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MATINE: LINTERNA VERDE

2011-08-19T19:47:00.001-05:00

TÍTULO ORIGINAL: The Green Lantern
AÑO: 2011
DURACIÓN: 105 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Martin Campbell
GUIÓN; Greg Berlanti, Michael Green, Marc Guggenheim, Michael Goldenberg
MÚSICA: James Newton Howard
FOTOGRAFÍA: Dion Beebe
REPARTO: Ryan Reynolds, Blake Lively, Peter Sarsgaard, Mark Strong, Tim Robbins, Angela Bassett, Temuera Morrison, Jay O. Sanders
PRODUCTORA: Coproducción EEUU-Austrlia; DC Comics / Warner Bros. Pictures
WEB OFICIAL: http://www.greenlantern.com
GÉNERO: Ciencia ficción.

“En el día más brillante, en la noche más oscura, el mal no escapará de mi guardia.Que aquellos que adoran al mal teman mi poder: ¡la luz de Linterna Verde!”

-Hal Jordan (Ryan Reynolds).

Linterna Verde es quizá el tercer superhéroe más poderoso e importante de la DC Comics después de Superman (creo que esta a la misma altura de la Mujer Maravilla), del cual gran sector del público solo recuerda a un tipo con un anillo creando gigantescos puños o demás invenciones mentales como locomotoras y un sin fin de etc. para golpear a sus adversarios, por lo que obviamente aquel público que no esta familiarizado con la mitología de las aventuras del mítico Hal Jordan (el más importante de los Green Lartern Cops), solo representará un héroe secundario sin importancia. Pero para los fans o geeks del héroe esmeralda (como su servidor), es uno de los personajes más ricos e interesantes a nivel narrativo en el universo DC, sobre todo si han leído la miniserie Rebirth (2004-2005) escrita por Geoff Johns quien sienta las nuevas bases de los orígenes del superhéroe centrándose básicamente en los conflictos internos de Jordan y su correlación con la corporación de Los Linternas Verdes.

Hay que señalar que tanto este Rebirth como Siniestro Corps (2007) y La Noche Más Oscura (2009) son bastante maduras y lúgubres a nivel narrativo y discursivo, motivo por el cual se han convertido en referentes culturales del personaje. Por tal motivo y habiendo leído estos, mis expectativas sobre la cinta de Martin Campbell eran bastante altas incluso aunque se por experiencia que tanto el medio narrativo natural de los comics como el cinematográfico son muy distintos, empero se también que se pueden hacer buenas adaptaciones como el Superman de Richard Donner (1979) o los Batman de Christopher Nolan (2005,2008) si se respetan aspectos tan básicos como son la propia naturaleza de estos personajes.

Sin embargo siento decir que el debut cinematográfico de Hal Jordan en la pantalla plateada ha quedado a deber y mucho diría yo, gracias a la ineficacia de un guión bastante estéril y por momentos infantil (aun cuando lo firman ¡cuatro sujetos!) plagado de situaciones comunes y por supuesto a la incapacidad de un director al cual parece no atraerle el material con el que contaba, pues uno nota la desgana con la que filma todo el metraje, sin explorar en las motivaciones de los protagónicos, e incluso en las secuencias de acción estas se perciben pueriles y bastante cortas.

Para los que no conozcan el origen de Linterna Verde la historia que nos cuenta Campbell es la siguiente, Hal Jordan (Reynolds) es uno de los mejores pilotos de la fuerza aérea norteamericana, su personalidad es la de un tipo rudo, mamón e irresponsable, motivo por el cual parece que siempre vive al límite sin importar las consecuencias de sus actos, como nos muestra la primera secuencia donde se nos presenta a un Hal saliendo velozmente de su casa, casi en ropa interior, manejando como loco su auto por la ciudad para tratar de no llegar tarde a la base, ya que este tiene una prueba en la cual va volar su F16 en combate con unos aviones que gozan de inteligencia artificial, los cuales representan el futuro de la fuerza aérea ya que pretenden sustituir a los pilotos humanos en un futuro con la finalidad de minimizar errores.

Total que Jordan vuela junto a Carol Ferris (la bella Blake Lively) su amor eterno e hija del armamentista Carl Ferris (Jay Sanders), el cual por cierto busca vender los mentados aviones al senador Hammond (Tim Robbins bastante desperdiciado). Pero volviendo a la trama, resulta que Hal Jordan durante el vuelo de prueba demuestra que es un cabrón con dos cojones bien puestos y hace que los lujosos aviones fallen en la prueba provocando que el contrato de Carl Ferris peligre por que estas naves no demostraron ser mejores que un simple piloto humano, sin embargo esto no es lo que hace enojar a su superiores, lo que de verdad los hace encabronar es que Hal destruye accidentalmente su F16 cuando se ve incapacitado para retomar el vuelo en el momento que reaparecen ante el los recuerdos de la fatal muerte de su padre en un accidente de aviación (pues este era el mejor piloto de su epoca en las fuerza aérea) por lo que no puede reaccionar provocando la perdida total de la aeronave.

Obviamente Hal es reprendido por sus superiores y es suspendido, al tiempo que Carol esta a punto de mandarlo al carajo por su actitud, lo que hace que su vida sea un completo desastre, empero esta dará un vuelco cuando un alienígena llamado Abin Sur (Temuera Morrison) uno de los mejores linternas verdes, caiga herido y moribundo en la tierra otorgándole su anillo a Hal para que este lo remplace (bueno en si el anillo escoge a su huésped por sus aptitudes), ya que este agoniza gracias a que fue atacado por una entidad maligna llamada Parallax (voz de Clancie Brown) la cual tiene como único objetivo destruir a los green Lantern cops y a los guardianes del universo.

Lo que sigue después es presenciar como Hal Jordan trata de adaptarse a sus nuevos poderes, los cuales le conllevan grandes responsabilidades, y básicamente esta sería la desabrida premisa que nos entrega Martin Campbell y su gran equipo de guionistas, la cual hubiera resultado atractiva si por lo menos los responsables del proyecto tuvieran la inteligencia de invertir por lo menos unas dos horas y media de metraje, con el objeto de desarrollar y explorar las motivaciones del protagonista. Desgraciadamente para el respetable todo se cuenta demasiado rápido, sin la intención dramática que se necesitaba para ciertos pasajes de la historia, por lo que solo vemos como Hal Jordan acepta su destino en cinco minutos (no es broma) cuando este viaja al planeta OA para ser entrenado por Kilowog (voz de Michael Clarke Duncan) y Sinestro (un genial Mark Strong) dicho adiestramiento dura eso, cinco minutos, eso si con un despliegue visual bastante cumplidor el cual se diluye ante la desgana con la cual esta filmada por Campbell.

Asi mismo varios de los arcos argumentales que se exponen son desaprovechados en aras del espectáculo visual, por lo que personajes como Siniestro (Strong) quien es esbozado levemente como el gran villano que pudo haber sido queda relegado a un segundo plano (como si se lo estuvieran reservando para una secuela), al igual que el de Héctor Hammond (Peter Sarsgaard pasándosela pipa con su personaje) el cual es planteado como un geek malogrado del cual nunca creemos sus motivaciones. Incluso el personaje del propio Hal Jordan se percibe bastante indefinido, con todo y que se nota el esfuerzo de Ryan Reynolds por dotarlo de tridimensionalidad, y el personaje de Carol Ferris que interpreta la hermosa Blake Lively se siente de relleno como interes amoroso. Pero esto no es lo peor, pues el ente de Parallax queda relegado a un simple villano sin exaltaciones, inclusive este nunca llega a causar verdadero temor como en los comics (recordemos que Parallax es la materialización del miedo que existe en todos los seres humanos) y lo más infame es que Hal Jordan se lo despacha en un dos por tres en un anticlimático tercer acto.

Es por tal motivo que como la historia esta mal trazada ni los fastuosos efectos especiales que retratan a la perfección (eso si) el diseño visual de personajes (sobre todo Kilowog y los propios Guardianes, asi como los trajes de los Linternas) y demás entornos como el planeta OA logran emocionar al respetable, al tiempo que se emplea una banda sonora que recuerda en demasía a la de Superman Regresa (Singer, 2006) con todo y que esta la compone James Newton Howard.

Lo que si se es que Linterna Verde me ha dejado frío y bastante decepcionado (algo que intuía hace tiempo cuando supe quien la dirigiría) ya que no se le hizo justicia al personaje y mucho menos a la mitología del mismo, razón por lo que el que vea este film y no sea un seguidor del personaje apenas encontrara una cinta de ciencia ficción medianamente entretenida, pero para los conocedores del superhéroe lamento decirle que descubrirán un Linterna serie B con presupuesto de blockbuster. Asi que para terminar solo puedo decir que no recomendaría ver Linterna Verde ya que es una cinta prescindible, mal dirigida y sin personalidad, solo espero que para la siguiente (por que hay una secuela programada) el anillo escoja al director y los guionistas por su aptitudes.

publicado por: Jorge Jiménez de http://www.elrincondeharrison.blogspot.com/

Alfred Hitchcock´s PSICOSIS

2011-03-18T16:54:00.000-06:00

TÍTULO ORIGINAL: Psycho
AÑO: 1960
DURACIÓN:109 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Alfred Hitchcock
GUIÓN: Joseph Stefano (Novela: Robert Bloch)
MÚSICA: Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA: John L. Russell (B&W)
REPARTO: Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles, John McIntire, Martin Balsam, Simon Oakland, Patricia Hitchcock
PRODUCTORA Paramount Pictures
GÉNERO: Terror.

Siguiendo un poco con la temática de los filmes slashers que mejor que visionar un film de revisión obligada para todo aquel que se guste llamar cinéfilo, el titulo en cuestión es la exquisita y monumental (tanto narrativa como visualmente) Psicosis del maestro Alfred Hitchcock, cinta de culto que tal vez sin la conciencia de su autor vino a inaugurar el llamado cine de asesinos seriales, ya que nos vino a presentar a uno de los más mortíferos pero a su vez carismáticos villanos del séptimo arte, el trastornado Norman Bates.

La cinta de Hitchcock comienza con una pareja de amantes que se encuentran dentro de un cuarto de un hotel (cabe hacer mención que en esta primera toma, el director utiliza una gran panorámica que muestra la ciudad de Phoenix para girar hacia el mencionado edificio y finalmente entrar por la ventana del cuarto donde se nos presenta a los protagonistas, genial de verdad), ahí la rubia y hermosa mujer llamada Marion (Janeth Liegh) le reprocha a Sam Loomis (John Gavin) que ya no se siente a gusto en la forma en que se encuentran, por lo que el hombre le promete que ahora si va a dejar a su mujer para que su relación por fin sea libre.

Acto seguido, Marion comienza a vestirse y se alista para regresar a su trabajo mientras Sam regresa a la ciudad donde tiene su vida hecha. Instantes después la mujer ingresa al lugar donde labora y se topa con su jefe en compañía de un importante cliente que piensa comprar una propiedad y lleva consigo la cantidad de 30 000 dólares, los cuales piensa dejar en propiedad del dueño del lugar, empero este como ve que es mucho el efectivo le encomienda a Marion los deposite de inmediato en el banco.

Y en este punto argumental comienza a desarrollarse una interesante exploración psicológica del personaje femenino, ya que como presenciábamos en un inicio la dama se nos presenta con cierta frustración a nivel personal ya que lleva años trabajando en el mismo lugar y no ha podido realizarse a nivel emocional con una pareja, motivo por el cual al tener semejante cantidad de dinero en sus manos no lo duda dos veces y escapa con este para ir en busca de su amado.

Por tal motivo Marion va a su casa y sale con tan solo una maleta llena de ropa para huir de la ciudad que la ha aprisionado durante años y solo le ha proveído de frustraciones. Es importante señalar que este tramo del film es una muestra de ejercicio a nivel narrativo, puesto que Hitchcock dota de suspenso y tensión al film logrando que el presente se sumerja en la excitante huida de la protagonista, la cual durante todo el viaje que hace en automóvil por las autopistas del país comienza a cuestionar sus acciones por lo que el remordimiento y el temor de ser aprendida comienzan a desquebrajar la cordura de la mujer durante todo el éxodo.

Además si a esto le aunamos que la aparición de un misterioso y ominoso policia que comienza a sospechar que algo no anda muy bien con la chica, el relato se vuelve una verdadera pesadilla para la protagonista, quien en una muestra de desesperación ante el acoso del “guardián de la ley” logra cambiar de auto (en uno de los momentos cumbres de la historia) para huir lejos de este, hasta que una constante lluvia y la llegada de la noche, obligan a Marion a detener su traslado en un viejo y abandonado motel al lado de la carretera.

En ese lugar conoce a un taciturno hombre llamado Norman Bates (Anthony Perkins) quien es el encargado del motel, el cual de manera muy amable le ofrece hospedaje y comida por lo que Marion acepta e incluso mantiene una charla con el hombre quien le comparte que vive solo con su madre enferma, la cual vive en la casa a espaldas del motel. Cabe hacer mención que la plática que sostienen estos es parte neurálgica en el relato, ya que con esta se nos adentra en la psicología de Norman Bates, hombre amante de la necrofilia (el cual encuentra en la taxidermia una especie de placer).

Sin embargo Marion como se encuentra muy cansada decide irse a descansar y el hombre se retira, lo que sigue después es presenciar una de las escenas más famosas en la historia del cine, la horrible muerte de la mujer en la bañera a manos del misterioso asesino, todo al compás de los pavorosos acordes de violín compuestos por Bernard Herrmann lo que hace que esta escena sea icónica, puesto que los encuadres, las tomas en picado que se hacen desde la regadera e incluso la planificación del apuñalamiento que sufre la protagonista componen una verdadera proeza en la planificación de medios para narrar este acontecimiento, y el cierre es magistral al punto que la última toma que nos muestra como la sangre se escapa por el conducto del desagüe, para después fundirse en la mirada perdida de la mujer se vuelve hasta idílico.

Imaginen lo que sintieron los espectadores de aquella epoca cuando se dieron cuenta que transcurridos cincuenta minutos de metraje la protagonista es eliminada del film, es totalmente inverosímil, pero tratándose de Hitchcock es solo una manera de torcer la trama de manera bastante inteligente puesto que este segundo acto depara lo mejor del film, y esto significa la revelación del verdadero protagónico del mismo, Norman Bates, personaje bastante rico en lecturas psicológicas, el cual vive bajo el yugo de una madre controladora y abusiva, mujer que no permitirá que ninguna mujer trate de robarle el amor de su vástago.

Es por esto que Norman cuado descubra el atroz crimen cometido por su madre se dará a la tarea de ocultar el cuerpo de la mujer, motivo por el cual este decide desaparecer el auto con el cuerpo de Marion en el lago que se encuentra detrás del motel. Sin embargo con lo que no cuenta Bates (como sabrá el respetable no hay crimen perfecto) es que la desaparición de la chica provocará que la hermana de esta, Lila (Vera Miles) y el novio de la difunta, Sam Loomis (interesante referencia que usaría el propio Carpenter en Halloween para darle nombre al personaje que interpretara Donald Pleasence como eterna Némesis de Myers) buscarán a la desaparecida joven, motivo por el cual contratan a un detective privado Arbogast (Martin Balsam) que logra descubrir el aterrador secreto que guarda Norman Bates.

Como puede leer el respetable Psicosis es una verdadera obra de arte a nivel visual, narrativo y plástico, en pocas palabras es la muestra palpable de lo que se debe hacer al realizar cualquier ejercicio cinematográfico, ya que pone de manifiesto que no es necesario contar con millones de dólares para gestar proyectos solventes (esta obra de Hitchcock costo solo un millón de dólares).

Asi mismo es de vital importancia resaltar que el film del director ingles se percibe como una obra honesta despojada de maniqueísmos baratos, no es casualidad que este optara por filmar la cinta en blanco y negro, decisión bastante acertada puesto que aunque lo que se ve frente a pantalla es horrible, la hermosa y orgánica fotografía de John L. Russell dota de elegancia y sobriedad a la cinta.

Además de que se nota la gran técnica de Hitchcock para poner la cámara en los lugares indicados, basta con recordar aquella magistral secuencia que se desarrolla en las escaleras del interior de la casa de Norman Bates, donde el detective Arbogast (Balsam) es ultimado a manos del asesino, en esta se puede notar el ingenio del realizador al aplicar una toma en cenital que nos pone en un lugar inmejorable como espectadores para dejarnos ver los fatídicos resultados de tan atroz acción.

Pero sin lugar a dudas el parte aguas de esta cinta es el tratamiento de personajes, sobre todo el de Norman Bates pues es indudable que es sobre este último de quien verdaderamente trata la historia, sobre el perturbado hombre con la infancia rota al cual su madre aun le sigue jodiendo la existencia, sin embargo lo que lleva a límites de verdadero horror es el buen quehacer de Anthony Perkins, pues el actor logra mimetizarse con su personaje, haciendo incluso que la sombra de Norman Bates jamás lo dejara interpretar otro personaje con el mismo éxito

Finalmente solo me queda decir que Psicosis es de mis cintas favoritas de todos los tiempos, pues esta contiene las dosis justas de suspenso, terror y angustia, además de que cuenta con las dos vueltas de turca más efectivas que se hayan visto en el cine, ¡olvídense del final de El Sexto Sentido (M. Night Shyamalan, 1999)! aquí el cierre es descojonante. Asi que no duden en volver a revisar Psicosis pues podrían llevarse una gran sorpresa como le ocurrió a un servidor, pues cada vez que visiona esta obra del maestro Hitchcock descubre nuevas lecturas en ella.

publicado por: Jorge Jiménez (http://www.elrincondeharrison.blogspot.com/)

CINE DE CULTO: UNA PELICULA SERBIA

2011-01-26T08:57:00.002-06:00

TÍTULO ORIGINAL: Srpski film
AÑO: 2010
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: SERBIA Y MONTENEGRO
DIRECTOR: Srdjan Spasojevic
GUIÓN: Srdjan Spasojevic, Aleksandar Radivojevic
MÚSICA: Sky Wikluh
FOTOGRAFÍA: Nemanja Jovanov
REPARTO: Srdjan Todorovic, Sergej Trifunovic, Jelena Gavrilovic, Katarina Zutic, Slobodan Bestic, Ana Sakic, Lena Bogdanovic, Luka Mijatovic, Andjela Nenadovic
PRODUCTORA: Contra Film / Jinga Films
GÉNERO: Terror.

Antes de comenzar la reseña de esta cinta, debo confesar que el filme de Srdjan Spasojevic realmente me partió la madre anímicamente con todo y que he visto títulos tan duros como Mártires, Calvario, Aftermath, Holocausto Caníbal o Al Interior por mencionar algunos, razón por la que después de visionar Una Película Serbia debía concentrarme en los aspectos semióticos de la misma para que mi análisis no se vieran tan nublados por mis emociones, y asi poder discernir los aspectos formales de la misma.

En un inicio la cinta arranca como cualquier thriller normalito, esta nos comienza a contar la vida de Milos (Srdjan Todorovic) un hombre que durante varios años fue el actor porno más cotizado del medio, el hombre tenía (además de un gran miembro viril, jajaja) una especie de habilidad, ya que cuando follaba a sus co protagonistas las llevaba al éxtasis motivo por el cual Milos se volvió una leyenda del porno. Sin embargo como todo en la vida se acaba y Milos ha tenido que retirarse por un tiempo, ahora vive tranquilamente con su esposa Marija (Jelena Gavrilovic) y su pequeño hijo, sin embargo el dinero que ganó trabajando cada día se va acabando ya que las cuentas no esperan.

Es por este motivo que Milos (Todorovic) pasa por un momento anímico un tanto oscuro y siente que desperdicia su vida. Empero cierto día una vieja compañera de trabajo llamada Jeca (Andjela Nenadovic) se contacta con nuestro protagonista, para comunicarle que le tiene un nuevo trabajo, y que este no es típico trabajo donde harán una porno, que incluso la gente que esta detrás de este proyecto son artistas los cuales buscan hacer arte atrvés de este proyecto y por si fuera poco si Milos acepta sera remunerado bastante bien económicamente.

En un principio Milos duda, pero acepta entrevistarse con el hombre que organiza el asunto, su nombre es Vukmir (Sergej Trifunovic) un psicólogo con doctorado (después descubriremos esto) el cual le explica al hombre que este proyecto es importante a nivel filosófico y plástico, que lo que van a grabar jamás se ha hecho, que la pornografía común y corriente es solo una ilusión. Por tal motivo la cinta a la que lo invitan a participar va a ser un parte aguas a nivel sensorial, puesto que las aspiraciones de este filme son artísticos y por eso lo han invitado, ya que para Vukmir, Milos es un artista en lo que sabe hacer, follar.

Es por eso que nuestro hombre después de discutir con su hermosa esposa sobre el trabajo, al final decide aceptarlo sin saber que este solo significará su perdición y la de sus seres queridos, ya que conforme Milos se adentra más y más en este proyecto, irá descendiendo en un infierno existencial donde el fin justifica los medios, al menos para su creador (Vukmir) ya que este a través del sufrimiento, las vejaciones y la aplicación de casi todas las filias conocidas (necrofilia, neonatofilia, humillación, violaciones, etc) hacia sus víctimas, creara una especie de nuevo arte, el cual incluso rebasa el aspecto meramente cinematográfico, motivo por el cual la cámara sirve solo como una herramienta para documentar y dejar constancia de que este existe.

Como pueden leer el argumento podría parecerse a filmes como Hostal o algunas cintas Snuff, sin embargo lo que hace diferente y realmente aterradora a la cinta de Spasojevic, es que el autor no pretende shockear al presente de manera gratuita con sus desagradables e incluso ofensivas escenas (la secuencia donde interviene un recién nacido es perturbadora y realmente te chinga emocionalmente), incluso el climax final es aterrador (este incluye la violacion de dos personas a manos de Milos sin saber que estos son...) y cuando el presente esta noqueado por lo que acaba de ver, pensando que ya no puede haber más, el final te remata de forma abrumadora para que no se olvide lo que acabas de presenciar.

Por tal motivo considero que la cinta contiene un discurso entre líneas bastante duro hacia la propia nación Serbia, despojado de maniqueísmos baratos. Es por eso que los personajes que aparecen torturados, violados, asesinados, etc. son símbolos que son usados por el autor para transmitir dicho mensaje, incluso el gran pene de Milos (de algun modo eje central de la cinta) es ese emblema que da placer, de fuerza, el que da vida y al final también es el detonante de tanta muerte.

Y es que si repasamos un poco la historia de Yugoslavia (ahora Serbia y Montenegro) por lo menos de de veinte años para acá, nos daremos cuenta esta nación a sufrido bastante, comenzando por el genocidio y la limpieza étnica que se dio en los 90´s, hasta los bloqueos comerciales por parte de la OTAN para detener la guerra en Kosovo y que a final de cuentas no sirvió de nada (solo hundieron al país en la bancarrota), por lo que se optó por bombardear dicha ciudad dejando como resultado miles de muertos y lo peor es que estos problemas en mayor o menor medida siguen vigentes en esa nación.

Por tal motivo, percibo que La Película Serbia es más que un film de terror o torturporn (de hecho cumple con creces ese apartado) pero también creo que sus aspiraciones son mayores a la mera exposición del gore y violencia gráfica, ya que aspectos técnicos como la fotografía, la puesta en escena o el montaje se alejan de los productos de serie b que buscan el mero sencionalismo, es por eso que en este titulo encontraremos una belleza plástica aunque en ocasiones los fotogramas nos muestren horror puro. Asi mismo los personajes tienen un desarrollo tridimensional donde se pueden percibir sus motivaciones, aunque sean arquetípos (con la diferencia que aqui no hay buenos, ni malos solo víctimas) y la interpretación de los actores cumple con creces para que nos creamos lo que estamos viendo.

Para finalizar debo decir que esta cinta es una muestra clara que en las artes, cualquiera que sea la rama (pintura, escultura o el propio cine) si la obra no esta bien fundamentada se cae a pedazos como un castillo de naipes, es por eso que cuando visionamos cualquier cinta podemos sentirnos estafados o en su defecto percibimos que hay algo más de trasfondo en las imágenes mostradas. Al menos a si me sucedió con este titulo, que con todo y lo repugnante, doloroso, aterrador e incluso ofensivo de sus imágenes, encontré en esta una obra transgresora y propositiva.

Asi mismo se que algunos estas ultimas líneas les parecerán una locura (si ya vieron el film), y podrían techarme de loco y un largo etc, pero nunca mencione que la cinta me gustara, solo que como obra cinematográfica la percibí honesta y eso ya es suficiente para mi, pues no he sentido que me hayan tomado el pelo.

publicado por: Jorge Jiménez

BOOGIE NIGHTS o lo divertido que puede resultar el porno.

2011-01-25T16:53:00.000-06:00

TÍTULO ORIGINAL: Boogie Nights
AÑO: 1997
DURACIÓN: 156 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Paul Thomas Anderson
GUIÓN: Paul Thomas Anderson
MÚSICA: Michael Penn
FOTOGRAFÍA: Lloyd Levin
REPARTO : Mark Wahlberg, Julianne Moore, Burt Reynolds, Don Cheadle, John C. Reilly, William H. Macy, Heather Graham, Luis Guzmán, Nicole Ari Parker, Thomas Jane, Samson Barkhordarian, Nina Hartley, Robert Ridgely, Greg Lauren, Philip Seymour Hoffman, Melora Walters, Philip Baker Hall, Alfred Molina
PRODUCTORA: New Line Cinema
GÉNERO: Drama. Comedia.

