos o tres años después nos encontramos con que un grupo de hombres cazan por diversión a inmigrantes latinoamericanos que intentan cruzar la frontera, estos estan comandados por Von Jackson (un resucitado Don Johnson) un hombre adinerado que tiene ideas radicales sobre la migración de latinoamericanos, pues considera a estos como una plaga, peor que cucarachas, por lo que este ha forjado una especie de ejercito que elimina a los que intentan ingresar a Estados Unidos. Por si fuera poco Von Jackson esta respaldado (en secreto supuestamente) por el senador John McLaughlin (Robert de Niro pasado de rosca otra vez) quien busca reelegirse.

Por este motivo el senador John McLaughlin (de Niro) emprende una campaña bastante agresiva contra los inmigrantes, sin embargo las preferencias electorales no le favorecen, por lo que trama un plan el cual lleva a cabo su mano derecha, Michael Booth (un genial Jeff Fahey) el cual por azares del destino encuentra a un Machete desolado, que vive como inmigrante en la gran urbe de Texas, haciendo cualquier trabajo que consiga, como cargador, jardinero, etc. para llevarse el pan a la boca.

El caso es que Booth (Fahey) le ofrece a Machete un trabajito, el cual consiste en matar al senador McLaughlin en su siguiente discurso, pues supuestamente Booth esta en contra de la política de este. Machete acepta ya que no tiene nada que perder y cuando va a realizar la operación, el héroe es traicionado y herido, además que el atentado provoca que el senador quede como un mártir y sus preferencias electorales suban en las preferencias electorales.

Ahora Machete, de nuevo solo, tendrá que escapar del FBI y de los hombres de Booth (quien es solo un pequeño eslavon en esta red de corrupción), para limpiar su nombre y descubrir quien esta detrás de toda esta sucia operación, claro de una manera poco ortodoxa, a la manera de Machete, o sea dejando la mayor cantidad de cadáveres por donde pase (jajajaja) haciendo a demás que los villanos se arrepientan de haberse metido con el mexicano equivocado.

Como puede leer el respetable, el argumento de la cinta de Robert Rodríguez puede parecer algo enredada (como casi todos sus trabajos) sin embargo este más simple de lo que parece, ya que el realizador texano, con todo y que inserta infinidad de subtramas, tanto como personajes, realmente no profundiza mucho en estos aspectos por lo que el espectador descubre de inmediato los arcos argumentales.

Claro hasta este punto esto no molesta, recordemos que estamos viendo un producto de explotation, donde lo que menos interesa son las motivaciones de los personajes, si no la acción, la violencia y el gore descerebrado. Desgraciadamente, el mayor problema de la cinta es su aspecto ideológico, el cual muestra una postura 100 % de reprobación a los eventos que actualmente se estan dando en el país de las barras y las estrellas en el apartado de inmigración (algo muy loable).

Sin embargo esta no era la cinta para denunciarlas, ya que por un lado tenemos infinidad de personajes (todos bastante extravagantes como ya es costumbre en el cine de Rodríguez) los cuales solo sirven como motor para detonar a la menor provocación una desenfreno de divertida y prosaica violencia. Y por otra parte encontramos situaciones muy sorprendentes y poco creíbles (Machete colgándose de las tripas de un hombre para escapar de una ventana es de las escenas más hilarantes que haya visto, jajaja y que decir de la mujer que esta en pelotas y saca de su vagina un celular ¿?) por lo que uno no termina de creerse el rollo de denuncia social que le ha querido dar su autor.

Empero y dejando de lado este aspecto (el cual por cierto le da unos bajones enormes de ritmo a la cinta) podemos encontrar una cinta bien facturada a nivel visual, con los encuadres y movimientos de cámara marca registrada de Rodríguez, una fotografía que remite a cintas de los setentas, una banda sonora acojonante y mucha, pero mucha acción, asi como gore a raudales.  Y uno de los aspectos más atractivos sin lugar a dudas es el reparto multiestelar con el que cuenta el film, el cual incluye por supuesto a un carismático Danny Trejo, el cual esta más que correcto como el crepuscular héroe, un Steven Seagal que se impone como el villano en turno, además de que tiene la capacidad de auto parodiarse asi mismo.

Por otra parte, un servidor agradeció la reaparición de Don Jonson, actor que aquí esta bastante desaprovechado y su personaje pudo haber dado para más, el cual incluso parece que realiza un cameo, aunque el veterano actor le pone oficio a su papel.  Y por último encontramos un correctísimo Jeff Fahey y un Robert de Niro, el cual es una caricatura de si mismo y suma a su lista otro ridículo personaje para la posteridad. De los papeles que interpretan las féminas Michelle Rodríguez, Jessica Alba y Linddsay Lohan, decir que estan ahí para mostrar su cuerpo y nada más (como debe ser jajaja).

Y para los fans también encontraremos las pequeñas actuaciones de Cheec Marin como Padre y Tom Savini como Osiris Amanpour, genial. Para finalizar debo decir que efectivamente, Machete me entretuvo de sobremanera, por su desenfadado humor y su violencia extrema, sin embargo no era la cinta que esperaba, sobre todo después de ver el trailer que rolaba por la Internet antes de su estreno, el cual me hacia pensar que este último trabajo del director texano se asemejaría más a la excelente Planeta Terror (2007) la cual por cierto gozaba de un mensaje políticamente incorrecto. Ahora solo queda esperar el siguiente proyecto de Rodríguez, Sin City 2 (2011).

Publicado por: Jorge Jiménez

CINERAYUELA: Esculpir el tiempo [en contra de Cronos]

Un filme de Aleksandr Sokurov, discípulo aventajado de Andrei Tarkovski,  será exhibido  en la gran temporada Esculpir el tiempo [en contra de Cronos] en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto 242 casi esq. con Guerrero.

 

DÍAS DE ECLIPSE (URSS.1987.133') de Aleksandr Sokurov

[Sábado 20 de Noviembre 7p.m.]

El cine de Aleksandr Sokurov va hacia territorios desconocidos con algunas películas curiosas y una permanente presencia en los certámenes de documental explorando en los campos del retrato, el ensayo o la elegía. Este cineasta ruso ha declarado que el trabajo de un cineasta es "la continuación del proyecto inacabado de dios, por eso no hay descanso, hay que pensar en cómo crear nuevos mundos y nuevos seres".

Con su criterio elitista comentó que el 99% del cine hecho en el mundo es el que no hay que ver, sólo el 1% deberíamos preocuparnos por verlo. Sokurov es un cineasta marcado por el misticismo, el detalle y la textura. Trata un cine de exploración de las formas, de un trabajo sobre la imagen-idea, de una posible espeleología del alma. Sokurov, un cineasta incuestionable y memorable.

CineRayuela para este ciclo dedicado al tiempo como exploración narrativa trae para tu mirada y tu escucha la inédita película Días de Eclipse (1987) personal adaptación de una novela de ciencia-ficción de los hermanos Strugatski que traza los avatares de una crisis espiritual de un médico y escritor en un entorno apocalíptico marcado por la fractura inminente de un sistema político...