Otro de los realizadores que siempre han deleitado a un servidor por su exquisita visión del séptimo arte es el señor Paul Thomas Anderson, que como Scorsese o Eastwood es quiza de los pocos directores en activo más interesantes en la actualidad. Por tal motivo el que esto escribe puede considerar a Thomas Anderson como un verdadero autor, no por nada su filmografía por muy corta que sea nos refleja las inquietudes intimistas del realizador para exponer de manera magistral la naturaleza del ser humano.

Es por eso que dichas inquietudes quedan reflejadas en el trabajo que para su servilleta es tal vez el mejor en su filmografía, puesto que aunque Boogie Nights (que significaría algo como noches de baile) nos cuenta sobre uno de los temas más satanizados por la sociedad y la misma industria hollywoodense, “el porno” a final de cuentas el director norteamericano no se queda en la mera exposición visual del mismo si no que este explora, escudriña en los aspectos sociales, culturales y plásticos que hicieron de la industria del porno en los años setentas toda una revolución a nivel social y por que no también económica, claro con la llegada de nuevas tecnologías como el video.

La cinta abre con una soberbia toma en donde Thomas Anderson utiliza un paneo con pedestal solo para mostrarnos de forma magistral un enorme anuncio en luces neón que nos indica el nombre de un club de baile y a su vez revelarnos el titulo del film, para después llevar de la mano al presente y sumergirlo en la alocada vida nocturna del sur de California.

En uno de los tantos clubes de baile conocemos a Jack Horner (Burt Reynolds) quien se encuentra sentado en una mesa del lugar, este hombre habla con una mujer llamada Amber (Julian Moore), en determinado momento el hombre vislumbra a un joven a los lejos y le parece atractivo por lo que decide buscarlo hasta el área de cocinas.

En ese sitio Jack le pregunta al joven cual es su nombre y éste contesta: Eddie (Mark Wahlberg) el cual antes de cualquier otro asunto le pregunta a Jack que si quiere ver su pene o quiere que se masturbe, que cobra diez dólares solo por permitir ver y quince por lo “otro”. El hombre le dice a Eddie que le muestre su paquete y cuando el joven lo hace, Jack (Reynolds) queda sorprendido (pues aunque no se nos muestra el miembro viril del hombre se infiere que es de gran tamaño), acto seguido Jack le comenta a Eddie que es director de películas porno, por lo que le propone trabaje con el pues ha visto en el grandes aptitudes (30 centímetros de carne, jajajaja).

El jovenzuelo le comenta a Jack (Reynolds) que lo va a pensar, horas después Eddie llega a su casa sin embargo vuelve a tener un altercado con su madre, la cual siempre le dice que es un inútil, un bueno para nada, por lo que descubrimos después que el muchacho nunca se ha sentido querido en su hogar ya que cuenta con una madre castrante y un padre sumiso el cual nunca lo apoya cuando la mujer lo reprende, por tal motivo el joven decide escapar de su casa para siempre e ir junto a Jack para emprender su nueva vida como actor porno.

Es asi como Eddie (Wahlberg) comienza su vertiginosa carrera como action man del mete saca (jajaja), por lo que decide cambiar su nombre a Dirk Diggler algo más apropiado para este tipo de producciones (jajaja) para a su vez dejar para siempre al tímido e inseguro Eddie, asi mismo se estrenara con la guapa y madura actriz porno Amber Waves (Julian Moore) quien es una diva en la industria y es la consentida de Jack (Reynolds).

Contar más sobre la trama sería echar a perder la sorpresa, solo puedo acotar que Dirk Diggler se convertirá en un icono de la industria, por lo que el tándem Horner-Diggler será el mayor artífice de la industria, sin embargo cabe hacer mención que esto también significará el ascenso y descenso a los infiernos existenciales de una estrella, ya que las envidias, las drogas, el amor, el sexo, los cambios sociales y tecnológicos, harán que el hombre que forjara su futuro a través de su enorme miembro viril se de cuenta que follar y ganar millones de dólares no lo es todo en la vida.

Es con esta premisa que el mismo Thomas Anderson escribe y dirige uno de los trabajos más emotivos, sinceros y mordaces que su servidor haya visto sobre la exploración de la farándula Hollywoodense y como esta afecta a los individuos que en ella se alojan, incluso se podrían encontrar paralelismos con el Toro Salvaje (1980) de Scorsese, claro sin ser tan sórdido y pesimista como la obra del director de descendencia italiana, ya que de alguna forma el Dirk Diggler que interpreta de manera eficaz Mark Wahlberg contiene las carencias afectivas y la busqueda de reconocimiento que también anhelaba el Jake la Motta del portentoso Robert De Niro.

Por lo que podemos descubrir como el individuo (Dick Diggler) va perdiendo su identidad para convertirse solo en un trozo de carne manejable al antojo de las grandes masas de consumidores que piden más y más de este para saciar también sus carencias, por lo que se podría considerar la relación que existe de estrella-fan como una total codependencia.

Por otra parte la galería de exóticos personajes que nos presenta el film es de suma importancia para sostener esta inteligente historia, la cual también usa el humor más negro para pitorrearse y a su vez hacer reflexionar al respetable sobre lo que nos estan contando. No es casualidad que los personajes (todos ellos disfuncionales y marginados por cierto) ejerzan el rol de la familia que Dirk (Wahlberg) nunca tuvo, desde el paternal Jack (Reynols), pasando por la madre amorosa que representa Amber (una sensacional Julian Moore) a la cual folla y ama a su vez, por lo que la relación es muy Freudiana.

Y es que la cinta de Thomas Anderson es también una especie de homenaje al cine en general, pasando por el explotation más cutre, basta con recordar las jocosas escenas donde Diggler (Wahlberg) y su compinche de aventuras, Reed Rotchchild (un genial John C. Reilly) tienen la magnifica idea de grabar una porno con un argumento que emula a las cintas de Bond, por lo que las intrigas y las escenas de acción ostentarán ser parte neurálgico de dichos titulos, pero obviamente la manufactura de estas solo hará que el presente se cague de risa por su mala ejecución, jajaja.

Incluso el que esto escribe pudo encontrar un guiño a otro gran incomprendido del cine, Ed Wood, pues el trabajo que realiza Jack Horner (Burt Reynols) es muy similar al que hacia el mencionado con anterioridad, ya que se nos muestra a un director comprometido con su trabajo, el cual cree que esta haciendo un cine propositivo (aunque de porno se trate) pues aunque usted no lo crea el personaje que interpreta Reynolds tiene aspiraciones artísticas (jajaja) solo que los medios con los que cuenta o simplemente por incapacidad o inocencia, llámenlo como quieran, Horner no logra plasmar sus exaltaciones de la forma más adecuada.

Por tal motivo se puede considerar a Boogie Nights como una franca historia de compañerismo y de redención, pero sobre todo es una carta de amor a la cinematografía por parte de su realizador, aunque curiosamente este encuentre en el porno la vía para hacerlo y es que aunque la industria del famoso "mete saca" nunca llegue a considerarse como un arte, la cinta si nos muestra toda la planificación y trabajo que había detrás de cada nuevo título del aclamado director Jack Horner, el cual es igual al que se hace para realizar filmes comunes y corrientes, sin embargo con la llegada de los años ochentas y la entrada del video todo cambio.

Y aquí es donde encontramos otro gran acierto en la obra del director norteamericano, ya que la cinematografía empleada en el film es soberbia, pues Thomas Anderson nos sumerge en el mundo del cine gracias a sus encuadres, la fotografía, la composición, el ritmo, las atmósferas, la musica, la dirección de actores, todos los elementos que utiliza el realizador logran llevarnos a la maravillosa epoca de los años setentas y principios de los ochentas.

Asi que no se pierdan Boogie Nights pues es un film que emociona, que divierte, que te llega a lo más profundo del ser y por si fuera poco cuenta con un reparto multiestelar que además de los protagónicos incluye a gente como Don Cheadle, William H. Macy, Tomas Jane, Heather Graham, Phillip Seymor Hoffman y Alfred Molina, personajes que engrandan la obra de un verdadero cineasta, el señor Paul Thomas Anderson.

publicado por: Jorge Jiménez

El gran Clint Eastwood es HARRY EL SUCIO.

2010-12-30T16:58:00.000-06:00

TÍTULO ORIGINAL: Dirty Harry

AÑO: 1971
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Don Siegel
GUIÓN: Harry Julian Fink, R.M. Fink, Dean Reisner (Historia: Harry Julian Fink & R.M. Fink)
MÚSICA: Lalo Schifrin
FOTOGRAFÍA: Bruce Surtees
REPARTO: Clint Eastwood, Harry Guardino, Reni Santoni, John Vernon, Andy Robinson, John Larch
PRODUCTORA: Warner Bros presenta una producción Malpaso Company
GÉNERO: Thriller. Acción.

“Se lo que estas pensando, tal vez hizo cinco o seis tiros. Pero te pregunto ¿te sientes con suerte?, tengo una mágnum .44 el arma más potente que existe y podría volarte los sesos con ella”

“Ahora vuelvo a preguntarte ¿te sientes con suerte maldito?” ¡pum!

-Harry Callahan (Eastwood)

Para cerrar este primer ciclo de verdaderos héroes de acción, qué mejor recordar un verdadero clásico del género, el cual por cierto es un punto de inflexión para el cine pues sin el Harry Callahan de Eastwood, jamás hubieran existido los Norris, los Bronson, los John McClane y mucho menos el Marion Cobretti de Stallone, personajes arquetípicos que intentaron copiar hasta la saciedad las motivaciones del inspector más chingón de la ciudad de San Francisco, pero que quedaron lejos de igualar los resultados ideológicos y plásticos de la genial dupla conformada por Eastwood y Siegel. Por cierto el último gran héroe de acción desde mi humilde punto de vista sería Jack Bauer, habiendo dicho esto, comenzamos.

La historia comienza mostrándonos como un tipo que se encuentra en una azotea de un edificio dispara y asesina a una mujer que se hallaba nadando en el penthouse de su inmueble, horas después el inspector Callahan (Eastwood) junto con el departamento de policía investigan la escena del crimen descubriendo una nota que dejó el asesino, el cual firma como el Escorpión (Andrew Robinson).

El hecho es que Harry descubre que el móvil del crimen consiste en extorsionar a las autoridades de la ciudad de San Francisco por parte del delincuente, puesto que en la nota el asesino menciona que si no le depositan cien mil dólares en el transcurso de las siguientes veinticuatro horas seguirá matando gente al azar.

Más tarde Harry es citado por el Alcalde (John Vernon) para que le explique los avances de la investigación, empero como Callahan tiene un historial no muy bueno por ser bastante rudo con los malhechores, el funcionario público le cuestiona al detective en forma de reproche que ha estado haciendo, para que instantes después descubramos como nuestro protagonista, en un acto de socarronería le contesta al Alcalde que ha estado sentado las últimas tres horas esperando que lo reciba (jajaja, Callahan eres un cabrón).

Motivo por el cual el jefe de Callahan (John Larch)trata de reprenderlo recordándole que esta hablando con el Alcalde, sin embargo a Harry le importa un cojón y muestra una sonrisa burlona (de esas que solo el grandioso Clint sabe hacer, genial). El hecho es que Harry es encomendado para encontrar al desquiciado sujeto que amenaza con matar a su siguiente víctima si no se cumplen sus exigencias, por lo que le asignan un compañero a nuestro héroe (el ultimo que tuvo murió, por eso nadie quiere trabajar con Harry el Sucio pues sus compañeros siempre mueren, jajajaja) esto con el fin de que la investigación sea más solvente.

Es por este motivo que Harry y Chico González (Reni Santoni) emprenden la búsqueda del asesino recorriendo los barrios más peligrosos de San Francisco, como burdeles de quinta, tiendas de sexo y bares donde el alcohol y la droga circulan cual dulces en navidad. Asi mismo el departamento de policía también pone en marcha un operativo que consiste en vigilar azoteas para atrapar al Escorpión.

En determinado momento de la trama los inspectores logran dar con Escorpión (Robinson) sin embargo y aunque frustran el siguiente atentado, Callahan no puede evitar que el malhechor escape, por lo que este ahora más encabronado que nunca, hace llegar al día siguiente otra carta al departamento de policia para avisarles que ha secuestrado a una chica y que ahora deben pagarle doscientos mil dólares si no jamás les dirá el paradero de la mujer, la cual por cierto esta cautiva y con poco oxigeno.

Por tal motivo Callahan (Eastwood) emprende una carrera contra el tiempo para dar con el Escorpión, en dicha búsqueda logra dar con el asesino, más sin embargo este último cuando es abatido por nuestro héroe no suelta ni una sola palabra con todo y que Harry usa sus técnicas más salvajes para hacerlo hablar.

Cabe hacer mención que esta escena fue un punto fundamental para que la cinta de Siegel fuera criticada ferozmente por diversas asociaciones de censores, pues se puede ver como el personaje encarnado por Eastwood cuando le ha disparado en la pierna al maleante (el cual corría para escapar) después lo tortura pisandole la herida para hacerlo confesar, mientras el villano pide clemencia gritando que lo arreste, que quiere un abogado. De verdad la escena esta tan bien hecha por la intención y la técnica con que se grabo (con esa gran panorámica y ese soberbio dolly out que enmarca a los protagonistas) que aun ahora se percibe brutal.

Desgraciadamente el arresto del inspector Callahan no surte el efecto deseado, ya que cuando logran dar con la mujer ésta se encuentra muerta, además de que en el operativo Chico (Santoni) el compañero de Harry ha salido mal herido, por lo que decide retirarse de la fuerza policiaca.

Por si fuera poco el fiscal de distrito le manda hablar a nuestro protagonista para reprenderlo, esto por los métodos que uso para cometer el arresto, pero lo más risible del asunto es que el fiscal también le comunica a Callahan que el Escorpión saldrá libre pues no hay ninguna prueba contundente que lo incrimine, con todo y que se encontró el arma homicida y rasgos de que la victima fue violada, por tal motivo Harry se encabrona ante tanta impunidad y manda a la mierda a sus superiores, no sin antes decirle que la ley esta mal. Tal parece que las autoridades de San Francisco trabajan y razonan con el culo, como pasa aqui en México (jajaja).

Después de estos acontecimientos Harry se tomará las cosas personales y perseguirá al delincuente por su cuenta para finalmente aplicar la única ley que solo el detective Callahan sabe aplicar, la suya. Con este argumento el tándem Eastwood-Siegel logran entregar una excelente, única y brutal cinta policíaca, la cual como comentaba fue fuertemente criticada por su discurso ideológico, pues se consideraba que los métodos que utilizaba el héroe eran hasta cierto punto anárquicos e impositivos.

Por otra parte la comunidad afro americana también se sintió aludida, pues aquí los negros son retratados como delincuentes (por ejemplo la estupenda secuencia del banco en donde Clint se despacha a un grupo de ladrones es prueba fehaciente de esto), sin embargo es comprensible si tomamos en cuenta el momento histórico por el que pasaba el país, pues la guerra de Vietnam estaba por terminar y el sentimiento de derrota e inseguridad invadía a la comunidad norteamericana, motivo para que los héroes de cine se convirtieran en ese soporte emocional que tanto necesitaba la sociedad, como es el caso de Harry el Sucio.

Asi mismo es de verdadera importancia descubrir que nuestro héroe cuenta con matices que lo llenan de humanidad, siendo el más evidente la ambigüedad de su moral, pues aunque Harry Callahan lucha por conservar el bien común no dudará en aplicar métodos nada ortodoxos para mantener la ley, dicho de otra forma el personaje que interpreta Eastwood o lo odias o lo amas, no hay puntos medios.

Evidentemente la antitesis de Callahan es de suma importancia, ya que asi como el detective representa la ley, el Escorpión (interpretado de manera soberbia por Andrew Robinson, quien por cierto me recordó un poco al Alex de Malcom McDowell) simboliza la pudedumbre de la descomposición social, pues son evidentes que las motivaciones de este son meramente económicas, más sin embargo detrás de este se esconden aspectos más lúgubres y más perversos, por ende cien por ciento humanos como es el placer de provocar dolor, ya sea aplicándolo a terceros o asi mismo como queda constatado en otra genial escena de brutalidad visual, en donde el personaje de Andrew Robinson le paga a otro hombre para que lo golpee hasta más no poder y asi poder echarle la culpa a Callahan por hostigamiento. Motivo también para que el Escorpión componga uno de los villanos más grotescos y perversos de la cine.

Por otra parte puedo acotar que Siegel vuelve a realizar un gran trabajo detrás de cámaras (no por nada fue un gran maestro para Eastwood) ya que el realizador sabe como mantener la atención del espectador, pues balancea su cinta con la justa dosis de suspense, acción y pequeñas cantidades de humor negro, las cuales son entregadas por el buenazo de Clint, si no basta con recordar la escena donde el protagonista tiene que rescatar a un suicida que esta apunto de arrojarse de un edificio, ésta hace que el respetable se parta de la risa por los diálogos tan ácidos e ingeniosos que escupe el detective Callahan.

Asi mismo Siegel conoce su oficio y sabe dotar de ritmo el film, gracias también a un estupendo manejo de la cámara, una interesante fotografía y una puesta en escena solvente. Y como no, la aplicación de la violencia como recurso narrativo e ideológico, pues al menos en Harry el Sucio se puede palpar que el discurso moral es muy parecido a lo que Sam Peckinpah quería decir en la mayoría de sus trabajos, la violencia es a final de cuentas el último recurso que tiene el hombre para encontrar el orden en una sociedad civilizada (¡esta carbón! ¿no?).

Como podrá inferir el respetable la actuación de Eastwood fue parte fundamental para que la cinta tuviera gran éxito comercial, pues aunque el público ya identificaba al buenazo de Clint por los Westerns que había hecho con Sergio Leone y el propio Don Siegel, no sería hasta Harry el Sucio que el actor norteamericano se volvería una superestrella, lo que provocaría más adelante que el propio actor incursionará también en la dirección, como sucedió con su excelente opera prima Obsesión Mortal (1971), además de que Eastwood se volvería el modelo a seguir dentro del género de acción.

Para finalizar no me queda más que recomendar el visionado de Harry el Sucio (por cierto asi le llaman a Callahan por que es el único que se encarga de los trabajos más sucios que otros detectives no quieren hacer) pues resulta estimulante aun en nuestros tiempos, poder ver una cinta que no pierde su frescura tanto visual como intelectiva ya que la cinta de Siegel no trata de tomarle el pelo al espectador y nos presentó a un verdadero pateador de culos encarnado de manera magistral por Clint Eastwood, jajaja.

Solo me queda esperar una nueva edición de lujo ahora que la cinta esta apunto de cumplir cuarenta años desde su gestión (ojala la Warner se ponga chula.)

publicado por: Jorge Jiménez
p.d. si quieres saber más sobre el ciclo de cine de acción no olvides visitar http://www.elrincondeharrison.blogspot.com/

CINE DE CULTO: VAMPYR

2010-12-21T16:44:00.000-06:00

TÍTULO ORIGINAL: Vampyr - Der Traum des Allan Grey
AÑO: 1932
DURACIÓN: 68 min.
PAÍS: Alemania
DIRECTOR: Carl Theodor Dreyer
GUIÓN: Carl Theodor Dreyer & Christen Jul (Novela: Sheridan Le Fanu)
MÚSICA: Wolfgang Zeller
FOTOGRAFÍA: Rudolph Maté (B&W)
REPARTO : Julian West, Sybille Schmitz, Henriette Gérard, Jan Hieronimko, Maurice Schutz, Rena Mandel
PRODUCTORA Coproducción Alemania-Francia
GÉNERO: Terror. Sobrenatural. Vampiros

Sin lugar a dudas la figura del vampiro es una de las más atractivas en la cultura popular, sobre todo si tomamos en cuenta que esta tomo mayor fuerza en Europa allá por el siglo XVII (etapa del Renacimiento) donde aspectos como la peste negra (epidemia viral) azotaba a la sociedad acabando con casi 300 mil personas, motivo por el cual y en desesperación por encontrar una explicación racional, la superstición tomo un papel relevante.

Por tal motivo y como no había más fosas para enterrar los cuerpos de los que morían diariamente, los encargados de esta labor tenían que abrir las que estaban ocupadas para enterrar ahí mismo a los nuevos huéspedes. Esto significaba que los muertos y los vivos se verían por primera vez cara a cara (en esa epoca profanar las tumbas era un pecado por lo que el hombre no conocía el proceso de descomposición de los cuerpos, ni las autopsias) lo que provocaba gran terror, pues los cuerpos que veían los hombres mostraban crecimiento de uñas y pelo, asi como sangre en la boca.

Por este motivo se tomo como explicación que todos los males eran obra del Demonio, representados a través de los muertos vivientes, los Vampiros. Con el pasar de los siglos la figura del Vampiro se transformo y sirvió de inspiración para crear obras literarias como Drácula del ya mítico Bram Stoker, asi como infinidad de cintas que cuentan como protagonista a la figura del vampiro.

Ahora bien y como en esta fecha no pueden faltar cintas de vampiros para degustar, que mejor que revisar un título no muy conocido pero no por eso menos interesante, la cinta en cuestion es Vampyr, film que rosa corrientes como el expresionismo alemán y el surrealismo en su apartado visual, motivo por el cual se vuelve toda una propuesta plástica en toda la extensión de la palabra.

Un joven, Allan Grey (Julian West) llega de paso a un desolado poblado, en ese lugar ubica una casona donde renta un cuarto para descansar, sin embargo extrañas sombras y terribles ruidos acechan su descanso, por lo que decide investigar estos espantosos acontecimientos solo para descubrir que en ese lugar existe un monstruo, una anciana que ronda por las noches convirtiéndose en vampiro.

Básicamente esta es la sencilla historia de Vampyr, sin embargo su visionado no es nada sencillo ni mucho menos, ya que la cinta cuenta un guión el cual esta estructurado de tal manera que en ocasiones da la impresión que le faltan cosas que decir, por lo que percibiremos en ocasiones trompicones en el ritmo de la misma. Sin embargo considero que este aspecto más que una carencia narrativa, significa una verdadera propuesta plástica para hacer del film una obra diferente, ya que incluso el director deja que las inquietantes imágenes hablen más que los escasos diálogos que son presentados.

Por tal motivo la narración nos remite directamente al plano onírico, donde las imágenes pueden no tener sentido alguno si queremos examinarlas en un plano terrenal, pero dicen más cuando estas se conectan directamente a nuestro inconsciente, donde nuestras carencias, temores o incluso añoranzas se nos presentan sin concesiones, para recordarnos que el ser humano es más que un simple saco de carne y huesos, como sucediera también en aquella obra maestra del surrealismo llamada Un Perro Andaluz (Luis Buñuel, Salvador Dalí, 1929).

Es por eso que el film de Dreyer se despoja de recursos pueriles para ensalzar un relato que no lo necesita, como podría ser la utilización de música estridente en ciertos pasajes de la historia, imágenes grotescas y un sin fin de etc. para causar terror en el presente, por lo que opta por que el propio espectador interprete de acuerdo a su experiencia personal cada una de las perturbadoras y enigmáticas imágenes que rondan durante toda la historia, como son sombras que caminan por los recovecos de los cuartos para encontrarse después con su dueño, un extraño hombre en una balsa que asemeja más a la figura de la huesuda o el impactante desprendimiento de alma de nuestro protagonista, el cual se da cuenta que ha muerto al observar su cuerpo dentro de un ataúd.

Asi mismo, el guión nos guía un poco con la inserción de algunos textos como si de una película muda se tratara (en algunos fragmentos del film hay ausencia de sonido) para explicarnos también el origen y las desgracias que causa la Bruja Vampiro (Henriette Gérard), definiciones que se tornan muy científicas, como las que explico casi al principio.

Incluso el que esto escribe considera que un punto neurálgico en el film es el de representar a la amenaza en el sexo femenino, ya que esto de muchas formas rompe varios paradigmas en lo que se refiere a cintas de vampiros, pues la figura de este recaía siempre en la figura masculina y lo que esto representaba.

Pero sin lugar a dudas lo más exquisito del film es su apartado visual, el cual esta cargado de inquietantes atmósferas y unas tomas y encuadres adelantados a su época, los cuales incluso se perciben bastante efectivos aun en la actualidad.

Por tal motivo recomiendo de sobremanera revisar Vampyr de Carl Theodor Dreyer, pues esta se aleja de los cánones narrativos y visuales del vampiro con pelo engomado, capa y sombrero que nos regalo por primera vez Tod Browning con su Drácula (1931) el cual tenía como motivación saciar su apetito sexual y alimenticio seduciendo a hermosas jóvenes vírgenes, asi como una constante en los aspectos estilísticos y narrativos que llegaría a su fin hasta finales de los años ochentas, y en donde infinidad de actores le darían vida a este inquietante ser como Bela Lugosi, Christopher Lee, Frank Langella o Aldo Monti, por nombrar algunos.

publicado por: Jorge Jiménez

MILLENIUM EN CAFE CATRINA

2010-11-23T15:20:00.000-06:00

HOY MARTES, MIERCOLES Y JUEVES DISFRUTA DE LA TRILOGIA MILLENNIUM EN CAFE CATRINA. 9PM, ENTRADA LIBRE.

Lo mejor del cine mundial en la 52 Muestra Internacional de Cine

2010-11-18T21:35:00.000-06:00

52 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE, UAA

2010-11-18T21:05:00.001-06:00

MACHETE y el regreso del cine Grindhouse

2010-11-18T12:00:00.011-06:00

TÍTULO ORIGINAL: Machete

AÑO: 2010

DURACIÓN: 105 min.

PAÍS: Estados Unidos

DIRECTOR: Robert Rodríguez, Ethan Maniquis

GUIÓN: Robert Rodríguez

MÚSICA: John Debney, Carl Thiel

FOTOGRAFÍA: Jimmy Lindsey

REPARTO : Danny Trejo, Robert De Niro, Jessica Alba, Steven Seagal, Michelle Rodríguez, Jeff Fahey, Cheech Marin, Don Johnson, Shea Whigham, Lindsay Lohan, Cheryl Chin, Daryl Sabara, Electra Avellan, Elise Avellan, Gilbert Trejo, Tom Savini, Alicia Rachel Marek, Mayra Leal

PRODUCTORA: 20th Century Fox / Overnight Productions / TroubleMaker Studios

GÉNERO: Explotation. Gore.

La verdad es que el cine de Robert Rodríguez siempre me ha parecido divertido, en ocasiones absurdo y muchas más gratuito, pero siempre atractivo a nivel visual. Sin lugar a dudas el director texano demuestra en la mayoria de sus trabajos un amor por el viejo cine grindhouse y la explotation (como sucede con su amigo Quentin Tarantino), subgéneros que no tenían la mayor pretensión que hacer pasar un buen rato al respetable, pero que sus propias características y limitaciones se volvieron objetos de culto para un gran sector de cinéfilos.

Por tal motivo cintas como Del Crepúsculo al Amanecer (1995), Pistolero (1995), Érase una Vez en México (2003) o Planeta Terror (2007) representan de algún modo el gusto y el apego revisionista que tiene Rodríguez por el subgénero mencionado con anterioridad.

Es por eso también, que muchos espectadores (la mayoría adeptos al cine comercial) desconocen la basa en la que se sustenta el trabajo del realizador norteamericano y muchas de las veces consideran el cine de Rodríguez como basura, con todo y que este tiene su propia propuesta y no solo busca homenajear sus fuentes de inspiración.

Ahora bien y para que el presente no me mal interprete debo decir que no todos los trabajos de Rodríguez estan completamente logrados (si hasta de mi héroe John Carpenter puedo reconocer cuando algún proyecto no le sale avante) y este es el caso, pues con todo y que Machete comienza de una manera descojonante conforme avanza el film, este va perdiendo fuerza hasta concluir en un cierre más normal de lo que su servidor esperaba.

Machete (Danny Trejo) y su compañero (bastante genérico por cierto, jajaja) son policías fronterizos de México que se encuentran en una misión de rescate, pues el malvado narcotraficante Torrez (Steven Seagal en el mejor papel que ha interpretado en años, no es broma) tiene secuestrada a una mujer a la que esta a punto de matar.

Por tal motivo nuestro malcarado héroe se dirige a toda velocidad a bordo de su patrulla ingresando a un pueblo olvidado por Dios y es recibido con ráfagas de pistola, instantes después su compañero perece cuando varios impactos de bala hacen blanco en su humanidad (les dije que era bastante genérico, jajaja).

Empero esto no detiene a Machete (Trejo) quien como es todo un cabrón se despacha a varios malazos echándoles encima su auto, motivo por el cual comienzan las amputaciones corporales y el desparramamiento de hemoglobina (genial). Acto seguido Machete ingresa a una casa donde es atacado por más malandrines que corren la misma suerte que los otros (solo que en esta escena el héroe decapita a uno con su enorme machete) para después encontrar a la mujer en peligro, solo para darse cuenta demasiado tarde que todo ha sido una trampa que le tendió Torrez (Seagal), el cual mata a la mujer frente a el.

Pero la cosa no acaba ahí pues Torrez le tiene otra sorpresa al policía, el narcotraficante ha llevado a la esposa del incorruptible héroe para matarla frente a el, y asi sucede, Torrez saca su catana y decapita a la mujer, mientras Machete mal herido solo puede presenciar el horrible espectáculo, acto seguido el capo saca un arma y le dispara en la cabeza. Dos o tres años después nos encontramos con que un grupo de hombres cazan por diversión a inmigrantes latinoamericanos que intentan cruzar la frontera, estos estan comandados por Von Jackson (un resucitado Don Johnson) un hombre adinerado que tiene ideas radicales sobre la migración de latinoamericanos, pues considera a estos como una plaga, peor que cucarachas, por lo que este ha forjado una especie de ejercito que elimina a los que intentan ingresar a Estados Unidos. Por si fuera poco Von Jackson esta respaldado (en secreto supuestamente) por el senador John McLaughlin (Robert de Niro pasado de rosca otra vez) quien busca reelegirse.

Por este motivo el senador John McLaughlin (de Niro) emprende una campaña bastante agresiva contra los inmigrantes, sin embargo las preferencias electorales no le favorecen, por lo que trama un plan el cual lleva a cabo su mano derecha, Michael Booth (un genial Jeff Fahey) el cual por azares del destino encuentra a un Machete desolado, que vive como inmigrante en la gran urbe de Texas, haciendo cualquier trabajo que consiga, como cargador, jardinero, etc. para llevarse el pan a la boca.

El caso es que Booth (Fahey) le ofrece a Machete un trabajito, el cual consiste en matar al senador McLaughlin en su siguiente discurso, pues supuestamente Booth esta en contra de la política de este. Machete acepta ya que no tiene nada que perder y cuando va a realizar la operación, el héroe es traicionado y herido, además que el atentado provoca que el senador quede como un mártir y sus preferencias electorales suban en las preferencias electorales.

Ahora Machete, de nuevo solo, tendrá que escapar del FBI y de los hombres de Booth (quien es solo un pequeño eslavon en esta red de corrupción), para limpiar su nombre y descubrir quien esta detrás de toda esta sucia operación, claro de una manera poco ortodoxa, a la manera de Machete, o sea dejando la mayor cantidad de cadáveres por donde pase (jajajaja) haciendo a demás que los villanos se arrepientan de haberse metido con el mexicano equivocado.

Como puede leer el respetable, el argumento de la cinta de Robert Rodríguez puede parecer algo enredada (como casi todos sus trabajos) sin embargo este más simple de lo que parece, ya que el realizador texano, con todo y que inserta infinidad de subtramas, tanto como personajes, realmente no profundiza mucho en estos aspectos por lo que el espectador descubre de inmediato los arcos argumentales.

Claro hasta este punto esto no molesta, recordemos que estamos viendo un producto de explotation, donde lo que menos interesa son las motivaciones de los personajes, si no la acción, la violencia y el gore descerebrado. Desgraciadamente, el mayor problema de la cinta es su aspecto ideológico, el cual muestra una postura 100 % de reprobación a los eventos que actualmente se estan dando en el país de las barras y las estrellas en el apartado de inmigración (algo muy loable).

Sin embargo esta no era la cinta para denunciarlas, ya que por un lado tenemos infinidad de personajes (todos bastante extravagantes como ya es costumbre en el cine de Rodríguez) los cuales solo sirven como motor para detonar a la menor provocación una desenfreno de divertida y prosaica violencia. Y por otra parte encontramos situaciones muy sorprendentes y poco creíbles (Machete colgándose de las tripas de un hombre para escapar de una ventana es de las escenas más hilarantes que haya visto, jajaja y que decir de la mujer que esta en pelotas y saca de su vagina un celular ¿?) por lo que uno no termina de creerse el rollo de denuncia social que le ha querido dar su autor.

Empero y dejando de lado este aspecto (el cual por cierto le da unos bajones enormes de ritmo a la cinta) podemos encontrar una cinta bien facturada a nivel visual, con los encuadres y movimientos de cámara marca registrada de Rodríguez, una fotografía que remite a cintas de los setentas, una banda sonora acojonante y mucha, pero mucha acción, asi como gore a raudales. Y uno de los aspectos más atractivos sin lugar a dudas es el reparto multiestelar con el que cuenta el film, el cual incluye por supuesto a un carismático Danny Trejo, el cual esta más que correcto como el crepuscular héroe, un Steven Seagal que se impone como el villano en turno, además de que tiene la capacidad de auto parodiarse asi mismo.

Por otra parte, un servidor agradeció la reaparición de Don Jonson, actor que aquí esta bastante desaprovechado y su personaje pudo haber dado para más, el cual incluso parece que realiza un cameo, aunque el veterano actor le pone oficio a su papel. Y por último encontramos un correctísimo Jeff Fahey y un Robert de Niro, el cual es una caricatura de si mismo y suma a su lista otro ridículo personaje para la posteridad. De los papeles que interpretan las féminas Michelle Rodríguez, Jessica Alba y Linddsay Lohan, decir que estan ahí para mostrar su cuerpo y nada más (como debe ser jajaja).

Y para los fans también encontraremos las pequeñas actuaciones de Cheec Marin como Padre y Tom Savini como Osiris Amanpour, genial. Para finalizar debo decir que efectivamente, Machete me entretuvo de sobremanera, por su desenfadado humor y su violencia extrema, sin embargo no era la cinta que esperaba, sobre todo después de ver el trailer que rolaba por la Internet antes de su estreno, el cual me hacia pensar que este último trabajo del director texano se asemejaría más a la excelente Planeta Terror (2007) la cual por cierto gozaba de un mensaje políticamente incorrecto. Ahora solo queda esperar el siguiente proyecto de Rodríguez, Sin City 2 (2011).

Publicado por: Jorge Jiménez

CINERAYUELA: Esculpir el tiempo [en contra de Cronos]

2010-11-18T00:51:00.001-06:00

Un filme de Aleksandr Sokurov, discípulo aventajado de Andrei Tarkovski, será exhibido en la gran temporada Esculpir el tiempo [en contra de Cronos] en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto 242 casi esq. con Guerrero.

DÍAS DE ECLIPSE (URSS.1987.133') de Aleksandr Sokurov

[Sábado 20 de Noviembre 7p.m.]

El cine de Aleksandr Sokurov va hacia territorios desconocidos con algunas películas curiosas y una permanente presencia en los certámenes de documental explorando en los campos del retrato, el ensayo o la elegía. Este cineasta ruso ha declarado que el trabajo de un cineasta es "la continuación del proyecto inacabado de dios, por eso no hay descanso, hay que pensar en cómo crear nuevos mundos y nuevos seres".

Con su criterio elitista comentó que el 99% del cine hecho en el mundo es el que no hay que ver, sólo el 1% deberíamos preocuparnos por verlo. Sokurov es un cineasta marcado por el misticismo, el detalle y la textura. Trata un cine de exploración de las formas, de un trabajo sobre la imagen-idea, de una posible espeleología del alma. Sokurov, un cineasta incuestionable y memorable.

CineRayuela para este ciclo dedicado al tiempo como exploración narrativa trae para tu mirada y tu escucha la inédita película Días de Eclipse (1987) personal adaptación de una novela de ciencia-ficción de los hermanos Strugatski que traza los avatares de una crisis espiritual de un médico y escritor en un entorno apocalíptico marcado por la fractura inminente de un sistema político...

CINERAYUELA: Esculpir el tiempo [en contra de Cronos]

2010-11-10T00:37:00.004-06:00

OJO: Tres filmes de Andrei Tarkovski y más obras de otros grandes directores serán exhibidas todos los sábados de Noviembre y Diciembre en la gran temporada Esculpir el tiempo [en contra de Cronos] en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto 242 casi esq. con Guerrero.

De Tarkovski, cineasta que definia el cine como un arte de esculpir el tiempo. Con su filme Stalker (1979) enfrentó grandes dificuldades durante la censura de la URSS por lo que tuvo que exiliarse en Italia y Suecia, países donde realizó sus dos últimas obras Nostalgia (1983) y El sacrifício (1986), respectivamente.

En toda su filmografia, hay una narrativa de largos planos-secuencia preocupados en “registrar el tiempo en sus formas y manifestaciones reales”. Para el director, “la fuerza del cine está en relación necesaria e inseparable del filme como una materia de realidad que nos acerca“. Y lo que hace a la película un arte realista, no es su capacidad para reproducir la apariencia de las personas y las cosas, pero sí "su capacidad de disparar el tiempo."

STALKER (URSS.1979. 163') de Andrei Tarkovski

[Sábado 13 de Noviembre 7p.m.]

* NEWYORK, NY (FRANCE.1986. 10') de Raymond Depardon

[como preámbulo]

HALLOWEEN, el nacimiento de una leyenda.

2010-10-21T17:51:00.003-05:00

TÍTULO ORIGINAL: Halloween

AÑO: 1978

DURACIÓN: 93 min.

PAÍS: E.U.

DIRECTOR: John Carpenter

GUIÓN: John Carpenter & Debra Hill

MÚSICA: John Carpenter

FOTOGRAFÍA: Dean Cundey

REPARTO : Donald Pleasence, Jamie Lee Curtis, Nancy Loomis, P.J. Soles, Charles Cyphers, Kyle Richards, John Michael Graham, Brian Andrews

PRODUCTORA: Falcon Films / Compass International Pictures

GÉNERO: Terror. Slasher.

"Michael Myers no es un loco cualquiera, ni siquiera es un ser humano, el es simple y pura.......maldad"

-Dr. Sam Loomis

¡Por fin! Hoy voy a hablar de una de mis cintas preferidas de todos los tiempos, la cual fue realizada por uno de mis héroes cinematográficos, el señor John Carpenter, director capaz de sortear infinidad de obstáculos presupuéstales para levantar proyectos y convertir estos en verdaderas obras de culto como la mencionada Halloween, cinta que para contextualizar al distinguido se rodó en tan solo tres semanas, con un capital de tan solo 312,000 dólares (¡por Díos! dígame alguien, ¿quién hace un peliculón en la actualidad con esta risible cantidad de dinero?).

Carpenter un genio incomprendido

Incluso y tal vez sin saberlo el propio Carpenter sería el iniciador de un subgénero, el cual llegaría para quedarse hasta nuestros días, el Slasher. Pero comencemos, la cinta nos narra la historia del pequeño Michael Myers, un niño de unos 8 años que ataviado con su traje de payaso y cubriendo su rostro con una máscara, asesina a puñaladas a su hermana cuando la sorprende teniendo sexo con su novio, para después terminar con la existencia de sus progenitores, todo esto en plena noche de Halloween, motivo por el cual la policia al descubrir el terrorífico hallazgo, decide ingresar al menor a una institución mental para tratar de curar su locura.

Cabe hacer mención que la cinta abre con una soberbia toma subjetiva continua, donde se pone al espectador en el lugar del protagonista, lo que provoca de inmediato que este quede prendido a la historia.

Ahora han pasado 15 años (corre el año de 1978) desde el cruento evento que conmociono a los habitantes de Haddonfield, un pequeño poblado del estado de Chicago. Ahora la casa de los Myers lleva años deshabitada y sirve como inspiración para fantasear leyendas urbanas, más cuando se aproxima la celebración de brujas. Asi conocemos a Laurie (Jamie Lee Curtis) una adolescente que se prepara para festejar con su amiga Annie (Nancy Kyes) las fiestas de Halloween, donde podrán beber y probablemente tener sexo con algún chico atractivo, jajaja.

Mientras tanto y lejos de Haddonfield, en un centro de salud mental, Michael (Tony Moran) ha crecido, sin mejorias, incluso varios estudiosos de la materia no saben por que el ahora joven lleva todos estos años sin hablar, sin relacionarse. Por tal motivo el Dr. Sam Loomis (Donald Pleasence) tras varios años de trabajo, tratando de traspasar la barrera mental que Myers ha puesto a su entorno, llega a la conclusión que este sujeto ya no es humano, en su mirada perdida solo se puede percibir maldad y punto.

Sin embargo, un escalofriante acontecimiento hará que la vida de nuestros tres protagonistas se cruce, dos noches antes del 30 de octubre Michael Myers escapa de su letargo para dirigirse a su antigua casa en Haddonfield, con el único objetivo de encontrar a Laurie (Lee Curtis) para acabar con ella sin motivo aparente.

Por tal motivo cuando el Dr. Loomis (Pleasence) se entera de esto, tratará de llegar antes que Myers para advertir a la chica y al alguacil del poblado (Charles Cyphers), ya que si el hombre de la máscara blanca logra llegar antes que él, desencadenará una masacre en la comunidad, ya que no existe aparentemente poder humano para evitar que este logre su objetivo.

Además y para poder afrontar dicha amenaza, Loomis tendrá que escudriñar en el pasado de Myers para poder salvar a Laurie, lo que lo lleva a descubrir un oscuro secreto que conecta a la chica y al asesino.

Como podrán leer, la premisa que crea John Carpenter es simplemente magnífica, ya que la cinta goza de gran suspenso y sobresaltos (nada gratuitos por cierto) gracias a las diferentes aristas de las que goza el guión, motivo para que esta pequeña cinta de horror (como en su momento fue calificada) se separe de los tópicos del género. Ya que por un lado, encontramos que los personajes gozan de gran tridimensionalidad a nivel psicológico (cosa bastante rara en este tipo de producciones), además que se imprimen algunas dosis de elementos sobrenaturales que refuerzan el relato convirtiendolo en místico, como es la extraña fuerza sobrehumana de Michael Myers por ejemplo.

Asi mismo y como empezaba a ser costumbre en el director norteamericano, este destila una gran elegancia tanto como sobriedad al rodar, motivo para que la cinta cuente con excelentes tomas y fotografía, asi como excelentes atmósferas que convierten a esta cinta en una verdadera pesadilla.

Por otra parte otro gran acierto en el film es presenciar como la aparición de Myers es casi fantasmal cuando recorre las desoladas calles de Haddonfield a plena luz del día para atemorizar a Laurie.

Ahora bien, los diseños de las muertes son verdaderamente cruentas (con todo y que nunca vemos una gota de sangre), además que la aplicación de una soberbia y aterradora banda sonora compuesta por el propio Carpenter hacen que el proceso narrativo sea genial, al mismo tiempo que provoca en el respetable que se les pongan los pelos de punta, se los juro.

Basta con ver la escena más angustiante (al menos para un servidor) del film que es cuando Myers ingresa a la casa de Laurie y la persigue hasta su cuarto, esta se esconde en su closet y el ente maligno la descubre, de verdad es aterrador visionar esta secuencia, la cual ha sido comparada con la de la bañera de la cinta de Psicosis de Alfred Hitchcock de 1960.

Además otro aspecto verdaderamente sobresaliente es el casting, pues este esta bastante balanceado, primeramente contamos con el experimentado actor Donald Pleasence quien le aporta estoicismo a su personaje por lo que incluso y aun sabiendo que Myers es casi invencible, la interpretación del actor inglés hace que su héroe se perciba como la única salvación ante terrible amenaza. Cabe hacer mención que Pleasence forjaría una carrera en el cine fantástico y de terror después de realizar este film, al mismo tiempo de que participo en la mayoría de las secuelas de la franquicia hasta su fallecimiento en 1995.

Y por otra parte, una jovencísima Jaime Lee Curtis gracias a su interpretación en este film se convertiría en la primera Scream Queen, motivo por el que repetiría en otros proyectos de Carpenter como La Niebla (1980) o Halloween II (1981), y se forjaría una carrera en cintas de horror lo que elevo su status de interprete de culto.

Y finalmente el diseño del personaje de Michael Myers fue lo que hizo de este un icono a nivel cultural, ya que con esa pálida máscara que cubría su rostro este proyectaba más terror, pues la verdadera identidad del asesino nunca es descubierta por lo que cualquier persona podría ser el asesino, tu vecino, tu padre, el tendero, etc.

Incluso se pueden encontrar varias lecturas a nivel intelectual en la cinta, ¿que si Myers representa el castigo al libertinaje de una sociedad cada vez más hipócrita y en decadencia? pudiera ser, pero inclusive aun omitiendo estos puedo decir que la cinta cuenta con grandes atributos que la convierten en una autentica obra cinematográfica, sin más ni más.

Asi que no duden en revisar esta excelente cinta para esta temporada de brujas, pues les aseguro que no podrán despegarse de su televisor, además de que les aseguro que estarán con los nervios de punta durante todo su visionado. Eso sin olvidar el acojonante final que solo un maestro como Carpenter puede guardar para cerrar con broche de oro una gran película.

publicado por: Jorge Jimenez

Ilsa, la Loba Nazi

2010-09-30T14:55:00.005-05:00

TÍTULO ORIGINAL: Ilsa, She Wolf of the SS
AÑO: 1975
DURACIÓN: 96 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Don Edmonds
GUIÓN: Jonah Royston, John C.W. Saxton
MÚSICA: desconocido
FOTOGRAFÍA: Glenn Roland
REPARTO : Dyanne Thorne, Gregory Knoph, Tony Mumolo, Maria Marx, Jo Jo Devile, George 'Buck' Flower, Rodina Keeler
PRODUCTORA: Coproducción USA-Alemania
GÉNERO: Terror. Serie B

"Un hombre que se acuesta conmigo, jamás se vuelve a acostar con ninguna mujer"
- Ilsa

Durante años había sabido de la existencia de esta cinta, diversos aspectos hacían que ansiara ver dicho titulo (ver a Dyanne Thorne en pelotas era uno de ellos, jajajaja) pero también por el hecho que tratándose de un subgénero que raya entre el explotation y el sofporn, este también contiene rasgos un tanto artísticos (si se le puede decir, ya que hablamos de una serie b, jajaja). Esto lo comento por que, primeramente ver una película porno cumple la satisfacción primordial de la excitación, ahorcar el ganso y listo.

Sin embargo, tratándose de una cinta 100 % grindhouse (por su muy bajísimo presupuesto y el gusto por el gore) esta cuenta con elementos jocosos que hacen de este cinta una experiencia sensorial un tanto bizarra, por lo que aclaro, hay que tener cierto gustillo por lo cutre, puesto que la cinta de Don Edmonds aunque se deja ver, en ocasiones se va un poco al traste cuando intenta ponerse en un contexto bastante serio (en cuanto a las atrocidades cometidas por los nazis) cosa que uno no se traga ni por un momento, ya que después de ver tantos senos y desnudos gratuitos, nos viene a importar un carajo lo que hagan o dejen de hacer los alemanes.

La cinta comienza con nuestra potente protagonista, Ilsa (Dyanne Thorne), en pleno encuentro sexual con un hombre al cual le pide que la lleve al éxtasis, empero y terminado el acto la mujer le manda hablar a sus guardianas para que se deshagan del fulano. Este aterrorizado y sin saber el por que, es llevado a un cuarto secreto donde se experimenta con los prisioneros de guerra, instantes después la propia Ilsa, ya ataviada con su traje de la milicia va y le corta las bolas al desdichado hombre (se los juro lo castra) con la única explicación de que este no pudo satisfacer su apetito sexual, jajajaja.

Tiempo después descubrimos que Ilsa (Thorne) es comandante de este campamento, en donde ella y un doctor se encargan de realizar varios experimentos con los prisioneros de dicho sitio, estos son ejecutados en su mayoría a las mujeres que son capturadas, todo con el fin de demostrar la teoría de que el sexo femenino es más resistente al dolor (las vejaciones a las que las damas son sometidas son realmente crueles, puesto que van desde la aplicación de shocks eléctricos en la vagina hasta la mutilación de extremidades a los cuerpos femeninos de las víctimas), descubrimiento que podría resultar bastante beneficioso para el III Reich, según análisis de la propia comandante.

Por otra parte, al campamento han llegado otro grupo de prisioneros (masculinos) a los cuales la mandamás se encarga de inspeccionar para saber que trabajos les va asignar (claro también les revisa el paqueta para ver que tan dotados estan y si alguno le sirve para saciar sus bajos instintos, jajaja), por lo que conoce a Wolfe (Gregory Knoph) uno de los prisioneros de ascendencia alemana, pero de nacionalidad estadounidense, al cual le hecha el ojo para probarlo en la cama y de paso si no llena sus expectativas mandarlo castrar, asi de malvada es Ilsa.

Y asi sucede, la Comandante hace que lleven al hombre a su lecho de lujuria, sin embargo esta se lleva una sorpresa, Wolfe (Knoph) tiene una particularidad, puede controlar su eyaculación, motivo por el cual dura horas y horas follando a la insaciable rubia sin venirse, lo que provoca la fascinación de la mujer por este hombre, ya que ¡por fin encontró a un hombre que la saciara!

Sin embargo lo que no sabe Ilsa es que Wolfe esta planeando un motín y se ha puesto de acuerdo con las mujeres a las que la mujer se ha encargado de torturar en nombre de la ciencia. Como se puede inferir, pues la narrativa no es muy original, Wolfe logra ganarse la confianza de Ilsa a base de acostones, para que al final de la cinta la mencionada fuga se realice, por lo que podremos presenciar un jocoso y a su vez grotesco espectáculo de gore (ya que las laceradas prisioneras tomaran venganza por propia mano, haciéndole a sus captores lo mismo que ellos les hicieron) el cual es de agradecer.

Ahora bien y dejando claro lo que el espectador va a presenciar, puedo decir que en términos generales la cinta es algo confusa e inclasificable (de hecho me dejo un poco confundido al visionarla) ya que como comento el film en la mayoria de su metraje es 100 % sexplotation, motivo por el cual veremos deambular infinidad de mujeres desnudas o enseñando los senos, en otros momentos la cinta raya en el torturporn (con desagradables escenas donde el gore se hace presente) y en otros instantes el director se quiere apostar por un discurso serio, algo que a final de cuentas no llega a cuajar.

Asi mismo la puesta en escena y el montaje es bastante pobre (aunque se resuelven bien las situaciones con la única locación) motivo también para que la estética del film se perciba sucia y descuidada. Por otra parte las interpretaciones estan cutrecillas (la mayoria de las mujeres no dicen grandes diálogos y solo muestran su cuerpo desnudo ¿Qué más se puede esperar? Jajajaja), sin embargo sobresale la exuberante Dyanne Thorne en un papel hecho a la medida, ya que incluso se puede percibir que la ex modelo se entrega en cuerpo y alma aun cuando ya contaba con 43 años, asi mismo cabe mencionar que su interpretación también es algo exagerada, aunque no desentona del conjunto.

¿La dirección? Pues esta normalita, aunque en algunos segmentos de la cinta esta se percibe un tanto pesada, tal vez por que no hay mucho que contar y se alarga un poco el relato, sin embargo la cinta despunta cuando se dedica a mostrar las extravagancias y excesos que realiza su protagonista (la escena donde Ilsa le hace una lluvia dorada a un general es perversa, erótica y a su vez patética). ¿Entonces, Ilsa, La loba Nazi es un bodrio cinematográfico? Pues no lo se, lo que si se es que este filme tiene su encanto, además que cubre ciertas necesidades hacia el sexo masculino ya que realiza la fantasía de muchos (ver mujeres desnudas en pleno Holocausto, jajaja), aunque el verdadero mensaje de la cinta es 100 % feminista, ya que cuando uno se encuentra visionando dicho título se podrá dar cuenta que aquí los hombres no valen nada, jajaja.

Pelicula solo recomendada para los amantes del grindhouse y para el que quiera descubrir los verdaderos origenes de este movimiento, del cual por ejemplo Quentin Tarantino y Robert Rodríguez han traído de vuelta.

publicado por: Jorge Jiménez

Todavía existen los héroes, LOS INDESTRUCTIBLES

2010-09-20T18:12:00.002-05:00

TÍTULO ORIGINAL: The Expendables
AÑO: 2010
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Sylvester Stallone
GUIÓN: Dave Callaham, Sylvester Stallone
MÚSICA: Brian Tyler
FOTOGRAFÍA: Ken Blackwell
REPARTO: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Terry Crews, Randy Couture, Mickey Rourke, Giselle Itié, David Zayas, Eric Roberts, Dolph Lundgren, Steve Austin, Gary Daniels, Charisma Carpenter, Lauren Jones, Nick Searcy, Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger, Antonio Rodrigo Nogueira, Amin Joseph, Senyo Amoaku
PRODUCTORA: Millennium Films / Nu Image Films / Road Rebel / Rogue Marble
WEB OFICIAL: http://www.widepictures.es/losmercenarios/
GÉNERO: Acción. Thriller.

Después de una larga espera he podido ver en pantalla grande la nueva cinta de Sylvestrer Stallone, Los Indestructibles, que casi y se está convirtiendo en un film de culto, status que también le auguro a Machete (Robert Rodríguez. 2010) y Piranha 3D (Alexandre Ajá), títulos que aunque son diferentes tanto en fondo como en forma vienen a traer de vuelta las estéticas y argumentos que funcionaron tanto en los años setentas y ochentas, haciendo de estos productos netamente entretenidos, pero que si uno analiza más a fondo y por poner un ejemplo, el género de explotation venía a cubrir una necesidad de un sector específico de la gente a la que no le satisfacía el cine común y corriente.

Motivo por el cual este se convirtió en un producto de consumo, al igual que la mayoría de los géneros o subgéneros cinematográficos (acción, terror, serie b o incluso el de arte) con sus carencias y virtudes, pero que hicieron de este una propuesta audiovisual válida. Es por eso que considero que para poder disfrutar de Los Indestructibles hay que entender, así como juzgar en su justa medida todos los elementos que constituyen el cine acción, género que muchas veces ha sido despedazado por la industria (por su inepta forma de plantearse asi mismo) y por los críticos, a veces de manera hipócrita pues si nos ponemos a pensar este género cinematográfico es el que mantiene a la propia meca cinematográfica de Hollywood.

Asi que quien mejor que el propio Stallone para realizar un verdadero film de acción, pues este entiende ese lenguaje (ha estado inmerso en este por casi tres décadas) motivo por el cual compone un solvente film de acción, en ocasiones absurdo, otras tantas exagerado, pero sin lugar a dudas entretenido y muy emocionante.

Por tal motivo la cinta desde sus primeros minutos arranca con una poderosa secuencia de tiroteos (¿para qué tantos rodeos?, jajaja) donde se hace uso de un buen manejo de violencia y gore digital (como el usado en John Rambo, 2008) pero más mesurado. Con esta escena se nos presentan a los duros héroes de acción y sus habilidades, los cuales tienen como misión rescatar a unos rehenes de un barco que han sido secuestrados por un grupo de guerrilleros africanos.

Después de salvar el día y dejando un montón de cadáveres se nos presenta a este grupo de mercenarios, su líder y encargado de dirigir las operaciones es Barney Ross (Stallone), Lee Chritsmas (Jason Statham) la mano derecha del primero, Ying Yang (Jet Li) especialista en artes marciales, Gunner (Dolph Lundgren) el miembro del equipo más inestable a nivel emocional, Toll (Randy Couture) y Hale (Terry Crews) todos ellos trabajan en las misiones más peligrosas que nadie quiere, siempre para el mejor postor ya que si algo sale mal ellos son simplemente prescindidles.

Ya de vuelta en los Estados Unidos, Ross (Stallone) decide sacar del grupo a Gunner (Lundgren) ya que este últimamente no obedece instrucciones, además que aniquila de forma cruenta a sus adversarios (al último lo partió en dos con una bazuca, jajaja) y lo que es peor comienza a tener rencillas con Yang (Li). Esto provoca que Gunner se marche encabronado del grupo y amenace a Ross.

Asi mismo conocemos a Tool (un destacado a últimas fechas Mickey Rourke) el encargado de conseguir las misiones para el grupo que comanda Ross, este último encargo es tal vez sea el más peligroso al que se tengan que enfrentar nuestros duros héroes, ya que implica enfrentarse con un ejercito de un dictador en un país sudamericano, el general Garza (David Zayas) el cual esta coludido a su vez con un miembro importante de la CIA, un tal James Munroe (Eric Roberts).

Como podrán leer la trama es bastante simple, incluso y cuando parece que existen varios arcos argumentales que podrían servir como intrigas políticas, estas son solo un pretexto para hacer creer al espectador que la cinta es más compleja, pero en si este es el tipico A+B=C. Empero, esto no afecta a la cinta ya que sus personajes también son meros arquetipos (no cuentan con mucha profundidad psicológica e incluso no la ncesitan), los cuales hacen que esta funcione a la perfección en este universo concebido por Stallone, en el cual las frases chulas, las explosiones, las persecuciones y los enfrentamientos cuerpo a cuerpo son los verdaderos alicientes de este exquisito filme.

Por tal motivo cuando el guión pretende profundizar más en algunos de sus personajes, esto resulta contraproducente, como es el caso en las escenas donde se intenta explorar la parte humana de uno de los héroes, el que interpreta Jason Statham, ya que estas se perciben metidas con calzador y hasta ridículas, además que no aportan nada a la trama y rompen el ritmo de la misma.

Sin embargo cuando Stallone se aleja de estos aspectos la cinta toma otros niveles ya que las secuencias de acción estan bien filmadas, con emoción y dinamismo (aunque en ocasiones la edición no ayude mucho a diferenciar que esta pasando). Además que las coreografías de los enfrentamientos cuerpo a cuerpo resultan creíbles, no por nada el propio Stallone al quererle dar más realismo a las mismas, se rompió el cuello en una de lsa escenas donde enfrenta a Steve Austin, donde uno puede percibir que el actor/director las tenía de perder, ya que el exluchador es más grande y corpulento.

Asi mismo es de agradecer que el actor/director realizara la cinta como se hacia antes, con efectos especiales y dobles para las escenas riesgozas, dejando solo un pequeño apartado para los efectos hechos por computadora (como es el caso de la sangre, la cual le resta veracidad al relato y hasta le resta calidad al producto), pero incluso con esto la cinta cuenta con una buena factura a nivel visual, como es el caso de su solvente fotografía, asi como una banda sonora que remite a mejores tiempos, basta con mencionar que el grupo Creedence aporta varias intervenciones musicales. Además el violento y deserebrado climax final es lo mejor del film, ya que seremos testigos de como Los Indestructibles le hacen honor a su nombre y nos entregan un festin de gore, donde si eres el malo de la función no tienes posibilidades de salir airoso, jajaja.

Ahora bien, el aspecto más sobresaliente del titulo que firma el propio Sly, es sin lugar a dudas el casting, el cual dejando de lado los que pudieron estar o no quisieron (la regaste gacho Van Damme) puedo decir que los que aparecen frente a pantalla cumplen con creces, puesto que primeramente logran buena química entre si y aunque la participación de estos es algo dispar (pues algunos ocupan menos tiempo frente a pantalla por la infinidad de personajes que intervienen), estos logran sacarle jugo a sus papeles, sin embargo sobresalen el propio Stallone y Statham, ya que gozan de buena química entre si y sus roles son los más carismáticos (obviamente el director guardo lo mejor para el y el actor inglés).

Por otra parte Dolph Lundgren no lo hace nada mal y vuelve a encarnar al tipo con la moral más ambigua, para componer tal vez el personaje mas desdichado en cuanto tratamiento de guión se refiere, pero como comentaba, el actor sueco no desperdicia la oportunidad y se la pasa más que bien en el film. El resto del casting esta en la misma línea, aunque se debo reconocer que Jet Li tiene la suficiente capacidad para reírse de si mismo.

Y por último Eric Roberts como malo se percibe un tanto blandengue. Mención aparte merece Mickey Rourke, quien demuestra que no hay papeles chicos cuando se es buen actor y hace de su monólogo la parte más emotiva del film (aunque parezca que estamos viendo otra cinta) ya que el histrión al más puro estilo de The Wrestler (Aronovsky. 2008) nos platica sobre las batallas perdidas, pero sobre todo que los seres como él, asi como todos los viejos héroes de acción que aparecen en la cinta, se sienten vacíos, motivo por el cual siguen buscando volver a encajar en este mundo.

Y por supuesto no podía faltar la ya mítica escena donde Stallone, Willis y Schwarzenegger comparten créditos, haciendo de esta una emocionante experiencia, además que se puede percibir un ambiente de camaradería entre los astros los cuales incluso se mofan de si mismos.

Asi que puedo decir que Los Indestructibles cumple con creces lo que promete, emoción, acción, algunos chistes (Stallone se toma la libertad de citar a Shakespeare en una de las escenas, jajaja), explosiones, peleas y sobre todo hace realidad un sueño húmedo para muchos aficionados al cine de acción, juntar un elenco multi estelar que solo podíamos imaginar hace 20 años (aunque hayan faltado algunas figuras como Van Damme, Steven Seagal o Chuck Norris). Por cierto la sala de cine no se lleno y ni falta hacia (habia como 15 personas), pero lo que puedo comentar es que a dos asientos de un servidor había un hombre de unos sesenta años que reía como un enano al ver a sus ídolos en acción, como fue mi caso, jajaja.

Publicado por: Jorge Jiménez

Los comics son cosa seria, ESPLENDOR AMERICANO

2010-09-13T20:10:00.003-05:00

TÍTULO ORIGINAL: American Splendor
AÑO: 2003
DURACIÓN: 100 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Robert Pulcini, Shari Springer Berman
GUIÓN: Robert Pulcini, Shari Springer Berman (Cómic: Harvey Pekar & Joyce Brabner)
MÚSICA: Mark Suozzo
FOTOGRAFÍA: Terry Stacey
REPARTO: Paul Giamatti, Hope Davis, Harvey Pekar, Shari Springer Berman, Earl Billings, James Urbaniak, Judah Friedlander, Robert Pulcini, Toby Radloff, Joyce Brabner, Donal Logue, Molly Shannon
PRODUCTORA: HBO Films / Fine Line Features / Good Machine
WEB OFICIAL: http://www.americansplendormovie.com
GÉNERO: Drama Cómic. Cine independiente USA

Cuando adquirí éste dvd no sabía a ciencia cierta que esperar del film, sin embargo cuando uno comienza a ver la cinta es imposible salir de ella, ya que a base de bastante humor negro, cero moralidades y sobre todo un guión inteligente, el presente queda enganchado.

Antes de comenzar quisiera puntualizar algunos aspectos de la cinta para poderla comprender mejor, ya que Esplendor Americano es una adaptación de un comic del mismo nombre que esta basado en la vida de Harvey Pekar.

Asi mismo lo interesante de éste, es que no tiene como personajes centrales a superhéroes ni sujetos con habilidades extraordinarios, en cambio nuestro antihéroe es un hombre común y corriente, con más defectos que virtudes, asi como una actitud hacia la vida bastante negativa y físicamente no muy agraciado, eso si sus principios morales son bastante ambiguos.

Es por eso que el inicio de la cinta es fabuloso, puesto que con una pequeña escena nos muestra las intenciones de la cinta. Esta abre con unos niños ataviados con disfraces en una noche de brujas, los querubines van vestidos de Superman, Batman, Linterna Verde, Robin y por último, un crío que va con ropa normal. Una señora comienza a repartirles dulces y cuando llega con éste último niño, le cuestiona de qué va disfrazado, o por que no lleva otra prenda, a lo que el joven le responde algo como “por que disfrazarme de otro personaje, si solo soy Harvey Pekar, no tengo superpoderes solo soy una persona normal”.

Asi, aparece Paul Giamatti como un Harvey Pekar adulto, el cual de manera honesta y hasta cierto punto desangelado nos cuenta la historia de su aburrida existencia.

Harvey es un empleado de Gobierno que trabaja en un archivo de un Hospital, de hecho asistió a la Universidad pero jamás la termino, por lo que sus expectativas profesionales no son bastante positivas. Asi mismo el hombre esta en una etapa de su vida donde no ha hecho nada, se acaba de divorciar, no tiene hijos y esta entrado en los cuarentas.

Asi mismo el tipo tiene gran afición por el jazz y los comics underground, lo que lo ha llevado a coleccionar infinidad de discos acetatos de este género musical. Es por eso que escribe críticas en un diario sobre este genero musical y por lo mismo se encuentra en un ambiente bohemio, es asi como conoce a un artista plástico, Robert Crumb (James Urbaniak) que trabaja para una cadena de comics underground.

Crumb se hace amigo de Pekar, por lo que en ocasiones Harvey le comparte algunas experiencias de su monótona vida, como cuando una anciana judía lo saco de quicio en la fila del supermercado, esta escena es genial y hace que uno se destornille de la risa, jajaja.

Por ese motivo Crumb hace algunos dibujos de Pekar captando su escencia (de hecho las ilustraciones que se muestran en la cinta, son la obra original de Robert Crumb, la cual goza de gran calidad plástica como el uso correcto de la línea y el contraste del blanco y negro). Asi Pekar (Giamatti) después de estar un tanto harto de su rutinaria vida comienza a hacer pequeñas historias de lo que le pasa diario, y le pide a su amigo que las ilustre.

Es así como nace el Comic Esplendor Americano, el cual en poco tiempo se vuelve de objeto de culto para un sector de ávidos lectores de este arte. Como verán la cinta al igual que el cómic logra rescatar de manera fiel, la tragicomedia que representa la vida de Harvey Pekar.

Asi mismo podremos encontrar al propio Pekar narrándonos de manera jocosa la experiencia que ha sido ser el creador y motor del comic. El cual dicho sea de paso muestra sin tapujos las frustraciones, la desesperanza, el hastío y demás ironías en la vida de un ciudadano común y corriente del país más poderoso del mundo, E.U.

Es ahí donde radica la grandeza del relato, ya que esta historia es tan habitual que podremos identificarnos con el personaje principal, (aunque duela por momentos) motivo por el cual la novela gráfica tuvo gran repercusión cultural, ya que en mayor o menor medida todos somos Harvey Pekar, lo que hace al discurso universal.

Por otra parte la cinta cuestiona y critica de manera mordaz a una sociedad cada vez más in humanizada, que sucumbe ante los placeres mundanos del nuevo milenio, y a su vez nos hace reflexionar con un discurso despojado de moralidades hipócritas.

En su apartado visual la cinta es notable, ya que combina animación tradicional con actores, lo que crea la sensación de uno estar dentro del comic. Asi mismo la narración es fluida y disfrutable, pero para los que esten acostumbrados a productos más hollywoodenses podra parecerles atípica.

Asi mismo, Paul Giamatti interpreta de manera correcta a Harvey Pekar, y demuestra de nueva cuenta que este tipo de personajes le quedan como anillo al dedo. Asi que no encuentro ninguna razón por la cual no recomendar esta excelente cinta, ya que por todas sus características logran un producto honesto y muchas veces divertido con su buena dosis de mala leche. Y que además, desde la humilde opinión del que esto escribe, Esplendor Americano es una joyita cinematográfica.

De hecho esta novela gráfica, hizo que vinieran a mi mente aquella historieta mexicana de la década de los 50´s llamada La Familia Burrón, de Gabriel Vargas, en la cual se planteaban situaciones similares al citado comic, aunque con un humor más mexicanizado, pero que en escencia buscaba dar el mismo discurso.

publicado por: Jorge Jiménez

Vincent Price en From a Whisper to a Scream

2010-09-03T15:55:00.001-05:00

TÍTULO ORIGINAL: From a Whisper to a Scream
AÑO: 1986
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Jeff Burr
GUIÓN: Jeff Burr
MÚSICA: Jim Manzie
FOTOGRAFÍA: Craig Greene
REPARTO: Cameron Mitchell, Clu Gulager, Martìn Beswick, Vincent Price
PRODUCTORA: MGM
GÉNERO: Terror.

Que maravilloso es descubrir que existen títulos como From a Whisper to a Scream (que en español sería algo como Del Susurro al Grito, muy Bergmaniano por cierto) titulo de horror ochentero que no es muy fácil de conseguir, y por tal motivo se ha convertido en objeto de culto, sin embargo y gracias a Dios hay gente comprometida con el séptimo arte, los cuales estan al frente de lugares como La Videoteca del Centro Cultural Los Arquitos, sitio donde podemos descubrir y revisar cintas que parecían estar destinadas al olvido. De verdad, si tienen oportunidad de visitar este estupendo lugar no duden en hacerlo.

Ahora si pasando a la cinta en cuestión, esta nos narra varias historias de terror ocurridas en un poblado llamado Oldfielf, todo inicia cuando una mujer de treinta y tantos años llamada Katherine White (Martine Beswick) esta a punto de ser ejecutada con una inyección letal, ¿sus crímenes? la dama desde que cumplió diecisiete años se dedico a asesinar. Sin embargo este acontecimiento llama la atención de una reportera, Beth (Susan Tyrrell) quien gracias a las investigaciones que ha hecho, llega con un viejo bibliotecario llamado Julian White (enorme Vincent Price) para entrevistarlo sobre lo que le ha sucedido a su sobrina, la mujer ejecutada.

Julian (Price) recibe en un principio de mala gana a la reportera, pero a final de cuentas accede a contarle sobre lo que el considera la maldición de Oldfielf, ya que en este pueblo el mal siempre ha estado presente desde tiempos remotos, es asi como el viejo hombre comienza a platicarle a la mujer una historia de un pobre y patético hombre llamado Stanley (Clu Gulager), el cual trabaja en el periódico del pueblo como administrativo. Este fulano esta obsesionado con una mujer que trabaja en el mismo sitio que el, incluso tiene sueños recurrentes donde la posee sexualmente, empero estos se vuelven fúnebres ya que extrañamente la mujer siempre aparece sangrando o desfigurada.

Asi mismo Stanley (Gulager) vive con su hermana Hielen (Miriam Byrd-Nethery) una mujer insoportable que se comporta como una inútil, (hay que aclarar que los hermanitos rondan los cuarenta años) ya que el hombre la atiende como si fuera una menor de edad, la baña, le hace la comida, etc. motivo por el cual Stanley se desquicia más en su absurda e inútil vida. Pero cierto día decide invitar a la mujer de la que se encuentra obsesionado y extrañamente esta acepta, pero solo lo hace para decirle al pobre tipo que la deje en paz, que le causa repulsión, ¡que no quiere nada con el! pero Stanley (Gulager) en un impulso de desesperación, besa a la mujer, pero como ve que esta no responde y no muestra ninguna emoción, pues decide ahorcarla.

Después de cometer el asesinato, el hombre se presenta a la Iglesia donde la mujer será velada, como no hay nadie excepto el cuerpo, Stanley aprovecha para culminar lo que siempre deseo y viola el cuerpo inerte de la dama. Asi pasan nueve meses y el tipo vive como si nada, su hermana sigue causándole malestar, hasta que una noche cuando se encuentra ayudándole a bañarse, decide matarla con un pica hielos y problema resuelto. Ya desquiciado el hombre se sienta en la sala para ver la tele, tomándose una cerveza, pero ¡oh! Sorpresa una extraña criatura aparece en su casa, ¡es un ser desagradable! Este ha emergido de la tumba de la mujer que Stanley mato hace nueve meses.

Después nos enteramos que este aberrante ser es el producto de aquella violación que cometió Stanley, ¿cómo lo descubrimos? pues el ente articula varias veces la palabra ¡papi, papi! y después se despacha al tipo, jajaja. Asi pues, volvemos a ver a Julian (Price) en la biblioteca con Beth (Tyrrell), el hombre le pregunta a la mujer que opina sobre lo que acaba de contarle, ella un poco incrédula le responde que esta historia no tiene nada que ver con lo que le ocurrió a su sobrina. Es por eso que el viejo hombre (Price) le muestra otro libro a la mujer y comienza a contarle más historias, esto con el fin de hacerle entender que la historia de Oldfield siempre ha estado llena de sangre.

Básicamente la estructura de la cinta es de este modo, nuestro guía (un soberbio Vincent Price en un papel hasta cierto punto pequeño) nos va guiando a través de macabros relatos, los cuales al final de la cinta descubrimos que tienen relación entre ellos, muy en la tradición de Creepshow (George A. Romero, 1982).

Asi mismo los relatos estan bien equilibrados tanto en gore, terror y algunos momentos de humor negro, por lo cual la cinta se toma en serio y no cae en la autocomplacencia. Ahora bien en este tipo de cintas algunos relatos funcionan mejor que otros, por ejemplo el relato sobre el hombre que estaba destinado a no morir nunca, lo percibí como la más floja, ya que redunda un poco sobre algunos elementos (como el ritual) y le resta interés al mismo, sin embargo goza de buenos momentos de horror como el descuartizamiento del ambicioso tipo que quiere el secreto de la inmortalidad, asi como una efectiva recreación de atmósferas.

En cambio el primer relato que les describí al inicio de esta reseña, asi como otro que se desarrolla en una feria llena de freaks (pobre del chico come vidrios, que por enamorarse de una chica acaba como picadillo en una habitación de un motel) y el de los soldados entrando a Oldfield en plena guerra civil, descubren que el poblado solo esta habitado por niños (que no tienen un solo pelo de inocencia) son de lo mejor del film, ya que las historias logran perturbar en su visionado, por lo que sus aspiraciones cumplen con creces, sin embargo dentro de su discurso podemos encontrar varias lecturas sobre la condición humana que funcionan muy bien, sobre todo en su último relato.

Por otra parte su apartado visual es efectivo, ya que encontramos buena fotografía, excelentes atmósferas opresivas, buenas locaciones, etc. asi como unos actores que cumplen con creces sus papeles, sobresaliendo un viejo Vincent Price en un papel que le queda justo a la medida, ya que este transmite cierta incertidumbre en el espectador, además de darle caché al film. Además si uno se pone abusado podrá encontrar algunas referencias a Lovecraft y su Necronomicón (incluso este es la explicación de por que Oldfied es un lugar maldito).

Asi que no se pierdan este gran titulo de terror, el cual además de contar con suficientes elementos plásticos y narrativos, cuenta con la presencia del siempre exquisito, elegante y ¿por que no? un inquietante Vincent Price.

publicado por: Jorge Jiménez

CINE DE CULTO: MI NOMBRE ES BRUCE

2010-08-28T11:05:00.001-05:00

TITULO ORIGINAL: My Name is Bruce
AÑO: 2007
DURACIÓN:86 minutos
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Bruce Campbell
GUIÓN: Mark Verheiden
MÚSICA: Joseph LoDuca
FOTOGRAFÍA: Kurt Rauf
REPARTO: Bruce Campbell, Ted Raimi, Mike Richardson, Casey Larios, Dani Kelly, Jeff Hunter, Adan Boyd, Mike Estes, Janelle Farber, Kieran Henthorn, Dan Hicks
PRODUCTORA: Dark Horse Entertainment / Image Entertainment
GÉNERO: Comedia. Terror. Serie B

Por fin pude ver esta película, la cual me había sido difícil conseguir, pero gracias a la Videoteca del Centro Cultural los Arquitos y mi buen amigo Juan Pablo, responsable de dicho lugar y de conseguir todo el material con el que cuenta la video, mi deseo se hizo realidad.

Bruce Campbell, es para quien no conozca su trabajo, una leyenda del genero fantástico (terror o ciencia ficción) de la serie B, el cual comenzó sus andadas en estos menesteres hace casi treinta años, con aquella mítica trilogía de horror llamada The Evil Dead (1982-1992), que filmaría junto con su amigo el director Sam Raimi, lo que propició que ambos personajes se volvierán referentes en la cultura popular. Empero estos tomarían caminos distintos, por una parte Raimi ingresaria al mainstream Hollywoodense y se forjaría una carrera un tanto irregular, ya que aunque firmaría cintas estimulantes como Darkman (1990) o su visión muy particular de western como Rapida y Mortal (1995), todos sabemos que también este hombre fue capaz de darle en la madre al Hombre Araña con su encarnación cinematográfica.

Por otro lado Bruce Campbell como mencionaba casi al principio, es casi el rey de la serie b contemporanea del CFI y el Horror, ya que se ha encargado de protagonizar infinidad de cintas de dudosa calidad, con excepción de la interesante y divertida Bubba Ho-tep (Don Coscarelli, 2002). Así como series de televisión y algunos cameos en programas y cintas, por ejemplo la mencionada trilogía del héroe arácnido de la Marvel.

Ok, pero ya pasando a la cinta My Name is Bruce, el desenfadado de Campbell se interpreta así mismo, con su humor satírico, mala leche y cachondez que tanto lo caracteriza, este se mofa de su propia carrera (el genero en el cual ha trabajado tantos años) y por si fuera poco, hasta se burla de sus fans (jajaja que cojonudo). Pongámoslo de esta manera, esta cinta es para Bruce Campbell, lo que JCVD (Mabrouk El Mechri, 2008) es para Van Damme o Takeshis' (Takeshi Kitano, 2005) para el propio realizador nipón.

Es por tal motivo que la historia va de unos chicos de un Pueblo que despiertan por accidente un antiguo demonio chino (jajaja, ¿acaso es un homenaje a The Evil Dead?) el cual comienza a matar a los habitantes del mismo. Uno de los adolescentes es fan acérrimo de Campbell, conoce su filmografía, lo adora (incluso comienzo a pensar que tiene sueños húmedos con el jajajaja) por tal motivo decide pedir su ayuda para eliminar a la entidad Demoniáca, y va a visitar al distinguido histrión en una de las locaciones de lo que será su siguiente bodrio cinematográfico (jajajaja).

Sin embargo como Campbell es un ojete, pues solo le interesa el varo (jajaja), manda a volar al chico, motivo por el cual este decide secuestrarlo para que su héroe derrote al dichoso Demonio, claro nuestro alcohólico y fracasado ídolo cree que todo es una broma y como no ve otra salida acepta ayudar al chico sin saber que todo es real.

Y a grandes razgos esta es la premisa de la cinta que dirige el propio Bruce, motivo por el cual se desarrolla de manera jocosa y desenfadada, ya que esta se encuentra plagada de situaciones y referencias de las cintas que ha hecho su protagonista, o con guiños a otras cintas, por ejemplo cuando nuestro héroe es raptado por su fanático admirador y es introducido en el maletero del auto, al despertar Campbell dice algo así como: “sabía que esto iba a pasar, me secuestro un fan”. Acto seguido pone cara como James Caan en Misery (Rob Reiner, 1990) lo que provoca que uno se parta de risa.

O cuando el buenazo de Bruce sale de los estudios donde se encuentra grabando Cave Alien, y uno de sus admiradores le pregunta el por que acepto un papel en determinada cinta (la cual era un bodrio) y Bruce responde: “¡por que me pagaron!” (jajaja).

Por tal motivo y como comentaba anteriormente, este film es casi catártico para la estrella, ya que se mofa sin tapujos de la propia industria que lo hizo lo que es ahora. Pero lo más divertido y admirable es sin lugar a dudas la honestidad con la que Campbell realiza dicho proyecto.

Ahora bien, tecnicamente la cinta cumple ya que su apartado visual goza de un look de telefilm (obviamente hablamos que no se invirtieron millones de dólares para filmar esto, además que es congruente con lo que se esta contando un homenaje a lo cutre), su ambientación y manejo de atmósferas, así como sus efectos especiales se notan algo chafas, jajaja, pero de eso se trata, estamos presenciando y disfrutando de una cinta de serie b.

Por tal motivo la cinta funciona correctamente, aunque encontremos bajones de ritmo y algunos huecos en el guión, aspectos comprensibles para un inexperto director como es el señor Campbell, sin embargo el resultado pudo ser peor, pero la ajustada duración del film ayuda a que este no se vuelva insoportable. Además de que reitero, este título es para fanáticos de Bruce Campbell, si no conocen su obra la cinta les parecerá un asco, por tal motivo se necesita de cierta complicidad para disfrutar de esta.

Por otra parte la cinta cuenta con algunos toques de gore, que son de agradecer, ya que hacen más jocoso y desmadrozo el asunto (hay algunas decapitaciones, jajaja). Aunque hay que mencionar que la cinta pierde un poco el ritmo en su parte final, y su conclusión no es muy satisfactoria.

Las interpretaciones son cutrecillas y Bruce Campbell es el mismo, lo que hace de su actuación simplemente una gozada, el tipo es guarro hasta más no poder, mala leche, cobarde y vale madrista, ¿qué más se puede pedir? este hombre es el antihéroe definitivo, con moral ambigua.

De los personajes secundarios hay que decir que encajan bien dentro de la historia (todos son tópicos, el Alcalde, la madre soltera, la pareja de gays, etc.) por lo cual no molestan y sobresale en un pequeño papel Ted Raimi.

Ya para finalizar, se puede notar que el Sr. Campbell se lo pasó de lo lindo realizando este film, al fin y al cabo después de trabajar en Bulgaria filmando tanta cutres (como el mismo comenta) o realizando cintas para canal FX, lo demás es miel sobre hojuelas (jajaja).

publicado por: Jorge Jiménez

Mamá tuvo la culpa, MANIAC.

2010-08-20T17:17:00.002-05:00

TÍTULO ORIGINAL: Maniac
Año:1980
Duración: 87 minutos
País: E.U.
Director:William Lustici
GUIÓN: C.A. Rosenberg, Joe Spinell
MÚSICA: Jay Chattaway
FOTOGRAFÍA: Robert Lindsay
REPARTO:Joe Spinell, Caroline Munro, Abigail Clayton, Kelly Piper, Rita Montone, Tom Savini, Hyla Marrow.
PRODUCTORA: Magnum Motion Pictures Inc.
GÉNERO Y CRÍTICA: Terror. Thriller. Drama

Maniac es sin duda una de esas cintas que con el paso del tiempo mantienen su condición de culto y aunque podría parecer un slasher más, creo que por sus elementos un tanto cutres y amateurs, pero sobre todo por la interpretación de su actor principal sobresale del montón.

Visualmente la cinta es bastante sucia y los encuadres, así como el uso de algunos zoom empleados por su director mantienen ese aire de serie b, asi mismo uno de los puntos favorables es sin duda la crudeza visual y explícita que se muestra.

Y es que aunque el argumento no es nada original, la forma en como su director lo aborda es lo que mantiene a flote el filme. Sin embargo hay que mencionar que la cinta también tiene algunos huecos en el guión, estos bastante notorios y dejan muchas interrogantes al espectador, aunque no se si este descuido haya sido por falta de presupuesto (jajajaj) o simplemente se paso por alto.

Como aludía en un inicio la cinta realmente llega a otros niveles por su actor principal, todo un personaje en la industria, Joe Spinell de descendencia ítaloamericana, histrión que trabajo con grandes directores como Martin Scorsese o Francis Ford Coppola y tuvo varias colaboraciones también con Sylvester Stallone en Rocky.

En Maniac, Spinell interpreta a Frank Zito, un ser repulsivo que siente un odio desmedido hacia las mujeres, lo que provoca que cada noche salga a buscar alguna femina solitaria para asesinarla, o una que otra parejita amorosa. El ¿por que de su odio hacia el sexo femenino?, eso lo iremos descubriendo conforme avanza la trama, pero como en casi todos los casos sucede, la culpable es su madre por la castrante formación que le dio a este en su infancia. FranK Zito (Spinell) vive solo en su apartamento, el lugar se encuentra lleno de maniquíes femeninos, a cada victima que Zito ultima, les quita la cabellera y se las pone a sus muñecos, con los que lleva una relación enfermiza, ya que platica con ellos , duerme, come, etc.

Por otro lado la cinta tiene un buen manejo de atmósferas, y su director logra crear buenos momentos de tensión y terror. Ejemplo, cuando nuestro enfermo asesino va siguiendo a una rubia enfermera por una estación del metro, esta ingresa al baño para tratar de esconderse, en un momento dado uno como espectador quiere, espera que el asesino haya desaparecido, pero es inevitable el desenlace, Frank Zito asesina con un cuchillo a la mujer, traspasándole el pecho.

Lo que también ayuda mucho a crear sensaciones de malestar, es que cada vez que el asesino acecha a sus victimas, se usan algunas secuencias con unas tomas subjetivas y casi siempre escuchamos la respiración de excitación del homicida. Mención aparte merece Spinell, ya que dota de matices al psicópata, por momentos el actor crea un ser realmente repugnante, y en uno de esos tantos diálogos mentales que el asesino tiene con su madre, se vuelve un ser bastante patético, pero cuando ataca a sus victimas, es verdaderamente frío. Por tal motivo la labor de Joe Spinell es simplemente magnífica.

Donde la cinta se vuelve un poco desconcertante (por la mala estructura del guión) es la relación que Zito llega a entablar con Anna (Carolinne Munro) una fotógrafa, que sin querer toma una imagen de Frank, cuando esta se encuentra en un parque. Como consecuencia de esto el hombre se da cuenta y consigue la dirección de Anna, después llega a su casa y conversan como si se conocieran, hasta salen juntos a cenar. Estos aspectos estan metidos con calzador y no embonan muy bien en la historia.

De los efectos de maquillaje decir que estan a cargo de Tom Savini, asiduo a este tipo de cintas, por cierto tiene un pequeño papel dentro de la historia, es un tipo al que le vuela la cabeza nuestro querubín. Asi mismo los efectos especiales estan bien realizados, hay gore y del bueno, basta con ver el final de la cinta.

Creo que Maniac es una buena cinta de terror que merece ser vista, con todo y sus defectillos, pero que por sus características ya mencionadas sobresale del cúmulo de filmes de esta índole, sobre todo por que se percibe como un producto sincero y sin pretensiones. Por ultimo comentar que la cinta fue censurada en su momento por su alto contenido de violencia gráfica y se tacho como un film misógino.

Publicado por: Jorge Jiménez

Cine de terror retro en LA CASA DEL DIABLO

2010-08-11T20:12:00.002-05:00

TÍTULO ORIGINAL: The House of the Devil
AÑO: 2009
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Ti West
GUIÓN: Ti West
MÚSICA: Jeff Grace
FOTOGRAFÍA: Eliot Rockett
REPARTO: Jocelin Donahue, Tom Noonan, Mary Woronov, Greta Gerwig, AJ Bowen, Dee Wallace
PRODUCTORA: Constructovision / Dark Sky Films / Glass Eye Pix / RingTheJing Entertainment
GÉNERO: Terror.

Como es bien sabido el género de terror no pasa por buen momento, sobre todo tratándose de producciones de gran presupuesto (por ejemplo Pesadilla en la Calle del Infierno, Samuel Bayer. 2010) pero de vez en cuando aparecen títulos interesantes como esta cinta llamada La Casa del Diablo del joven director Ti West, autor del que ya comente su otra obra, La Cabaña Sangrienta 2 (2009), que curiosamente cuando uno compara ambas cintas puede percibirse que la secuela de la cinta creada por Eli Roth esta bastante despersonalizada por parte de su creador con todo y que tiene sus buenos momentos de mala leche y terror.

Por tal motivo considero como una obra más redonda La Casa del Diablo, ya que esta por momentos emula a ese viejo cine de terror de los 70´s y 80´s gracias a un buen manejo de atmósferas y una buena narrativa que mantiene al espectador lleno de incertidumbre durante todo el metraje, y lo mejor es que estos elementos no se perciben artificiosos, por lo que son un acierto en la narrativa.

Samatha (Jocelin Donahue) es una chica universitaria que esta buscando una casa en renta (ya que la habitación que comparte con su compañera de cuarto es bastante desorganizada, además que se la pasa follando con cualquier sujeto que se le cruce en frente, jajajajaja), por suerte para ella, encuentra un sitio agradable para vivir, sin embargo debe conseguir el dinero lo antes posible para apartar el lugar. El problema es que no cuenta con dicho dinero, razón por la cual decide buscar trabajo.

Empero cuando la chica va de regreso a la Universidad descubre un anuncio en el cual solicitan una niñera, Samantha (Donahue) decide llamar y es entrevistada por un sujeto el cual de primera instancia se escucha raro, pero le comenta a la joven que le interesa contratarla y que la vera a la entrada del edificio donde pego el anuncio. Acto seguido, la chica se presenta a la cita pero después de varias horas de espera la dejan plantada, por tal motivo, y ya molesta, la mujer se ve con su mejor amiga, Megan (Greta Gerwig) en una pizzería y le cuenta todo.

Como Megan (Gerwig) es una chica de dinero le comenta a Samantha que no se preocupe, que ella le presta el dinero para que pague la primera mensualidad mientras consigue un empleo, incluso le dice que deberían de arrancar todos los anuncios que dejo el fulano para que nadie le llame y se quede sin niñera, esto como una especie de venganza, pero Samantha le dice que no lo haga y que deje el asunto así.

Después de unas cuantas horas cuando Samantha regresa al apartamento con su compañera, esta última le comenta que un hombre intento comunicarse con ella para un empleo. La joven desesperada marca de nuevo y se contacta con el hombre, el cual antes que nada le pide disculpas por haberla dejado plantada y casi le ruega que acepte el empleo (el cual dicho sea de paso tiene circunstancias bastante extrañas). Total que como Samantha no quiere ir sola le pide a Megan que la acompañe, ya que el sitio a donde va esta muy alejado de la ciudad (incluso han tenido que conseguir un mapa para dar con el sitio), pero además un suceso extraordinario esta por ocurrir esa noche, un eclipse lunar, el cual tiene a toda la gente pendiente a excepción de nuestro dúo protagónico, sin saber que este fenómeno cambiará para siempre sus vidas.

Esto lo comento por que cuando Samantha y Megan llegan al domicilio este luce bastante lúgubre y solitario, por lo que la casa tiene un aspecto bastante aterrador. Acto seguido las chicas entran al domicilio y conocen al señor Ulman (Tom Noonan), el tipo que puso el anuncio, empero este solo esperaba a una persona por lo que pide hablar a solas con Samantha. Por lo que al entrevistarla le dice que solo puede quedarse ella, esto por que no cuenta con mucho dinero, además de que le confiesa que no hay ningún infante que cuidar (lo que pone el ambiente aun más tenso, se los aseguro), si no a una persona mayor, la madre del hombre. Por tal motivo el hombre se justifica con la chica argumentandole que es muy difícil conseguir gente que quiera cuidar personas de la tercera edad, además que esto lo hace para poder salir con su mujer, la señora Ulman (Mary Woronov), ya que desde que se mudaron a este sitio no han podido salir por cuidar a su madre.

En ese momento Samantha se asusta un poco e incluso duda en quedarse, pero el señor Ulman la convence de quedarse, incluso le ofrece pagarle el doble (unos 400 dólares por trabajar solo cuatro horas) por lo que la chica accede y le dice a Megan que la deje sola y que pase por ella después, alrededor de las doce de la noche. Empero su amiga no esta muy convencida de la decisión, ya que algo no le da buena espina, pero al final se marcha y aquí comienza la verdadera pesadilla para Samantha, ya que se dará cuenta demasiado tarde que ha sido elegida para ser parte de un ritual satánico por parte de un clan.

Es con este planteamiento que Ti West entrega una excelente cinta de terror, la cual lejos de caer en los lugares comunes del género y hacer uso de elementos engañosos como sería la aplicación de musica estridente en momentos puntuales de la trama o meter con calzador sombras extrañas para causar miedo, este opta por una buena narrativa, un desarrollo correcto de personajes y de situaciones para ir sumergiendo al espectador en esta alucinación demoniaca.

De hecho lo mejor es el ritmo pausado que imprime West a la cinta ya que la dota de suspenso, asi como un buen manejo de atmósferas, ya que desde que arranca la cinta el presente podrá percibir un ambiente mal sano durante todo el metraje, es como si supiéramos que algo malo va a pasar pero no adivinamos en que momento. Por tal motivo la estancia de Samantha dentro de la casona nos mantiene alertas con todo y que no pasa nada, aunque esto es otro acierto en el film ya que el miedo lo genera el propio espectador con su imaginación, aunque al final este se materializa con esa genial secuencia donde aparece el propio Demonio, al más puro estilo de El Bebe de Rosemary (Roman Polanski, 1968), asi como unos toques de gore y unas vueltas de tuerca bastante efectivas.

Asi mismo es de resaltar la elección de actores, ya que estos le imprimen tridimensionalidad a sus personajes, además de que evitan caer en los arquetipos del género (gracias a Dios no hay adolescentes tomando decisiones estúpidas cada cinco minutos, ni situaciones absurdas). Y finalmente, en el aspecto técnico la cinta cumple con creces, como la ambientación de la época, la puesta en escena, fotografía, incluso la banda sonora.

Empero si hubiera algo que reprocharle al guión, esto sería que nuestra protagonista nunca se da cuenta que no existe la mentada anciana que cuidar, con todo y que la chica recorre toda la casa, sin embargo este aspecto esta bien narrado que en un principio se pasa por alto y no afecta el resultado global del film.

Asi que si quieren pasar un mal rato frente a su televisor viendo una buena cinta de terror no se pierdan La Casa del Diablo, ya esta cumple con creces su objetivo, incomodar, causar malestar y atemorizar, todo gracias a una efectiva dirección, asi como la aplicación de un guión inteligente. Para finalizar debo decir que el final depara una grotesca sorpresa.

publicado por. Jorge Jiménez

FELIPE CAZALS

2010-08-05T10:20:00.000-05:00

Realidad y ficción: mitos e hitos del derecho en el cine de Felipe Cazals

Por: Rubén Díaz López

Introducción

La historia y la ficción tienen una frontera compleja. Los hechos y la realidad atraviesan por un estatuto donde siempre podemos encontrar una línea entre lo tangible e intangible, lo que fue y lo que se dice que fue (en el caso de la historia).

Cuando la ficción se basa en la realidad, surge líneas que dan una enorme posibilidad de imaginación, de interpretación, pero sobretodo de pensar el “cómo fue”, siempre en relación con “el qué somos”, y “qué seremos”.

Sin embargo, ¿qué pasa cuando la realidad supera a la ficción y viceversa? De manera contundente decía Paco Ignacio Taibo II en boca de uno de sus personaje emblemáticos, Héctor Belascoarán Shayne: “Sólo la realidad puede ser tan mamona como la literatura” (2003, 105).

Este ensayo tiene como objetivo analizar el discurso que el cine mexicano ha adoptado (mitos e hitos) acerca del derecho y su séquito (justicia, jueces, juzgados, derechos humanos, etcétera) valiéndose de esta –parafraseando a Fuentes- frontera de cristal que surge entre la realidad y la historia, pues es precisamente en este punto donde aparece una riquísima posibilidad de interpretación.

Para hacerlo, utilizaremos la trilogía de ficción del director Felipe Cazals de 1976 sobre hechos trágicos nacionales (Canoa, El Apando y Las Poquianchis), así como su documental Digna, Hasta el último aliento (2004).

Usamos en concreto estas cintas, primero por su trascendencia e importancia artística para el cine nacional, pero además por la mezcla tan interesante que en el propio discurso cinematográfico realiza el director, entre ficción con el falso documental (mockumentary) y el documental con algo de ficción, lo que abre esta frontera a que hemos hecho alusión y que nos permite extraer los mitos, con base en realidades-ficciones.

Realidad y la ficción

Cuando la ficción nace de la realidad, estamos en territorios que bien podrían corresponder a la historia, ¿en qué momento se hace historia y en qué momento literatura?

Esta respuesta ha sido ampliamente debatida y se relaciona con el problema de la cientificidad y objetividad de la historia. Dadas las condiciones propias de subjetividad, Antonio Caso decía que “la historia es un saber, no una ciencia” (1999, 142). Por su parte, el historiador Le Goff, considera que la historia es un saber complejo, que tiene que ver con ciencia y arte, en especial por una característica fundamental de ésta: la singularidad, el problema es que la historia puede ser una ciencia de lo particular, pero que busca patrones en relación con la sociología y la psicología, lo que le da el carácter general.

Esta singularidad de Le Goff, le da un toque fascinante, “Amar lo que nunca se verá dos veces”, por ello “[...] alcanzar en la concepción histórica la universalidad es lograr al mismo tiempo la individualidad, y hacerlas sólidas a una y otra con la solidez que una le otorga a la otra” (1997, 96).

La narratividad de la historia y la literatura son semejantes, de hecho existe un intersticio, una especie de frontera entre historia y ficción que permite al historiador amplias posibilidades imaginativas[1].

Por todo lo anterior, para el análisis de esos mitos sobre el derecho que se han gestado en el imaginario colectivo, vamos a recurrir a obras de arte que rayan en ambas, es decir que tienen como base hechos reales (historia), pero que al entrar a la ficción, caen irremediablemente en el terreno de la imaginación.

El cine de Felipe Cazals

Después de la llamada época de Oro del Cine Mexicano, la industria mexicana cayó en un bache: perdió estímulos, inversiones, la parte creativa fue descuidada, el sector gubernamental de la materia se dejó en manos inexpertas, todo esto provocó que el celuloide nacional tocara sima en 1970, con los temas de ficheras, albañiles, verduleras et al. Sin embargo, una generación de directores salvaron de la total anemia al cine mexicano: Arturo Ripstein, Jorge Fons, Jaime Humberto Hermosillo, Felipe Cazals, entre otros.

Cazals se concentró en temas reales con alto contenido social. Dentro de su carrera como director, cuenta con tres cintas que son clásicos del cine mexicano: Canoa, El Apando y Las Poquianchis, tanto por la consistencia de sus guiones, lo excelso de su fotografía[2], y en general, la maestría para retratar los detalles de conflictos sociales sin dejar de perder el maravilloso ángulo del arte. Es importante detenerse un poco en estos retratos de dramas reales.

Canoa

Una historia basada en hechos reales, sobre cinco trabajadores de la Universidad de Puebla, que en septiembre de 1968, acuden a escalar el volcán La Maliche, pero por cuestiones del clima, quedan atrapados en un pueblo cercano llamado San Miguel Canoa y son hospedados por un campesino.

La población azuzada por diversas personas (entre ellas el párroco) los acusa de “comunistas”, de ladrones, incluso vía megáfonos que hay en la comunidad, se dice que tienen por intención robarles a su santo, San Miguel Arcángel. La turba asesina acude a la casa del campesino y lo asesinan junto a dos de los trabajadores, dejando gravemente heridos a los otros tres.

El lenguaje cinematográfico se basa en una especie de falso documental y ficción: al principio una voz en off describe las condiciones de extrema pobreza del pueblo, su forma de supervivencia, las carencias por las que atraviesan, así como el papel del párroco, el que controla todo el pueblo, incluyendo a las autoridades. Aparece un narrador, un campesino del propio pueblo que a lo largo del filme y sobreexpuesto a la ficción, irá explicando las condiciones sociales a fin de contextualizar al espectador en los hechos. Bajo esta idea de falso documental, termina la cinta entrevistando, como reportaje periodístico, a los involucrados y exponiendo el resultado de las investigaciones:

Se dictaron diecisiete órdenes de aprehensión; cinco personas fueron sometidas a proceso; dos de ellas salieron libres al no comprobárseles su participación en los hechos. Una tercera fue condenada a ocho años, saliendo libre dos años después al ser revocada la sentencia. Los dos restantes fueron condenados a ocho y once años de prisión… Ninguno de los señalados entre los principales incitadores fue sometido a proceso.

Esto, como se retomará más adelante, marca una idea fundamental de lo que considero es el imaginario o idea colectiva sobre la justicia mexicana y al que volveré pronto: la ineficiencia del sistema judicial mexicano. Sobre esta película, José Wondelberg señaló: Felipe Cazals… mezcló un documental ficticio, un narrador omnipresente y una ficción estrujante, para dar paso a un film que recrea una tragedia que tiene como fuente el fanatismo y la intolerancia, el miedo y el resorte persecutor (2008). Wondelberg traza perfectamente una de las tesis de este pequeño ensayo, estamos en presencia de un documental ficticio, que toma datos de la realidad y la convierte en estrujante, raya en los límites de la historia, sin llegar a rozarla.

El Apando

La película se basa en el modelo de prisión importado a México desde Porfirio Díaz, en ese otrora lugar de privaciones, Lecumberri[3] El palacio negro; la historia gira en torno a tres reos, las condiciones infrahumanas en que viven, la corrupción de las autoridades que permiten prebendas a aquellos prisioneros que puedan pagarlas y el intento que hacen los reos para que la mamá de uno de ellos les introduzca droga que les permitirá ganar dinero.

El desenlace es fatal. Esta producción se basa en la novela homónima de José Revueltas, intelectual mexicano que vivió en dicha cárcel cuando en 1968 fue acusado de ser el que incitaba a los estudiantes en el movimiento rebelde que sacudió al país en aquel año.

Las Poquianchis

Basada en la obra literaria de Jorge Ibargüengoitia Las muertas, a su vez respaldada en la investigación periodística del escritor sobre hechos reales. En el estado de Guanajuato, tres hermanas practican el lenocinio, apodadas las Poquianchis, buscaban a jóvenes de pueblos a quienes, so pretexto de encontrarles trabajos decentes, se llevaban de sus casas, pero en realidad las recluían y obligaban a prostituirse.

Además de la privación ilegal de la libertad, las torturaban y golpeaban en caso de negarse a cooperar. Se descubrió posteriormente que llegaron a asesinar hasta a 17 mujeres. Los hechos, que dieron la vuelta a México y al mundo[4], son narrados en esta película de manera magistral.

En cortes simultáneos, somos testigos del procedimiento judicial, a la par que vamos conociendo la historia, en especial de dos hermanas que son entregadas a una de las Poquianchis; esto sirve de pretexto al guionista, para engarzar otra historia igual de compleja: el padre de las jóvenes, campesino sumamente pobre, participa en un movimiento agrario para exigir tierras, que les fueron entregadas por el gobierno, y que después les son arrebatadas por el cacique[5]. La película termina como un reportaje periodístico que narra el fin del juicio y las sentencias a las que fueron sometidas cada una de las implicadas.

Digna, hasta el último aliento

Aun y cuando esta obra del maestro Cazals no alcanzó la notoriedad que las anteriores, consideramos importante retomarlo porque aborda un tema fundamental en el derecho de México: los defensores de derechos humanos, en concreto el caso de Digna Ochoa Plácido, quien fue encontrada muerta de una manera misteriosa el 19 de octubre del 2001, lo que provocó que la Procuraduría General de Justicia del Distrito Federal especulara sobre la posibilidad de un asesinato o un suicidio, terminando por aceptar esta última hipótesis[6]. Con base en el género documental, se auxilia de la ficción, para recrear algunas escenas con la actriz Vanesa Bauche como Digna Ochoa. Cazals empapa sobre el tema al espectador con una maestría que sorprende, pues aborda todas las aristas del conflicto en que se vio envuelta la activista por los derechos humanos, buscando dar voz a todos los interesados, y así lograr una objetividad que deja en el público la última palabra.

El cine y el derecho en México

¿Por qué usar a Cazals? son pocos los autores nacionales que hayan ingresado de manera directa al tema de la justicia en México, la mayoría la abordan indirectamente, con base en dos o tres mitos (como el de la cárcel como escuela de criminales, o las autoridades corruptas) pero ninguna tomando como uno de sus principales personajes a un juez, ni utilizando la terminología jurídica correcta, se siguen conceptualizando al juicio como lo hacen en las películas norteamericanas, llamando fiscal en lugar de ministerio público, confundiendo la detención administrativa con un proceso penal en forma, y con una serie de contradicciones que, en el caso de las cintas que se van a analizar de Felipe Cazals, no se cometen; por el contrario el guionista muestra un sólido conocimiento del lenguaje forense, y aun más, pareciera que está al tanto algunos de los problemas comunes del derecho en México.

Los mitos y los hitos

De las anteriores películas me interesa destacar mitos e hitos sobre el derecho y la justicia mexicana. Como ya señalamos, las obras analizadas parten de la realidad y se transforman en ficción y viceversa; esto nos parece importante pues los mitos e hitos, los lugares comunes de la conciencia colectiva se enriquecen mutuamente; es decir, no sólo nacen de los hechos reales y de la vox populi, sino que a su vez contribuyen a su revitalización en la cultura, en pocas palabras, nos referimos al círculo hermenéutico de Heidegger.

A) Los funcionarios corruptos: “todo se arregla con dinero”. Uno de los mayores problemas que arrastra este país es el de la corrupción, el desfile de funcionarios y personajes importantes en el Bar Las Poquianchis va a ser materia común en el transcurso de la película, de hecho el compadrazgo, la amistad, con un alto funcionario[7] será el modus operandi, así la prostitución que dirigen, goza cuando no del beneplácito, si de la indiferencia de la autoridad. El funcionamiento ilegal de los llamados giros negros (bares, discotecas, etcétera) se basa más que en una licencia, en la buena disposición de las autoridades. Esto, como lo sabemos, ha generado de manera recurrente tragedias en el país[8]. Las Poquianchis recurren a diversos medios para mantener operando en la ilegalidad sus negocios: el soborno, el compadrazgo, y un largo etcétera. El tan laureado juicio de amparo, es solo una forma más de subsistencia.

Por su parte en el documental Digna… podemos encontrar esta misma problemática; se investiga e insinúa el cohecho entre las autoridades (en especial del ejército) y los caciques del Estado de Guerrero, principales responsables de la muerte de Digna Ochoa.

De igual forma, en El Apando, un abogado defensor le dice a su cliente (El Apando) que va a salir de la cárcel, pero es necesario repartir mucho dinero entre todos los empleados del juzgado, desde el Juez hasta la secretaria. En esta cárcel, Lecumberri, además circula droga, se pueden obtener favores, todo siempre y cuando medie el respectivo soborno que terminará en la bolsa de cualquiera de los funcionarios.

B) La cárcel como escuela del crimen: El lugar de expiación de las penas, donde debería de transformase al criminal en una persona de bien, se transforma de hecho en una escuela del crimen, reos que forman mafias al interior de la cárcel, que venden drogas, prevendas, etcétera, siempre en colusión con la autoridad.

C) El amparo y su relación con los poderosos: Pese a que para algunos el amparo es uno de los más grandes inventos mexicanos en materia de derechos humanos, algunos otros han criticado que en la práctica muchas veces sirva para defender los intereses de los poderosos, para sostener situaciones injustas. En el caso de Las Poquianchis, hay dos ejemplos interesantes: un campesino, padre de dos de las prostitutas que tienen bajo su poder las Poquianchis, se ve privado, junto con otros de sus compañeros, de las tierras que les había otorgado la reforma agraria, justo porque el terrateniente gana un amparo, pese a que, como alega el campesino, ellos tenían la razón:

“Delegado de la reforma agraria: el señor Gómez Albarrán posee un certificado de inafectabilidad ganadera y no ha perdido su vigencia.

Campesino 1: ¿Pos no no la habían dado ya, y en el puro colegiado más alto? ¿No ya le llevamos los papeles que nos había pedido? Y aquí tenemos otros con todas las firmas, hasta del presidente que fue endenantes… usted tiene que investigar, devisar bien los papeles…

Delegado: Yo sé bien lo que tengo que hacer, el amparo ha sido fallado a favor del señor Gómez Albarrán…

En un segundo caso, las lenocidas, acuden de manera recurrente a tramitar amparos para evitar que sus negocios sean cerrados “Si no más es cosa de ampararse”. Una de ellas se quejará del alto costo de los amparos. Otra acudirá a enfrentar su situación legal ante el juzgado “amparada” y gritándole al Juez “Ustedes se burlan de la Ley de Amparo”[9].

D) La división de poderes y los jueces: La intromisión del poder ejecutivo en el judicial, es una constante que aparece en nuestro imaginario popular sobre los jueces. Fueron ampliamente conocidos y documentados los casos de ministros de la Suprema Corte de Justicia de la Nación que acuden a rendir pleitesía al Presidente de la República.

En el transcurso de Las Poquianchis, el juez es llamado en varias ocasiones por el procurador de justicia, que depende del ejecutivo, mismo al que juez habla con gran respeto. Pese a los intentos de decirle al procurador que el caso es complejo, que tiene que estudiarlo, investigar más, la presión para que resuelva el caso se deja sentir. El juez no solo está presionado por el poder ejecutivo, los medios de comunicación están sobre él, preguntándole, inquiriéndolo, obligándolo a condenar a priori. Las acusadas oponiéndose al sumario y haciendo su esfuerzo para que el Juez caiga en la desesperación. Al final, la figura autónoma del juez termina vencida ante las presiones, en especial la del procurador: en el penúltimo plano vemos las ruinas del antiguo bar, y, una voz en off, a manera de reportaje periodístico, señala:

Cinco meses transcurrieron desde la captura de los primeros acusados y su sentencia, en uno de los procesos más rápidos de la historia de la justicia mexicana, las principales acusadas, las tres hermanas fueron condenadas a la pena máxima, 40 años…

El epilogo de una justicia que sucumbe a medios externos y no a la ratio iuris.

E) El juicio kafkiano: Uno de los mitos o hitos entre todos aquellos ligados a la juridicidad mexicana, es la extrema similitud entre el juicio a Joseph K. en El Proceso de Franz Kafka y el sistema de nuestro país. Este juicio fafkiano, en el caso de Las Poquianchis, llega a su clímax del absurdo, cuando en una audiencia una de las acusadas se tira al piso, se tapa los oídos y comienza a gritar, mientras que el juez, al mismo tiempo, le grita a ella las disposiciones legales. De hecho, el lenguaje forense complejo forma parte de este entramado judicial, pues una de sus características, es el uso estricto de términos médicos y legales, que en oído de la gente común llegan a perder sentido: en Las Poquianchis el Juez narra a una de las testigos su testimonio, mismo que fue redactado por un funcionario judicial que lo hizo de manera tradicional y no apegándose a las declaraciones, la testigo dice:

Testigo: Esa no es mi declaración, este señor está poniendo de su cabeza de él

Juez: Sabemos de todas las majaderías que se han descrito aquí, pero no vamos a ponerlas…

Sobre esta forma de lenguaje judicial decía Fernando Vallejo en La Virgen de los Sicarios:

Por sobre el llanto de los vivos y el silencio de los muertos, un tecleo obstinado de máquinas de escribir: era Colombia a oficiosa en su frenesí burocrático, su papeleo, su expedienteo, levantando actas de necropsias, de entradas y salidas, solícita, aplicada, diligente, con su alma irredenta de cagatintas. Mis ojos de hombre invisible se posaron sobre las “Observaciones” de una de esas actas de levantamiento de cadáver, que habían dejado sobre un escritorio: “Al parecer fue por robarle los tenis -decía-, pero de los hechos y de los autores nada se conoce”. Y pasaba a hablar de heridas de la vena cava y paro cardiorespiratorio tras el shock hipovolémico causado por la herida de arma cortopunzante. El lenguaje me encantó. La precisión de los términos, la convicción del estilo… Los mejores escritores de Colombia son los jueces y secretarios de juzgado, y no hay mejor novela que un sumario. (2005; 168).

En el documental Digna… el derecho se vuelve irracional cuando se hace patente que Digna Ochoa y el Centro de Derechos Humanos Miguel Agustín Pro Juárez, en uno de sus casos, tuvieron que defender a una acusada de robo, pero, donde la presunta víctima del robo no existía. La cúspide kafkiana de la juridicidad mexicana, es excelsa en el documental: según la Fiscalía Especial para el caso de Digna Ochoa de la Procuraduría General de Justicia del Distrito Federal, que se encargó de las investigaciones, la defensora de los derechos humanos Digna Ochoa, se suicidó, fingiendo que la asesinaron (¿?):para ello, primero realiza un disparo hacía un sillón, después se dispara en la pierna, y luego, en una posición incómoda, lo hace en la cabeza, con la mano izquierda aun y cuando ella era diestra; antes de darse el último tiro, se coloca de tal forma que queda de rodillas y recargada boca bajo en el sillón; y pese a lo absurdo de los indicios, la llamada teoría del suicidio simulado de la fiscalía, concluye en este disfraz de asesinato.

F) La violación de la ley

La norma pierde toda su significación, el estado de derecho en México es inexistente, la ley es usada a su total discreción por las autoridades o por los poderosos. Conforme al documental Digna… la defensora de derechos humanos aun y cuando había sido amenazada, no es protegida por las autoridades, al contrario, según varios de los entrevistados, la propia autoridad violentaba la ley; incluso todo el meollo del asesinato de Digna, nace de un supuesto ilegal encarcelamiento de ecologistas.

En Las Poquianchis, la idea de una ley violada es constante. El campesino y el obrero son recluidos en la cárcel por participar en manifestaciones, ahí dialogan:

Campesino: Nosotros nomas queremos lo que es de ley.

Obrero: ¿De veras crees en la ley? si abusan de ella como quieren.

Esto se relaciona de manera directa con la idea kafkiana del derecho en México. De hecho, el periplo judicial del campesino reclamando la ley, la justicia, nos remite indudablemente al relato de Franz Kafka Ante la ley:

Ante la ley hay un guardián. Un campesino se presenta frente a este guardián, y solicita que le permita entrar en la Ley. Pero el guardián contesta que por ahora no puede dejarlo entrar. El hombre reflexiona y pregunta si más tarde lo dejarán entrar.

-Tal vez -dice el centinela- pero no por ahora.

La puerta que da a la Ley está abierta, como de costumbre; cuando el guardián se hace a un lado, el hombre se inclina para espiar. El guardián lo ve, se sonríe y le dice:

-Si tu deseo es tan grande haz la prueba de entrar a pesar de mi prohibición. Pero recuerda que soy poderoso. Y sólo soy el último de los guardianes. Entre salón y salón también hay guardianes, cada uno más poderoso que el otro. Ya el tercer guardián es tan terrible que no puedo mirarlo siquiera.

G) La sentencia injusta. Inocentes en la cárcel, criminales en la calle. Tal vez una de las creencias más arraigadas en el colectivo mexicano, sea el de que los inocentes están en la cárcel, y los criminales en la calle. El final de todas las películas narradas así lo declaran. Las Poquianchis:

…las tres hermanas, fueron condenadas a la pena máxima, 40 años, Chuy cumple actualmente su condena en la Colonia Penal de Celaya, Guanajuato. Diecisiete personas más, 8 mujeres y 9 hombres, fueron condenados como cómplices. Algunas mujeres condenas a 26 años de prisión, habían pasado la mayor parte de su vida, 15, 20, 25 años, prisioneras en las casas de las Poquianchis…

El apando deja entrever que una pobre viejecita, cuyo único pecado fue sucumbir a los ruegos de su hijo y a quien no quería ver sufriendo, terminará en la cárcel acusada de tráfico de drogas, mientras que los directivos de la cárcel, los culpables de la corrupción, seguirán gozando de sus puestos y beneficios.

Canoa concluye declarando que Ninguno de los señalados entre los principales incitadores fue sometido a proceso.

El documental Digna… cierra con una frase de Miguel Ángel Granados Chapa que resume la idea del suicidio simulado simulado: Como suicidio fue muy imperfecto. Como asesinato es, hasta hoy, un crimen perfecto.

Epílogo

Todas las obras analizadas, por su alta complejidad técnica, por su contenido social, por el solo hecho de basarse en situaciones reales, merecen, cada una, un estudio más profundidad y con mayor detalle. Sin embargo, sirvan estas líneas para invitar a otros investigadores a abordar estos temas.

Las inimaginables posibilidades de la ficción nos recuerdan las infinitas situaciones de la realidad. Si esa ficción está basada en hechos reales, nos brinda la oportunidad de transformarla en historia y en Historia. Decía Johan Huizinga que por Historia entendemos “la forma intelectual en la que una civilización se rinde cuentas a sí misma de su pasado” (Vergara, 1999; 82) esto es, no se concretiza a un proyecto narrativo, los acontecimientos del pasado pueden ser interpretados con un objetivo y en relación dialéctica del pasado con el presente “la historia, entendida —a partir de Raymondron— como la posibilidad de concebir futuros alternativos del presente de cualquier acontecimiento pretérito y la imposibilidad de deducir con carácter de necesidad el acontecimiento de las condiciones que le antecedieron” (Vergara, 1999; 51).

Hacer énfasis en estos lugares comunes que hemos llamado mitos e hitos, tiene un objetivo muy claro: encontrar problemas y buscar soluciones. Por eso si las tragedias en discotecas o centro nocturnos que actúan fuera de la ley con evidente anuencia de las autoridades vuelven a suceder y los únicos encarcelados son empleados o funcionarios de menor rango; si en Ciudad Juárez son asesinados jóvenes universitarios cuyo único pecado fue estar en el lugar equivocado en el momento equivocado; si la corrupción en las cárceles es un pan nuestro de cada día; si los defensores de derechos humanos siguen amenazados; si los linchamientos siguen siendo una realidad que no ha abandonado nuestro país; si todo esto sucede, la ficción de la que hemos extraído este ensayo toma visos de una escalofriante realidad.

Bibliografía

Caso, Antonio. (1999). Pensamiento historiográfico mexicano del siglo XX. La desintegración del positivismo (1922-1935). México: Fondo de Cultura Económica.

Domínguez Michael, Christopher (2010). “Doce Voces de la Historiografía Mexciana. I. El orbe de David A. Brading” en Letras Libres (133). Obtenido el 20 de enero del 2010 desde http://www.letraslibres.com/index.php?art=14329.

Le Goff, Jackes. (1997) Pensar la historia. Modernidad, presente, progreso. Barcelona: Paidós.

Taibo, Paco Ignacio. (2003) Desvanecidos difuntos. México: Editorial Planeta.

Vallejo, Fernando (2005). La Virgen de los Sicarios. México: Editorial Punto de Lectura.

Vergara, Luis. “Ética, historia y posmodernidad” en Mendiola, Alfonso. (1999) Historia y Grafía. Volumen 12. México: Universidad Iberoamericana.

Woldenberg, José. (2008). “Canoa” en La Crónica (1 de febrero del 2008), obtenido el 22 de enero del 2010 desde http://www.lacronica.com/Columnas/Vercolumna.asp?NumNota=553322

[1] En entrevista con Christopher Domínguez Michael para Letras Libres, David A. Brading señala que la novela histórica es una herramienta importante en el análisis y la reflexión de los hechos históricos (2010).

[2] Aquí honor a quien honor merece, para lograr sus excelentes planos, contó como fotógrafo en las tres cintas con Alex Phillips jr, quien se distinguió por haber trabajado con los mejores directores de cine mexicano.

[3] Por cierto, en este juego de signos que provocó el gobierno transformando una reclusión, la cárcel, en el Archivo General de la Nación, que debe ser transparente, no sé si podríamos considerarlo irónica, dadas las verdaderas condiciones de transparencia mexicana de la actualidad.

[4] Y que consolidaron la posición de La Alarma, revista amarillista de nota roja, como una de las publicaciones de mayor consulta en el público mexicano.

[5] Esta parte, que corre paralela a la historia de Las Poquianchis (y que es filmada a blanco y negro para contrastarla con el resto de la película), muestra una faceta del movimiento agrario que mantenían los campesinos en la década de los ochentas del siglo pasado, desde la lucha legal, el abuso de los caciques, hasta la invasión de tierras, los asesinatos y encarcelamiento de los campesinos. Por cierto una escena bastante significativa, en un close up, en primer plano a un obrero de ferrocarriles y al campesino, ambos encerrados en la cárcel, enfrentados en un diálogo, dice el obrero al campesino: Cuando se nos haga justicia a nosotros se les hará a ustedes, y al revés, no ves que vamos en el mismo tren aunque no queramos. Esta parte de la película tendría mucho que analizar, sin embargo por los objetivos propios de este ensayo, se dejará para otra ocasión.

[6] Lo que a juicio de muchos investigadores es absurdo, pues la mayoría de los indicios hablan de la imposibilidad del mismo.

[7] Las Poquianchis, hablan varias veces por teléfono con aparentes funcionarios o personas importantes (“Licenciado”), que son sus compadres; a uno de tantos le ofrece “Ahí le tengo algo guardadito, son dos nuevecitas, como a usted le gustan, no se olvide de traer a Gilberto, tan buena gente, y a mi compadre Teodoro… No, no no, Chiquillas… lo espero licenciado”; la pedofilia que en México cobró actualidad en un reportaje sobre el tema ampliamente documentado por la periodista Lydia Cacho en su libro Los demonios del edén y el conocimiento nacional de una supuesta llamada entre el gobernador de Puebla y el presunto pedófilo, que nos hace crear cierto paralelismo con el diálogo de la poquianchi con el Licenciado.

[8] Solo por citar los casos más relevantes a nivel nacional: El 20 de octubre del 2000, en el Distrito Federal 22 personas perdieron la vida cuando la discoteca Lobombo se incendió. La discoteca no contaba con los elementos indispensables de seguridad. El 20 de junio del 2008, en la discoteca New’s Divine, ubicada en el Distrito Federal, se encontraban varios menores de edad aun cuando la Ley lo prohíbe; un operativo policiaco mal organizado, aunado a las condiciones de inseguridad del lugar, derivó en la muerte de 12 personas. El 25 de enero del 2010 en la discoteca Bar-Bar del Distrito Federal, el jugador paraguayo de futbol Salvador Cabañas, fue herido por arma de fuego en la cabeza. El bar operaba 3 horas fuera del horario permitido.

[9] Pese a estar en 1975, la insistencia de hablar del amparo en los diálogos y la forma en que lo aborda, deja en claro que el guionista conocía ya de el problema acusado por diversos investigadores: el amparo se ha vuelto un instrumento altamente tecnificado y por ende, solo al alcance de quienes pueden pagar los servicios de un abogado.

(Nota del editor: este texto forma parte del libro colectivo “ARTE, REALIDAD Y FICCION: UNA APRECIACION SOCIAL” el cual fue coordinado en Aguascalientes por José Luis Eloy Morales Brand y Martín Sánchez Testa)

SAW 7 3D POSTER

2010-08-02T12:39:00.000-05:00

http://saw3dmovie.com/Poster/

El último héroe americano, VANISHING POINT

2010-07-30T14:56:00.004-05:00

TÍTULO ORIGINAL: Vanishing Point
AÑO: 1971
DURACIÓN: 99 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Richard C. Sarafian
GUIÓN: Guillermo Cabrera Infante
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: John A. Alonzo
REPARTO: Barry Newman, Cleavon Little, Dean Jagger, Victoria Medlin, Paul Koslo, Robert Donner, Timothy Scott, Charlotte Rampling, Gilda Texter
PRODUCTORA: 20th Century-Fox
GÉNERO: Acción Road Movie

En una soleada y calurosa tarde de verano, un automóvil blanco cruza a toda velocidad la autopista, mientras un helicóptero lo persigue. En otra toma asistimos como en un poblado varias personas esperan algo o a alguien, los sheriffs del lugar se notan angustiados, dos tractores son acomodados para bloquear la entrada del pueblo. Después, vemos a lo lejos como el potente y veloz auto blanco se aproxima, sin embargo su conductor, un hombre solitario avista el obstáculo que le han puesto, razón por la cual antes de llegar, frena su hermoso automóvil y se desvía hacia el desierto.

Ya lejos del alcance de las patrullas y el helicóptero que lo perseguían, nuestro protagonista (Barry Newman) desciende del auto, mira fijamente el paisaje y sonríe, empero su gesto denota todo menos alegría. Este es el inicio de esta excelente y emocionante cinta, ya de entrada los acontecimientos que acabo de narrar nos meten de lleno en la historia, ya que se nos plantean varias incógnitas como ¿Quién es el hombre al que persiguen?, ¿Por qué o de que escapa?, pero no se preocupen amigos que gracias a varios saltos temporales el realizador Richard C. Sarafian nos irá revelando poco a poco los detalles de quien es el misterioso hombre que pilotea el ya mítico Ford Challenger Blanco 1970.

El hombre en cuestion se llama simplemente Kowalski (Barry Newman) un sujeto instrospectivo que trabaja para otro fulano que vende autos, por este motivo Kowalski maneja los autos por todo E.U. entregando estos. Cierta noche nuestro héroe entrega un auto con su patrón, y de inmediato pide el siguiente encargo, su jefe le comenta que se vaya a descansar ya que se ve cansado, empero este último se niega y le insiste en llevarse otro auto. Por tal motivo Kowalski (Newman) toma el Ford blanco y sale rápidamente, sin embargo antes de tomar su ruta hacia San Francisco (lugar donde debe llevar la unidad) pasa a surtirse de anfetaminas con un viejo amigo.

Pero cuando Kowalski hace la compra, se le ocurre la maravillosa idea de apostar con su camarada toda la mercancía con la que cuenta, el otro sujeto le pregunta que le ofrece y el protagonista sentencia que entregara el auto antes de la 13 horas del día lunes (tomando en cuenta que en ese momento son las tres de la mañana y nos encontraos en la ciudad de NY), a lo que el sujeto de primera impresión se ríe de incredulidad, pero acepta, si Kowalski pierde pagará doble por la mercancía, pero si gana esta será gratis.

Ok, leyendo el argumento este podría parecer algo escueto, pero creadme cuando les digo que lo verdaderamente acojonante es el desarrollo del mismo, ya que mantener una cinta donde intervienen en su mayoria persecuciones en auto durante casi hora y media podría resultar tedioso e incluso sin chiste, empero el buen manejo, asi como diseño y planificación de las secuencias de acción, como estan bien realizadas hacen que la cinta mantenga siempre el acelerador hasta el fondo, provocando que el espectador quiera más y más, se los aseguro.

Además otro factor que hay que resaltar es que la cinta se grabo a principios de los años 70´s, epoca en la que se utilizaban Stunts para realizar las maniobras de acción (bastante peligrosas por cierto), logrando incluso emocionar más que las técnicas artificiosas del cine actual, el cual esta enfermo de tanto efecto hecho por computadora lo que le resta veracidad y emoción a las cintas.

En Vanishing Point uno puede percibir la velocidad, el peligro, incluso la agitación de estar dentro del auto, todo gracias también a las soberbios tomas que realiza el director (ya sean panorámicas, dentro, por encima, a un costado o por detrás de auto), no por nada Quentin Tarantino decidió realizar su propia cinta sobre autos veloces y hace un pequeño homenaje a la cinta de Sarafian, como a las de Peckinpah en su cinta Death Proof (2007), por tal motivo somos testigos de como el director norteamericano utiliza un auto igual al que aquí maneja Barry Newman, toda una gozada, ya que el propio Tarantino filma en condiciones similares (poco presupuesto) su cinta, echando mano de verdaderos Stunts, los cuales ya son leyendas en el cine.

Sin embargo lo que también hace interesante el film de Sarafian, es que este nos muestra las motivaciones de su protagonista, del cual conforme avanza la historia vamos descubriendo que es solo un hombre normal, que ha sufrido en su miserable vida y está en busca de su verdadera libertad, la cual no encontró en otros trabajos (fue ex soldado en Vietnam, corredor de autos y hasta Detective en la ciudad de NY) actividades donde trato de encontrar el significado de su existencia, pero que lejos de hallarla, solo halló miseria y tristeza. Es por este motivo que manejar el Ford Challenger a toda velocidad por algunos estados de la nación significa un grito de libertad.

Obviamente esto le causará problemas con la ley, motivo por el que será perseguido por infinidad de patrullas de varios condados a los largo de su viaje (¿existencial?), sin embargo este acontecimiento también hará de Kowalski (Newman) un símbolo para todos los oprimidos, ya que su persecución es transmitida por radio a través de otro renegado, un representante de otra clase social, un locutor afro americano que además es ciego, llamado Super Soul (Cleavon little) que al enterarse de dicho evento (pues tiene intervenida de manera clandestina la frecuencia policíaca) decide ser los ojos de nuestro protagonista durante su frenético traslado para ayudarlo a burlar los cercos policíacos que lo esperan en cada condado. Incluso Super Soul ha bautizado a Kowalski como “el último héroe americano”

¿Recuerdan la toma donde Kowalski sonríe casi al principio de la cinta? Pues el final nos aclara el por que de este gesto, la cinta cierra de una manera magistral con un final nihilista, pero más que correcto para lo que acabamos de presenciar.

Vanishing Point te deja con un buen sabor de boca, es de esas cintas que se te quedan en la mente aun después de haber quitado el dvd, ya que aunque podría tomarse como una cinta más de acción, esta cuenta con un mensaje muy honesto en su discurso, que dicho sea de paso nos recuerda que la libertad esta en nosotros mismos y nadie, pero nadie no la puede quitar.

Pubicado por: Jorge Jiménez

La versión personal de Rob Zombie, HALLOWEEN II

2010-07-28T11:33:00.003-05:00

TÍTULO ORIGINAL:H2 (Halloween II)
AÑO: 2009
DURACIÓN; 101 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Rob Zombie
GUIÓN; Rob Zombie
MÚSICA: Tyler Bates
FOTOGRAFÍA: Brandon Trost
REPARTO: Scout Taylor-Compton, Tyler Mane, Malcolm McDowell, Brad Dourif
PRODUCTORA: Dimension Films / The Weinstein Company
WEB OFICIAL: http://www.halloween2-movie.com/
GÉNERO Y CRÍTICA: Terror. Secuela

Debo confesar que la primera parte de Halloween, dirigida por Rob Zombie, me pareció correcta, sus atmósferas, encuadres, la violencia empleada como recurso narrativo, etc., pero sobre todo el planteamiento que hace Zombie en la primera mitad de la cinta explicando el origen de Michael Myers, puesto que lo demás era casi una calca del trabajo que había realizado Carpenter.

Esto era comprensible puesto que Zombie al hacer el remake de aquella mítica película, no podía variar mucho el contenido por respeto a la misma y su personaje principal. Ahora dos años después, el director norteamericano tiene libertad creativa y se desprende de los tópicos de la saga, imprimiendo su visión personal sobre el icónico Michael Myers.

Como resultado H2 es un tanto despareja y extraña por momentos, pero tiene ciertos elementos que hacen que este slasher sea sobresaliente, por lo que no la consideraría una mala cinta.

H2 arranca momentos después del desenlace de la primera, presenciamos como se llevan a Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) al hospital por las heridas que ha sufrido por el cruento ataque de Michael Myers (Tyler Mane). Asi mismo nos hayamos con que el cuerpo de Myers es llevado al forense, ya que parece estar muerto.

Pero como es de esperar Michael (Mane) no esta muerto, ha sobrevivido a la ráfaga de disparos que le propino la policia (¿Cómo? No importa, aquí la lógica se deja de lado) y se despacha a uno de los hombres que van en el camión, le corta la cabeza con un vidrio, desde esta escena ya podemos ir viendo el gore empleado, cabe mencionar que este esta bien realizado.

La ventaja que tiene esta cinta con otros slashers, es que Zombie se toma en serio lo que esta contando y le imprime componentes que hacen que el espectador en todo momento se sienta incomodo, esto lo logra apoyándose en su aspecto visual, ya que el director crea atmósferas opresivas apoyándose en la iluminación con una paleta en verdes y ocres, asi como la musica utilizada.

Por otra parte creo que es un acierto que Zombie haya utilizado el formato en 16 mm, ya que este deja un grano más notorio en la cinta, por lo que hay una sensación de suciedad en todo el film, acentuando un ambiente mal sano y lúgubre, característico en el cine del director.

Es por eso que H2 se percibe como una pesadilla desde que inicia, conforme avanza la trama, asi mismo los ataques de Myers cada vez son más cruentos y salvajes, para muestra esta el ataque en el hospital y en un table dance, realmente perturbadores.

Otro punto favorable, es la representación de Michael Myers, el cual en algunos segmentos del filme aparece sin la mascara, luciendo una cabellera y barba larga (muy parecido a Rob Zombie) esto muestra un poco su perfil psicológico, asi como sus motivaciones. Myers se transforma cuando se pone la máscara, no dice ninguna palabra pero cuando ataca, ahora podemos percibir una especie de gemido volviendo a Michael más salvaje.

La incursión del personaje de Sheri Moon Zombie como la madre de Myers, fue muy cuestionada cuando leí sobre el film, sin embargo cuando uno ve y entiende la propuesta del director encaja bastante bien. Deborah Myers (Moon Zombie) aparece en el subconsciente de Myers, por lo que la cinta se vuelve bastante onírica.

Asi mismo la exploración del personaje de Laurie Strode (Scout Taylor-Compton) es de lo mejor, ella es el eje de esta historia. Han pasado 2 años desde los ataques que sufrió, por lo que su vida no es la misma, tiene pesadillas con Myers, de hecho parece que presencia los asesinatos de este, como si estuvieran conectados mentalmente.

Hasta este punto H2 funciona bastante bien, en su aspecto narrativo y visual, pero lo que viene a lastrarla, es el personaje del Dr. Loomis (Malcolm McDowell) este no encaja en la trama, de hecho termina por ser un fastidio. Lo que Loomis representaba en la saga original (la eterna Némesis de Myers) aquí termina por ser un ser repulsivo que lucra con la desgracia y el dolor de las victimas de Haddonfield, cuando publica un libro sobre los acontecimientos.

O quizá la intención de Zombie era mostrar otra cara del ser humano con el personaje del Dr. Loomis (McDowell) el ser humano convertido en monstruo, sucumbiendo ante los placeres mundanos, y cuestionarnos ¿quien es más monstruo Myers o Loomis? Debo decir que esta fue mi interpretación, pero no termina de encajar por completo el personaje que realiza Malcolm McDowell.

¿El desenlace? mejor veanla ustedes mismos ( queda abierto a varias interpretaciones), eso si huele a continuación, de la cual ya se contempla estrenarla en 3D, en la que también puedo decir ya no estará Zombie al frente del proyecto y creo que esta bien, el director necesita embarcarse en proyectos más personales para que pueda explotar su visión al 100 %, y nos regale otra joyita como Los Renegados del Diablo (2005), aunque esta cinta no le ha salido nada mal, pero como mencionaba al principio, la cinta es despareja por los bajones de ritmo y en un primer visionado se percibe extraña.

H2 es una cinta recomendable, muy por encima de las peliculitas de terror para adolescentes que se vienen haciendo desde hace tiempo, es cruda y violenta, y no solo eso, trata de ofrecer tridimensionalidad a sus personajes para que no sean simples monigotes. Asi que lo siento Jason Voorhess, este enfrentamiento lo gano Michael Myers, ya que Halloween 2 es por mucho mejor cinta que Viernes 13 el inicio.

Publicado por: Jorge Jiménez

Vampiros de verdad, FRIGHT NIGHT.

2010-07-20T16:30:00.009-05:00

TÍTULO ORIGINAL: Fright Night
AÑO: 1985
DURACIÓN: 106 min.
PAÍS: E.U.
DIRECTOR: Tom Holland
GUION: Tom Holland
MÚSICA: Brad Fiedel
FOTOGRAFÍA: Jan Kiesser
REPARTO: Chris Sarandon, William Ragsdale,William Ragsdale,Amanda Bearse, Amanda Bearse, Roddy McDowall, Stephen Geoffreys,Jonathan Stark, Dorothy Fielding
PRODUCTORA: Columbia Pictures
GÉNERO: Terror,Comedia, Vampiros.

Uno de los seres más fascinantes en el género del horror es sin duda la figura del vampiro, ese ser enigmático que ha aterrorizado a generaciones, un personaje de la cultura popular que se ha transformado y se ha vuelto un icono de la misma. Ya sea por sus diversas interpretaciones ideológicas, morales, sociales, etc. Por tal motivo su figura ha estado presente en el mundo del celuloide desde aquella mítica y estupenda Nosferatu (F.W.Murnau, 1992) pasando por la elegante y sobria Dracula (Tod Browning, 1931) con un genial Bela Lugosi, hasta las bestiales encarnaciones que le dio un magistral Christopher Lee para la Hammer, estos son ejemplos de buenas adaptaciones, incluso hasta las que protagonizo El Santo Enmascarado de Plata tenían lo suyo.

Asi, este ser ha sobrevivido años en el inconciente colectivo de las personas, incluso las más desdeñables encarnaciones del hijo de Bran Stoker como son la infantil y hasta ridícula Van Helsing (Stephen Sommers, 2004) o la saga de Crepúsculo (guacala de pollo) que por cierto su tercera parte ya se exhibe en gran parte de las salas de los cines de nuestra ciudad. Cabe decir que esta última ha logrado de manera más certera lo que el Dr. Van Helsing no ha podido, matar, casi borrar del mapa a este inquietante ser.

Pero bueno, como a mi no me gusta que me vean la cara de imbecil, pues que mejor que revisar un verdadero titulo sobre vampiros, para reencontrarnos con una cinta realmente interesante, divertida y a su vez terrorífica, como lo es Fright Night o La Noche del Espanto como se le conoció en México.

La cinta aborda de manera contemporánea (en los 80`s) el mito de Drácula, ya que su historia tiene algunos paralelismos con la obra de Stoker, dicho de otra forma es una interpretación libre de la misma. La historia comienza con un chico, Charley Brewster (William Ragsdale) un adolescente que goza de las películas de vampiros, así como de su programa favorito llamado Fright Night (si, el programa se llama como la película, jajaja), el cual es conducido por una ex estrella de películas de terror llamado Peter Vincent (Roddy McDowall) haciendo alusión u homenaje a Vincent Price de algún modo. En dicho programa se transmiten peliculas de culto sobre vampiros y demás seres de ultratumba, por lo cual es una gozada.

Cierto día la normal vida de Charley (Ragsdale) cambia cuando un nuevo vecino llega a su calle, el chico ve una carroza y a gente sacando un ataúd de una camioneta del vecino de su lado, más tarde una hermosa mujer llega a la casa del nuevo inquilino, el joven observa por la ventana de su cuarto y observa asombrado como la mujer es mordida por el misterioso vecino, el cual es un ¡vampiro!, el joven no lo puede creer, un vampiro de verdad.

El vampiro se llama Jerry Dandridge (Chris Sarandon) el cual se ha percatado que el joven lo ha descubierto, así que le hace una visita para disuadirlo de comentar algo o sufrirá las consecuencias. Obviamente Charley no hace caso, y pide ayuda a la policía, empero estos no le creen, ni su novia, ni su mamá, hasta que recurre con el caza vampiros de pacotilla Peter Vincent, que en un principio tampoco le cree y además es un tanto cobarde (jajaja), sin embargo accede a ayudarlo cobrandole una lanita (jajaja).

Como podrán percatarse la historia es sencilla, ya que esta se desarrolla de manera normalita el joven y el hombre se enfrentan al ser maligno y logran sortear los peligros, pero el desarrollo de la misma esta tan bien llevada que la película se vuelve realmente disfrutable, con escenas bien logradas como la de la discoteca o su clímax final, dentro de la mansión.

También mencionar que la estética del film tiene un aire muy particular, como aquellos video clips ochenteros. Lo que se refiere al ritmo de la cinta, podemos encontrar buenos momentos de tensión, humor negro, pero sobre todo terror, la cinta en su tercio final realmente nos arranca buenos sustos por ejemplo, una de mis partes favoritas es cuando Peter Vincent se enfrenta al vampiro, enseñándole una cruz de madera para alejarlo, y el chupasangre se burla de el diciéndole que esas cosas no funcionan con el, mucho menos si no tienes fe, esta escena es para cagarse de miedo, jajaja.

Otro punto favorable son las referencias dentro de la misma película hacia el mito del vampiro, como el uso de los ajos, el agua bendita (que en este caso no funciona con el no muerto) o el amor eterno perdido, el cual Jerry (Sarandon) desea volver a encontrar, es por eso que el diseño psicológico del vampiro es genial, ya que se muestra como un ser perturbado (un poco como el Dracula de Coppola), pero cuenta con esa gran dósis de maldad con la que debe contar.

Asi mismo, algunos personajes o situaciones pueden caer dentro de tópicos, pero no desmeritan el funcionamiento de la cinta, por otro lado debo resaltar la interpretación de Chris Sarandon como el descendiente de Dracula, ya que este dota de misterio a su monstruo, incluso destila erotismo y sobre todo impone terror cuando muestra su verdadera naturaleza.

Igualmente el apartado de los efectos especiales es de lo mejor, ya que se utiliza maquillaje, prótesis de látex, y litros de sangre artificial para recrear escenas de lo más gore. Por tal motivo esta cinta es un excelente titulo de vampiros, de esos que si causan miedo, y que evita por completo toda esa seudo filosofía existencialista que no aportan nada al mito del vampiro, como lo es la mencionada saga de Crepusculo, la cual lo único que exprime son los bolsillos y las neuronas de los pobres adolescentes que acuden a ver semejante bazofia.

publicado por: Jorge Jiménez

MACHETE

2010-07-12T09:15:00.000-05:00

Jo, jo, jo, estas son noticias que alegran el día. MACHETE 3 DE SEPTIEMBRE.

Karate Kid

2010-07-08T10:46:00.000-05:00

Este viernes se estrena en nuestro estado el remake de KK ( no es caca, es Karate Kid : ), esto me recuerda la KKmania que llegó a provocar la original cinta hace ya varios años y su secuela (claro nunca comparable con aquella batimania que realmente fue sensacional), asistí al cine (ahora abandonado) que se encontraba en la Comercial Mexicana (ya no tan mexicana) de López Mateos, recuerdo que la sala estaba llena y la emoción por verla estaba en el aire, no recuerdo bien si fue la KK1 o KK2 (esto es porque realmente cintas palomeras no se me quedan muy grabadas) lo que si recuerdo bien, es la cantidad de personas que salíamos del cine ese día y nos topamos con otra cantidad igual o más de personas que entrarían a las siguiente función. en fin hay cintas que marcan generaciones como KK, Star Wars, Batman y ahora Harry Potter y la saga Twilight (pobres de estos) el cine como industria, simpre tendra sus fans y sus manias y esto de cierta manera genera recuerdos y momentos cinéfilos imborrables, ya luego les contaré de la batimanía del 89, algo realmente digno de recordar y que no se ha vuelto a ver.

¿EL ADIOS DE JAMES BOND?

2010-07-07T11:47:00.006-05:00

Sin duda una de las franquicias cinematográficas más fructiferas e influyentes en la industria ha sido la del espia más famoso del mundo, el señor Bond.....James Bond. Sin embargo, como ya es bien sabido, las empresas productoras que dan a la luz los filmes de este personaje como son ION, MGM y Sony, estan pasando por graves problemas económicos por la situación actual que vive el mundo, lo que propició la cancelación definitiva de la cinta numero 23 (que por cierto iba dirigir Sam Mendes) del héroe creado por Ian Fleming.

Lo grave del asunto es que con esta noticia, es muy probable que la irregular Quantum Of Solace (Marc Foster. 2008) pudiera significar el adios definitivo del mejor Bond que haya existido desde Sean Connery, el de Daniel Craig, ya que por su edad (cuenta con 42 años) las cosas pudieran ponerse un tanto difíciles para el actor gales, si no basta con recordar como un sexagenario Roger Moore aun interpretaba al personaje, entregando varios filmes inverosímiles y hasta jocosos por lo que la saga sufrió su peor epoca creativa.

Asi que, ojala las finanzas mejoren y podamos ver de nuevo a Craig interpretando al espía inglés, ¿ustedes que creen? ¿acaso será una cuestión meramente publicitaria o sera el adios definitivo de James Bond?

publicado por: Jorge Jiménez

2010-07-06T09:05:00.001-05:00

Nuevo cartel del remake de dejame entrar del director de cloverfield, esta no me parece una mala cinta, pero siempre una obra maestra corre el peligro de ser arruinada o bien quedarse en un intento que ni fu ni fa, pregúntenle a Gus Van Sant con su remake de Psycho y muchos, muchos más. (no niego ke uno otro se salve).

JCVD, La desmitificación del Héroe caído

2010-06-30T15:10:00.027-05:00

TITULO ORIGINAL: J.C.V.D. (JCVD: The Movie)
AÑO: 2008
DURACIÓN: 93 min.
PAÍS: Bélgica
DIRECTOR: Mabrouk El Mechri
GUIÓN: Frédéric Bénudis, Christophe Turpin
MÚSICA: Gast Waltzing
FOTOGRAFÍA: Pierre-Yves Bastard
REPARTO: Jean-Claude Van Damme, François Damiens, Zinedine Soualem, Karim Belkhadra
PRODUCTORA: Coproducción Bélgica-Luxemburgo-Francia; Samsa Film S.a.r.l.
WEB OFICIAL: http://www.jcvd-lefilm.com/
GÉNERO Y CRÍTICA: Comedia. Thriller. Drama. Acción

Como buen cinéfilo uno trata de explorar la mayoría de propuestas cinematográficas que van surgiendo, diversos son los movimientos o géneros que existen en este basto universo, sin embargo uno siempre cuenta con un lado oscuro o lo que se conoce como placeres culpables, en mi caso este seria el cine de acción de antaño (ese que se dio entre los años ochentas y finales de los noventas)los cuales brindaban al respetable, llana y pura evasión (con su respectiva liberación de testosterona, faltaba más).

Empero con el paso de los años, aquellos añejos y rudos hombres, superestrellas como Sly (que proximamente entregara su ansiada cinta The Expendables), Bruce Willis, Arnold Schwarzenegger y en menor medida Steven Seagal, Chuck Norris o Jean Claude Van Damme, quedaron en el olvido, ya sea por el desgastado argumento de sus cintas, la llegada de la era digital o incluso por que el mundo se volvio más cínico y estos héroes de acción ya no tenían cabida en el.

Es por eso que hoy he decidido hacer una reseña con mucho cariño a uno de mis heroes de acción favoritos y aclaro trataré de ser lo mas objetivo posible. Dicho personaje es Jean Claude Van Damme, y la película en cuestion se llama simplemente JCVD (por si no lo han adivinado son las iniciales del nombre del actor belga).

Ya se lo que van a pensar, ¡no mames! ¿va a tratar de analizar una de tantas bazofias que ha filmado el músculos de Bruselas? estoy conciente que este señor ha realizado numerosos bodrios, pero en los últimos años se ha esmerado por realizar películas en las cuales intenta demostrar que sabe actuar y no solo se limita a dar patadas, por mencionar alguna, se encuentra la irregular Until Death (2007) de Simon Fellows, donde Van Damme interpreta a un detective corrupto y adicto a la heroína.

En dicho film Jean Claude se esfuerza por dotar de matices a su personaje y de hecho lo logra, ya que su personaje llega a ser repulsivo, sin embargo el mal guión, asi como un nulo manejo de ritmo hacen de la cinta un producto más de serie b que paso sin pena ni gloria por las estanterias de los video clubs, pero pasando a la cinta que nos ocupa, en JCVD se desarrolla un tema interesante, algo asi como una autoparodia, autobiografía y hasta un autohomanaje al cine del propio actor.

La película comienza con una secuencia de acción donde nuestro protagonista se encuentra en un campo lleno de explosiones, ahí reparte moquetazos, rescata a un prisionero, esquiva balazos, lanza granadas (todo hay que decirlo filmado con una grandiosa toma continua) para que al final ingrese a una caseta de vigilancia donde se encuentra uno de los secuaces, el villano (oriental) abre la puerta y al cerrarla se cae la escenografía (jajaja muy al estilo de Ed Wood), al fondo se oye una voz que dice corte.

Jean Claude inmediatamente le comenta al asistente del director (que por cierto tambien es oriental y no habla inglés) que le haga saber, que por favor tenga más cuidado al rodar, ya que por su edad ya es muy difícil realizar secuencias de acción como para grabarlas varias veces. El director sarcásticamente le comenta a su asistente "¿qué le pasa? este tipo se cree mucho solo por que se llevo a John Woo a Hollywood, ni que estuvieramos filmando Casa Blanca" (jajaja)

Esta secuencia esta llena de humor negro, y ya podemos ir visualizando por donde va la película, toda una declaración de principios. El desarrollo de la historia tiene buen ritmo,el pobre Van Damme esta de capa caida y tiene que aceptar filmar peliculas de dudosa calidad, ya que necesita dinero para pagar los abogados que llevan el caso de la patria potestad de su hija. ¿Que por que su mujer le quiere quitar a su retoño? pues por que las peliculas que ha filmado el belga son motivo de burla por parte de los compañeros de escuela de su vástaga, razón suficiente para causarle daños psicológicos a la niña, jajaja.

Es por eso que en la proyección el héroe se desmitifica y enfrenta a sus demonios personales, en una de las escenas más emotivas y sinceras que haya visto, Van Damme llora ante la cámara y nos habla, nos pide perdón por haberse prostituido ante esa mafia llamada Hollywood, se arrepiente de haber probado los excesos de la fama, pero tambien nos pide otra oportunidad (de hecho con esta escena yo le perdone haber realizado la excrementable El Tren de la Muerte, jajaja).

La trama como tal se desarrolla dentro de una Banco, donde nuestro protagonista ingresa para disponer de efectivo, sin embargo es tomado como rehén ya que ahí se esta desarrollando un robo, lo que desemboca en varios malos entendidos, al mas puro estilo Tarde de Perros (1975 de Sydney Lumet).

Cabe hacer mención que el guión de la cinta esta bien estructurado, por lo que las situaciones que se van presentando no se sienten forzadas, incluso se puede percibir un balance muy aceptable entre emoción, respeto, humor negro, pero sobre todo sinceridad.

Si hubiera algo que achacarle al film, esto sería el diseño de los personajes secundarios, los cuales fungen como los villanos de la función, ya que son bastante tópicos y las actuaciones en ocasiones se perciben poco creíbles. Sin embargo se agradece que Van Damme intente actuar por lo que provoca que su interpretación se descubra honesta, llegando incluso a humanizar a su personaje.

En el apartado técnico hay que decir que la película tiene buena fotografía, asi como un buen manejo de encuadres (lo que la aleja de una estética cutre) y la aplicación de algunos flashbacks que dotan de ritmo la narrativa de la película, todo esto cortesía de su debutante director Mabrouk El Mechri. Para finalizar debo mencionar que el chiste que hace alusión a Steven Seagal no tiene precio, jajaja.

publicado por: Jorge Jiménez

David Cronenberg´s THE BROOD

2010-06-28T11:08:00.010-05:00

TITULO ORIGINAL: The Brood
AÑO: 1979
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Canada
DIRECTOR: David Cronenberg
GUIÓN: David Cronenberg
MÚSICA: Howard Shore
FOTOGRAFÍA: Mark Irwin
REPARTO: Oliver Reed, Samantha Eggar, Art Hindle, Cindy Hinds, Henry Beckman, Nuala Fitzgerald, Susan Hogan, Gary McKeehan
PRODUCTORA: MGM
GÉNERO: Terror

Actualemente pasamos por una larga sequía en cuanto a oferta cinematográfica se refiere en las salas de cine de nuestra ciudad (a excepción de la honesta e inteligente Toys Story 3)por tal motivo que mejor que regresar a las estanterias de algun videoclub y revisar buen cine, a cargo de un director fuera de serie, el señor David Cronenberg (el otro sería David Lynch, ambos inclasificables) que con pocos recursos logra contar relatos llenos de profundidad, gracias a sus personajes, por lo regular trastornados a nivel psicológico y que de alguna manera reflejan los temores o manías del propio realizador.

En The Brood o Cromosoma 3 como se conoció en España, Cronenberg nos sitúa en un espacio atemporal (no sabemos en realidad la epoca en la que se desarrolla la historia) la primera escena nos muestra a dos sujetos en medio de un escenario de teatro o audiovisual, la luz los enfoca a ellos mientras éstos discuten sobre lo que parece relaciones paterno filiales.

Uno de ellos es el Dr. Hal Reglan (Oliver Reed) quien con una especie de terapia encara a su paciente obligándolo a sacar su ira y frustraciones reprimidas durante años, esto lo logra poniéndose en lugar del padre del paciente. Esto es presenciado por varios espectadores, ya que los métodos del Dr. Reglan suponen un avance en ésta rama.

Es por eso que Reglan tiene una especie de Granja donde trata a varios pacientes, sin embargo un familiar de uno de estos no esta conforme, Frank Carveth (Art Hindle) tiene internada a su esposa Nola (Samantha Eggar) de la cual no sabe en mucho tiempo, solo los fines de semana cuando lleva a su hija Candice a visitar a ésta.

El problema es que el padre sospecha que las visitas de la niña con su madre le provocan problemas psicológicos y físicos, por lo que decide hablar con el Dr. Reglan para comunicarle que no llevará más a su hija y que está decidido a quitarle la patria potestad a la madre, sin embargo el Doctor no esta de acuerdo argumentando que este tipo de decisiones serían catastróficas para el proceso por el cual pasa la mujer.

Empero Frank (Hindle) no está dispuesto a hacerle caso al Doctor, pero como consecuencia el Doctor amenaza a Frank. Asi este (el padre) emprende una búsqueda de algunos ex pacientes que no quedaron satisfechos con el tratamiento para demandar al mentado psiquiatra.

Asi es señores y señoras, tal vez el argumento parezca tópico pero no, el director canadiense solo sienta las bases de la historia y nos presenta a los personajes para desarrollar una inteligente e inquietante cinta de horror.

De hecho hay aspectos bastante perturbadores en la relación que tiene el Dr. Reglan y su paciente Nola (Eggar) los cuales van más allá de lo profesional, además que la cinta alcanza niveles de verdadera intranquilidad cuando hacen acto de aparición las criaturas malignas que se despachan a todos aquellos que representan una amenaza para Nola.

Éste es otro aspecto fundamental en la historia, ya que las criaturas son la representación tangible de odio, frustraciones, maldad, envidia, etc, que siente Nola y que son 100 % humanos, asimismo que tienen más impacto con el espectador por tratarse de figuras infantiles, con la variante de contar con mal formaciones en sus rostros y la emisión de sonidos guturales bastante desagradables.

Aquí volvemos a descubrir esas características físicas y psicológicas con las que Cronenberg dota a sus personajes, al mismo tiempo que apreciamos esa fascinación por la carne humana, materia maleable que retrata la condición humana y que sirve como verdadero manifiesto del mensaje final.

Por otra parte la cinta esta bien contada, el director canadiense logra meter al espectador en ésta pesadilla que va desvelando poco a poco sus intenciones y que desembocan en un final bien resuelto. Asi mismo otro acierto en el film es su atmósfera opresiva que perdura prácticamente en todo el metraje y que como comentaba en un inicio, la historia transcurre en un tiempo que podría ser nuestro presente ya que la obra se percibe atemporal, lo que demuestra que ésta obra cinematográfica sigue vigente a 30 años de su gestación.

Asi mismo las técnicas de maquillaje y los FX empleados, como prótesis (probablemente hechas de látex) y el gore manejado sirven como elementos que refuerzan el relato y no como mero adorno para hacer el film más violento.

Sin embargo la cinta no funcionaría tan bien si no fuera por sus actores, éstos les imprimen veracidad a sus personajes despojándolos de cualquier cliché. Asi que amigos míos, The Brood es una interesante propuesta cinematográfica con aire a las cintas de serie B, pero que sin embargo muestra de manera inteligente (eso ya es mucho pedir hoy en día) el auténtico terror del ser humano, su propia naturaleza.

publicado por: Jorge Jiménez

TOYSTORY 3

2010-06-25T10:27:00.000-05:00

El día de ayer fui a ver TS3 (al fin) como tiene que verse, en 3d y digo que tiene que verse de esta manera ya que al recibir tan buenas críticas y algunos considerarla como una de las mejores cintas de todos los tiempos, los mejor era verla lo mas espectacular posible y decidí hacerlo de esta manera, al llegar a taquilla pague $150 pesos por 2 boletos (ouch) y recibí los susodichos lentes 3d, entramos a las sala, me coloque cómodamente para ver la cinta y al abrir los lentes... estos estaban sucios como de salsa de palomitas o algo así, la película ya estaba empezando y yo con los chingados lentes sucios!!... me lleva!!, rápidamente me lanzé a taquilla a cambiarlos por otros, al regresar y ya cerca de la sala los abrí para verificarlos y nuevamente me habían entregado otro par de lentes sucios (no chingen) regrese por segunda vez a taquilla a que me los cambiaran, abrí los terceros ahí mismo y sucedió exactamente lo mismo, ¿¿que mis $150 pesos no le alcanzan al puto cienepolis para darme un par de lentes nuevos o desinfectados o al menos limpios??... me dieron los cuartos y lentes.... y lo mismo.. mierda al tetaedro pensé -mientras TS3 se proyectaba alegremente- la quinta es la vencida y ya encabronado le dije a la de la caja "que es una broma? o que?, no tienes unos nuevos? el boleto no es nada barato para que me salgan con esto", " inmediatamente me dieron un quinto par pero esta vez casi nuevos... digo no es que sea exagerado pero creo que el costo del boleto alcanza a que nos den un par de lentes nuevos y evitarnos este tipo de situaciones y algunas posibles infecciones por salsa rancia de palomitas, en fin regresé a la sala y TS3 me hizo olvidar por un instante no solo esto, sino todo lo que ocurre a nuestro alrededor, en resumen es una de esas películas que te hacen recordar lo grandioso que puede ser el cine... gracias PIXAR.

¡NACO ES CHIDO!

2010-06-08T15:24:00.000-05:00

Lo nuevo de los botellos, un falso documental que me gustaría ver por varias razones, la primera porque soy amigo de Armando Vega Gil y hace un año platicamos de este loquera, espero divertirme al verla.

POST MORTEM Cartel 1

2010-06-08T15:16:00.000-05:00

POST MORTEM 2010, Primer cartel

2010-06-08T12:30:00.000-05:00

Lo último de Winterbottom

Premier de ABEL

2010-06-01T10:47:00.000-05:00

Por: Paloma Mora/ Pland.com.mx

Llegó por fin el día, el estreno de la esperada Abel (Diego Luna, 2010). El Teatro Aguascalientes, convertido en incómoda sala de cine estaba a reventar; sea por la admiración que Diego Luna levanta entre groupies pseudointelectuales, por las notas que semana a semana aparecían en los diarios mencionando irregularidades en el préstamo de fondos del gobierno del estado o por ver la ciudad de Aguascalientes proyectada en la pantalla, aquello era la mar de gente.

Nadie sabía cómo vestirse, algunos iban de alternativos, otros de gala con lentejuela y cauda, nosotros de jeans. Algunos funcionarios públicos anunciaban su alegría luciendo elegante traje o vestido caro de coctel esperando al staff de la película. La gente que no fue invitada y tuvo que comprar su boleto era la más confundida, sobre todo por una alfombra roja que ningún famoso recorrería. Aún así todos la transitamos sintiendo las miradas de gente más emperifollada que uno.

Tras un obligado retraso de las estrellas, vimos por fin al director, productor, co-guionista, los actorcitos y al director del Instituto Cultural de Aguascalientes. Todos muy contentos y nerviosos por la llegada de Abel ante el público. Palabras más, palabras menos todos agradecieron el apoyo de todos y nos invitaron a disfrutar.

Close-up al caracol, a los jitomates y al niño protagonista entrelazados con algunos créditos y con una música lenta e infantil. Los primeros 25 minutos pasan lentos, aburridos, sobe todo porque desde los cinco minutos ya entendíamos que Abel tiene un problema mental (no sabemos si neurológico o psicológico, y no se gaste, nunca nos lo aclaran). No voy a contar la historia, pero el planteamiento es sencillo, una familia que vive una doble problemática: la ausencia del padre y un niño que tiene delirios, ataques epilépticos, neurosis o depresión.

Después de estos minutos la cosa se pone divertida, diálogos chistosos entre los familiares, una interacción conmovedora entre los dos niños que son hermanos y hacen de hermanos, gags y referencias muy hidrocálidas exprimen las risas del público (me incluyo). Son tan divertidas que pasamos por alto que la película ya se perdió, la dicción de todos los actores se descompone, aparece de manera innecesaria el padre que en nada vuelca la trama, nos involucramos con la historia entre la hermana y un novio sin importancia y se modifica de manera tramposa el tono sobre la afectación mental de Abel, ahora es un chiste.

Y así, como todo llega débilmente, se va débilmente. Entonces me doy cuenta de que la intención no fue profundizar en un conflicto, sino verlo por encima, para que no suframos tanto por realidades tan feas. Si es así, ¿para qué tratar dos temas tan serios, además de inconexos, en una película para entretener? Se nota entonces que es el primer ejercicio del incipiente director de cine, pues más que una falla se trata de una exploración cinematográfica.

Pero no crea que pienso que sea una película mala, que tampoco buena, yo recomendaría verla para conocer el lenguaje que Luna empieza a desarrollar en el cine, para tomarlo en serio dentro de su nueva profesión. Y es que hay algunas escenas de la película realmente bien logradas, además de que agradecemos que la ambientación plasme Aguascalientes como una ciudad moderna como cualquier otra del mundo y no como una curiosidad de provincia.

El final llega, la reacción en algunos es de lágrimas, en la mayoría de pasmo y en otros, créame, risa. Aplausos del público, sobre todo cuando se ve en los créditos “Agradecemos a la población de la ciudad de Aguascalientes, bla, bla, bla” Después las felicitaciones, la entrega de cincuenta mil pesos al Hogar de la niña y un brindis con mariachi. Me di tiempo de pasear por el lobby del teatro para escuchar las opiniones, en general todos opinan que estuvo de bien a excelente. Pero fueron pocos los minutos que tuvimos para conversar, pues tanto Secretarios como artistas se fueron a una fiesta privada sin convivir mucho con los espectadores. Así que salimos del teatro después de tomar la media copa de vino blanco que sirvieron, veía las luces gigantes que se contrataron para iluminar el cielo mientras la música de los mariachis iban alejándose. Yo sólo puedo decir que estoy satisfecha con el producto, finalmente siempre prefiero que se gaste el dinero en arte que en puentes.

30 FIC, UAA.

2010-06-01T10:32:00.000-05:00

Nuevamente llega el cine a la UAA, confieso ke acabe un poco desilusionado por la calidad de proyección de la última muestra, pero en fin, ya no comprare bono, mas bien iré a las ke estén mejor recomendadas, ahí nos vemos.

YOU WILL MEET A TALL DARK STRANGER

2010-05-17T14:22:00.003-05:00

Lo nuevo de Woody Allen

CANNES 63

2010-05-14T21:31:00.001-05:00

Tenia bastante tiempo sin postear, obviamente con el comienzo de la 63 edición del festival de Cannes regreso (no podía haber escogido mejor fecha) bueno como este es mi primer nuevo post de muchos mas, les comento que hoy ABEL se proyecta en cannes, esperemos que le vaya bien, para bien del Gobierno del Estado, del ICA, y de miles gentes más, aunque IMDB ya la calificó con un 4.8, esperemos que se no sea tan mala, ya la veremos en su estreno aqui en el Teatro Aguscalientes y hablaremos más a fondo de ella.

EL CINE CLUB: Así en la tierra como en el cielo nos tocó vivir

2010-03-19T00:58:00.003-06:00

OÍDOS QUE VEN: Sean partícipes de una película que transmite un gran deseo de la vida a través de amor, dolor y lágrimas título de nuestra primer temporada cinefílica en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto 242 casi esq. con Guerrero.

ASÍ EN LA TIERRA COMO EN EL CIELO (Suecia, 2004) de Kay Pollak

[Sábado 20 de Marzo 7 p.m.]

Daniel Daréus, un famoso director de música, sufre un ataque al corazón por su acentuado ritmo de vida profesional, sobrevive e interrumpe su carrera exitosa con una jubilación temprana. Decide regresar a su ciudad natal al norte de Suecia, para vivir pacíficamente. Compra una escuela vieja e inmediatamente es invitado por el Pastor Stig a participar en el coro de iglesia, pero Daniel reticente y tímido se reserva en un principio a hacerse cargo del grupo. Aun así, consigue implicarse con la comunidad y se siente atraído por Lena, una corista que tuvo una relación pasada con el doctor del pueblo. La música de Daniel abre los corazones de los miembros del coro, afectando su vida diaria: el lento Tore tendrá su chance para participar en el grupo; Inger, la mujer de Stig, libera su reprimida sexualidad; Gabriella toma una actitud contra su abusivo y violento marido; el frustrado Siv abre su corazón nuevamente a Lena; incluso Daniel encontrará personas amorosas y a Lena, el amor de su vida. Cuando son invitados para participar en un concurso importante en Viena, Daniel atestigua que su música abrirá el corazón de las personas, las que harán su sueño realidad.

_entrada libre y gratuita!

EL CINE CLUB: otra vez estrenando sentidos

2010-03-11T01:15:00.002-06:00

OJOS QUE OYEN: No se pierdan un estreno underground dentro de nuestra primer temporada cinefílica titulada amor, dolor y lágrimas en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto 242 casi esq. con Guerrero.

CASHBACK (2006) de Sean Ellis

[Sábado 13 de Marzo 7 p.m.]

Ben Willis (Sean Biggerstaff), estudiante de Bellas Artes, sufre de insomnio como consecuencia del abandono de su novia, Suzy (Michelle Ryan). Para hacer más llevadera la vigilia, empieza a trabajar en el turno de noche del supermercado del barrio. Aquí conoce a gente de lo más varipinta con las que ha desarrollado su propia manera de hacer frente al aburrimiento de su jornada. Ben se imagina a sí mismo parando el tiempo; de esta manera, es capaz de apreciar la belleza de un mundo congelado con la gente dentro, especialmente con Sharon (Emilia Fox), la callada cajera que quizás guarde el secreto para resolver su problema de insomnio.

_entrada libre y gratuita!

Sean Ellis (Inglaterra, 1970) empezó en el cine cuando tenía once años. Preparado como fotógrafo de naturaleza muerta, Sean se fue de Brighton a Londres en 1994. Aplicar su conocimiento de la naturaleza muerta y usarlo para iluminar a modelos de moda, le ayudó a convertirse en uno de la nueva generación de fotógrafos de moda que estuvieron más solicitados a finales de los noventa. Además, ha dirigido anuncios para Jean Paul Gaultier, Land Rover, Rimmel, 02, EA Games y ha colaborado con David Lynch en una serie de imágenes de moda que fueron publicadas en Harper’s Bazaar. "Una fotografía cada día durante un año" era la idea tras su primer libro "365 – Un Año en la Moda" que incluye trabajo comercial y personal tomado durante 1999.

Este novel y experimentado cineasta británico ha escrito y dirigido dos cortometrajes. LEFT TURN (2001), una oscura película de terror psicológico y la aclamada CASHBACK (2004), una visualmente rica comedia negra que recibió el máximo galardón en 12 festivales internacionales de cine.

The Klass (Opera Prima de Ilmar Raag)

2010-03-01T06:30:00.005-06:00

Lo que pasa en el aula se queda en el aula.
Un final que logra una catarsis colectiva entre los espectadores.

Dirección y guión: Ilmar Raag
País: Estonia
Año: (2007)

El tema del “acoso escolar”, popularizado con el termino anglosajón de “bullying” desde que salieron a la luz las consecuencias de esta brutal pero usual actividad con eventos como la masacre de Columbine (1999) que fue difundido principalmente en un Documental (Michael Moore 2002) y por un tan sorprendente como inquietante film llamado “Elephant” (Gus Van Sant 2003).

The Klass es la opera prima de Ilmar Raag (algo sorprendido me sentí porque se veía muy familiarizado con manejar el flujo de la historia y lograr atraparte al ser también guionista), en este film nos cuenta la historia de Joseph un joven introvertido cuyos talentos no comulgan con los del resto del grupo, cuyo acoso comienza por los “brabucones del grupo”, en el transcurso de la historia uno de los abusivos se empatiza con Joseph y comienza a protegerlo, pero esto no detiene a los demás y llevan las cosas demasiado lejos.

A pesar que en algún momento puede ser predecible el flujo de la historia esta sublimemente manejado el flujo de la historia hasta lograr envolverte en un ambiente de incomprensión, soledad, frustración y humillación a un punto que es inclusive comprensible cualquier acción para detener de forma definitiva este problema.

A pesar de intuir cómo finalizará todo, la película consigue atrapar en una ambientación totalmente verosímil, hasta analizar psicológicamente algunos personajes (Como el papa de Joseph y deducir porque el es asi), con algunas secuencias muy bien planteadas y rodadas, apoyadas por las interpretaciones realmente creibles, como la de los dos jóvenes protagonistas, con especial parada en Vallo Kirs, con un final en el que no se puede hacer otra cosa que levantarse a aplaudir.

Puntos Positivos. Excelente trabajo de los personajes así como su entorno, buen manejo de las tomas que dejan implícita partes de la brutalidad y dejándola a la imaginación, el flujo de la historia es bastante digerible y te va guiando hasta el punto que quiere, logra hacerte sentir exactamente lo que el quiere que sientas.
Punto negativo. Podría ser la historia, aunque basada en una historia real (lo cual es espeluznante), se vuelve un tanto predecible. (En fin no creo que sea en realidad algo malo pero seria el punto Negativo)
Hafter
TRAILER

Visita cincine.blogspot.com donde se especifican los links de descarga de este y otros dos films del genero.
(Esto entendiendo lo dificil que será ver este Film en Cartelera o al menos en DVD, inclusive en españa se habla de lo dificil de adquirirla, y considero es un film que vale la pena ver)

EL CINE CLUB: Azul nuevamente por amor, dolor y lágrimas

2010-02-25T00:43:00.001-06:00

AVISO: Debido al éxito de la función anterior se repite la programación, así que no te pierdas la oportunidad de disfrutar de la gran temporada fílmica amor, dolor y lágrimas en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto 242 casi esq. con Guerrero.

AZUL (1993) de Krzysztof Kieslowski

[Sábado 27 de Febrero 7p.m.]

Krzsysztof Kieslowslki (Varsovia, 1941-1996) fue un cineasta que se especializó en buscar conocer el alma humana -a partir de sus criaturas ciertamente, pero más quizá por el diálogo con el espectador de sus filmes. Un náufrago que encontró la purificación final en la humanidad que tanto amó.

En La Libertad es Azul, Julie (Juliete Binoche) pierde a su marido y a su hija en un accidente automovilístico; su trayectoria es de recuperación, aprendizaje y purgación de los sentimientos que reprime, su dolor es tan intenso que rechaza al mundo y a la vida, negando violentamente el amor de Olivier (Benoit Regent)- en última instancia alcanza la redención por el coro.

_entrada libre y gratuita!

EL CINE CLUB: Azul a propósito de amor, dolor y lágrimas

2010-02-18T01:13:00.002-06:00

OJO: Si te gustan la música y el cine no pierdas la oportunidad de sumarte a la gran temporada fílmica amor, dolor y lágrimas en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto 242 casi esq. con Guerrero.

AZUL (1993) de Krzysztof Kieslowski

[Sábado 20 de Febrero 7p.m.]

En La Libertad es Azul, Julie (Juliete Binoche) pierde a su marido y a su hija en un accidente automovilístico; su trayectoria es de recuperación, aprendizaje y purgación de los sentimientos que reprime, su dolor es tan intenso que rechaza al mundo y a la vida, negando violentamente el amor de Olivier (Benoit Regent)- en última instancia alcanza la redención por el coro.

_entrada libre y gratuita!

The Road (la Carretera)

2010-02-11T05:36:00.006-06:00

The Road.

Basado en la novela del Pulitzer de Corman McCarthy mejor conocido como escritor de “No es Pais Para Viejos” y dirijida por John Hillcoat.

Como en la Sinopsis hemos leído es un film post apocalíptico en el que la tierra dejo de producir, la luz del sol no brilla más y la esperanza de vida se reduce a pocos años, los pocos sobrevivientes que quedan no son de fiar ya que la mayoría han optado por el canibalismo como una desviación de el instinto natural de supervivencia.
La historia se enfoca en un padre y su hijo la búsqueda desesperada de alimentos y agua así como el afán por este de protegerlo de todo mal (un tema bastante controversial, porque plantea el tema del suicidio o el homicidio altruista).
Lo Bueno. Algo controversial la critica de quienes han leído el libro (Como pasa siempre) por discrepancias de adecuación, pero dejando de lado eso, las escenografías están muy bien cuidadas, el director se toma los primeros minutos para asi empaparnos completamente con la desolación, desesperación y miedo en el que los protagonistas se mueven, como ya mencioné la mayoría de los sobrevivientes se han vuelto caníbales, y el temor a ser devorados es un miedo ancestral que nos ah acompañado a los hombres. En varios momentos de la película te empatizas tanto con los personajes que llegas a considerar que en su situación recurrirías al suicidio. Como la mayoría de estas historias pretende, no solo te hace pasar un momento de suspenso y una trama entretenida sino que te invita a la reflexión con respecto al mundo en el que vivimos. Es impresionante la caracterización física de Vigo es equiparable con Christian Bale en El Maquinista, bajo bastante de peso y con la ayuda del maquillaje se ve bastante demacrado.
Lo Malo. Malo entre comillas porque la cinta es muy buena, sería el vinculo entre el “padre e hijo” es muy débil, en varios momento de la película parece que solo son dos extraños conviviendo.

Básicamente estamos ante una road movie post apocalíptica e híper realista que los tendrá al borde de su asiento y les robara el aliento mas de un par de veces. (Hafter)

EL CINE CLUB: invita a la temporada Amor, Dolor y Lágrimas

2010-02-11T01:46:00.001-06:00

Estimados cinéfilos de ojo colorado, les invitamos a la temporada titulada amor, dolor y lágrimas que inició el pasado sábado y sabrá Melies cuándo termine allá en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto 242 casi esq. con Guerrero. No falten se proyectará:

"Anticristo" (2009) de Lars von Trier

Sábado 13 de febrero 7p.m.

Jameson Notodofilmfest

2010-02-10T21:46:00.003-06:00

"Desde el principio, me hice con una cámara robándola. No me asustó coger para mí una cámara que era propiedad de un predecesor de la Escuela de Cine de Munich. Se suponía que los cineastas debían pasárselas a los jóvenes, pero nunca me dieron una cámara. Así que la cogí e hice 11 películas incluida Aguirre o La cólera de Dios. Y cumplió su verdadero destino; esta cámara se utilizó bien, inteligentemente. Hoy, con estas camaritas baratas y muy profesionales, puedes hacerte con una cámara y rodar una película por 10.000 dólares. Quizás 20.000. Trabaja como gorila en un sex club, como taxista, como carnicero, en algún lugar dónde ganes ese dinero y haz tu propia película. No hay excusa para aquel que quiere hacer películas. Solo consigue una de estas cámaras -no tienes que robarla, solo comprarla- y haz tu película."

Werner Herzog explicando sus inicios en el mundo el cine.

Extracto de la entrevista de Alan Yentob para la serie Imagine.Jameson Notodofilmfest es un festival de cine que nace en el año 2001 con la vocación de apoyar y servir de escaparate a los jóvenes creadores audiovisuales a través de un nuevo medio, Internet; y que además rompe con las barreras de producción y distribución de películas.

No puedes perderte la oportunidad de darle un vistazo a estas propuestas tan creativas como profesionales. (Hafter)

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EL CINE CLUB

2010-02-04T04:38:00.002-06:00

OJO: EL CINE CLUB invita a la inauguración de un nuevo Club de Cinéfilos que adolecen de solventar una entrada al costoso mundo de las capitales del cine y de aguantar el leit-motif de las carteleras. En este club encontrarás una escapatoria alterna del ocio. Un colectivo de peliculeros te esperará todos los Sábados a las 7 p.m. en la Librería "Rayuela" ubicada en calle Nieto casi esq. con Guerrero.

Próximo Sábado 6 de Febrero 7p.m.
¡P E L Í C U L A S O R P R E S A!

FICG 2010

2009-12-11T10:17:00.002-06:00

18 DE DICIEMBRE ES LA FECHA LÍMITE DE RECEPCIÓN DE PROYECTOS PARA EL VI ENCUENTRO IBEROAMERICANO DE COPRODUCCIÓN CINEMATOGRÁFICA